Critiques / Reviews Par René-François Auclair, Marc Chénard, Joseph So et Kiersten van Vliet
/ 1 avril 2016
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 Schubert : Goethe Lieder
Mauro Peter, tenor
Helmut Deutsch, piano
Sony 88875083882 (53 min 20 s)
Le ténor suisse Mauro Peter est une étoile montante dans le monde de l’opéra et du lied. Il a étudié à Munich avec Fenna Kügel-Seifried et participé au Young Singers Project de Salzbourg en 2012, suivant des cours avec Thomas Hampson et Michael Schade. La même année, il a remporté le premier prix du concours Robert-Schumann et est actuellement membre de l’ensemble de l’Opéra de Zurich. Convaincu de son potentiel, Sony l’a mis sous contrat, ce qui est rare ces temps-ci. Ce nouvel enregistrement succède à son excellent premier disque solo Die schöne Müllerin sous étiquette Wigmore Hall, enregistré en concert en janvier 2014. Goethe Lieder confirme notre première impression : Peter est un excellent chanteur dont la voix magnifique, aussi lyrique qu’aristocratique, témoigne d’une musicalité inépuisable, parfaite pour ce répertoire. Dès le premier lied, Ganymed, nous plongeons tête première dans son programme. La plupart de ces poèmes de Goethe exigent la fougue de la jeunesse et une impulsion irrésistible, et Mauro Peter s’acquitte à merveille de sa tâche, redonnant même de l’éclat à certains chants démodés comme Heidenröslein. Si je devais m‘arrêter aux menus détails, je dirais que son interprétation est parfois chancelante, surtout dans les chants lents, et quelques aigus forte peuvent sembler laborieux. Dans l‘épreuve décisive que constitue Erlkönig, il pousse manifestement au maximum ses capacités vocales et ne réussit pas à bien individualiser les quatre voix – l’enfant, le père, l’Erlkönig et le narrateur –, mais son talent est incontestable et l’excellence d’interprétation viendra probablement avec la maturité. Certainement l’un des meilleurs dans le milieu, Helmut Deutsch offre au ténor un soutien impeccable. Pour les adeptes de lieder et ceux qui souhaitent se familiariser avec une nouvelle voix, ce disque est important. JS
Traduction : Véronique Frenette
 R Murray Schafer : Apocalypsis
David Fallis, conductor; A Luminato Festival Production
Analekta AN 2 8784-5. 1 hr 53 min 24 s.
For its 10th Anniversary last June, Toronto’s Luminato Festival staged its most ambitious work to date, R. Murray Schafer’s Apocalypsis. Over 1000 performers from across Canada, both professional and amateur, united to realize this historic music-theatre work, which was performed and recorded in the Sony Centre for the Performing Arts. Due to the massive scale of the work, this is only the second time it was performed (the first was in London, Ontario in 1980), and the first time it had been recorded in its entirety.
The work is divided into two parts : Part One : John’s Vision, Part Two : Credo. The Credo is often performed without the first, so it was important that they be reunited in this two-disc set. Jörn Weisbrodt, the artistic director of the Luminato Festival first listened to Schafer’s Credo while driving. He was gobsmacked, recalling that it was a miracle he did not have a fatal accident.
Though not in a car, I had a similar first experience with Apocalypsis. From the cacophony during John’s proclamation to the music of the spheres in the Credo, I was completely enraptured. One of the highlights of this recording is undoubtedly Tanya Tagaq’s lengthy solo as the Old Woman in the final movement of John’s Vision. The JUNO-Award winning virtuosic throat singer plays the sole survivor of the apocalypse. The peaks and valleys of Tagaq’s lament traverse an entire landscape of human emotion, from breathless heartache to howling mania.
The recoding manages to capture the sheer scale of the production, giving a haunting image of space and scope, in spite of the missing theatrical aspects. Though this is perhaps not easy listening for an afternoon drive, Apocalypsis is good company while you muse about the end of the world and the birth of a new universe. KVV
 Dutoit/Montréal
1980-2000
Decca. Coffret 35 cd.
Tout a été dit sur Charles Dutoit et l’Orchestre symphonique de Montréal. Les débuts, la consécration et la fin abrupte d’une relation qui a duré près de 30 ans. Et puis, le retour inattendu en février 2016 dans la Maison symphonique dont il rêvait depuis longtemps. Deux concerts plus tard, on se souvient encore de ce baiser sur le front de Martha Argerich, signe affectueux que l’on a pu traduire comme la réconciliation finale avec les musiciens et le public qui l’a toujours adulé.
La consécration est venue lorsque Decca/London s’est intéressée à l’OSM, en quête d’un orchestre « au son français ». Dutoit fut mis sous contrat, lui qui déjà était reconnu pour la qualité de sa direction. Seul problème, la piètre acoustique de la Place des Arts ne convenait pas du tout aux exigences de Decca. En 1980, on choisit l’église de Saint-Eustache en banlieue de Montréal. Pour la soixantaine d’enregistrements qui furent produits à cet endroit magnifique, les rues durent être fermées autour pour éviter tout bruit inutile.
De ce travail colossal qu’a accompli l’OSM, Decca a puisé 35 disques, tous présentés avec soin et classés par ordre chronologique. Les pochettes sont ornées des images originales. Au programme, beaucoup de compositeurs français bien entendu. Une large place est faite à Ravel, Debussy, Bizet, Berlioz, Saint-Saëns, Fauré… et quelques Hispaniques, un peu de Tchaïkovski, Mendelssohn et Stravinski. De quoi plaire à tout mélomane, puisque ces disques sont presque tous demeurés des références. On se souvient de Dutoit pour sa battue élégante, ce regard un peu aristocrate, mais dont l’approbation et la satisfaction se ressentent à chaque mesure. Un coffret indispensable. RFA
Livre
 La nuée – L’AACM : Un jeu de société musicale
Alexandre Pierrepont
Editions Parenthèses, Collection Eupalinos – Jazz et musiques improvisées
Paris, 2015, 431 p. ISBN 978-2-86364-669-4.
Rassemblement de musiciens afro-américains, l’Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM) a marqué ses 50 ans d’existence l’an dernier. En 2008, l’un de ses membres, le tromboniste et académicien George Lewis, publia un ouvrage fouillé sur cette société fondée à Chicago en 1965. L’automne dernier, une seconde étude a vu le jour en France, celle-ci d’Alexandre Pierrepont. À la fois journaliste, chargé de cours, promoteur et créateur d’un programme d’échanges d’artistes et de tournées de spectacles entre la Ville Lumière et la Ville des vents, Pierrepont traite le sujet d’un autre angle que son prédécesseur qui, de son côté, retraçait le parcours du collectif d’un point de vue historique et biographique. Ce nouveau livre, en revanche, adopte une perspective anthropologique, plus précisément ethnologique. À cette fin, l’auteur applique son concept théorique fétiche de « champ jazzistique », mis de l’avant en 2002 dans son ouvrage au titre éponyme, également paru chez le même éditeur. Le présent pavé se situe donc dans le prolongement de ce premier livre et prend les allures d’une étude de cas, abordant son sujet dans ses dimensions historiques, sociologiques et philosophiques, le tout reposant sur une longue discussion théorique de plus de cent pages. Aussi rigoureux et exigeant soit-il, l’ouvrage aurait pu bénéficier d’une section iconographique, ce qui aurait pu agrémenter la densité du texte, mais enfin... Néanmoins, on explique mal l’absence d’un index et d’une bibliographie, deux composantes essentielles, voire indispensables, à toute monographie sérieuse. (Voir www.pointofdeparture.org pour une critique détaillée de cet ouvrage – en anglais.) MC
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