Jazz: Andrew Homzy, Quand les « classiques » se mettent à jazzer, & L’histoire du jazz dans le documentaire by Marc Chénard
/ December 1, 2010
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Andrew Homzy:
Devoted to the Cause of Jazz
by
Félix-Antoine Hamel
When school recesses for the Christmas
Holidays, Andrew Homzy will retire from teaching at Montreal’s Concordia
University after 33 years and move to British Columbia. Recognized as
one of the foremost jazz musicologists in North America, Homzy is internationally
renowned as a Duke Ellington scholar and expert on early and classic
jazz, with a thorough knowledge of composers and arrangers ranging from
Jelly Roll Morton to Francy Boland. In a recent phone interview, Homzy
(always a fascinating and engaging conversationalist) talked about his
early days in Montreal, his approach to jazz pedagogy and his passion
for music.
Born in 1945 and raised in the Cleveland
area, Andrew Homzy played tuba there before coming to Montreal in 1967
to pursue his studies at McGill University with the Montreal Symphony’s
tuba player. Under the tutelage of Marvin Duchow, after whom that institution’s
music library is named, Homzy wrote a Master’s thesis on jazz, the
first in Canada, and he fully credits his director for giving him the
chance to do it. Looking at instructional books published since the
late 1910’s, Homzy delved into a period in which jazz had yet to be
treated seriously, and in which some of the basic elements of the picture
were missing. “First, it was all about white musicians!” he is quick
to point out. “They didn’t even talk about Blacks until about 1936,
when Europeans Robert Goffin and Hugues Panassié (both non-musicians)
began to write.” As a witness to the birth of the jazz educational
system, Homzy then met people like David Baker and Jamey Aebersold at
a school in Tanglewood (where he first heard Ornette Coleman). Then
he began teaching himself, first at the high school level until 1977
when he joined the Concordia staff. In the meantime, he maintained a
career as a working musician on the Montreal scene, playing with Vic
Vogel’s big band as well as with more experimental endeavours, notably
Walter Boudreau’s L’Infonie.
» A world of jazz
While smitten by early jazz since his high school days, he is by no
means averse to modernists like Sun Ra (whom he saw perform several
times beginning in 1971). A fascination with orchestral jazz led him
to study the works of key composers, first and foremost Ellington and
Strayhorn, but also Mary Lou Williams, Tadd Dameron, George Russell,
Gil Evans, Oliver Nelson, Clare Fisher, Francy Boland, Stan Tracey and
Charles Mingus. In fact, it was through his cataloguing of the latter’s
manuscripts in the 80’s that he resurrected the bassist’s celebrated
“Epitaph” opus, in collaboration with another notable jazz musicologist,
Gunther Schuller. Beginning in the mid-1980’s with his own Jazz Orchestra
and later as musical director of the Valentino Orchestra, he was able
to explore the jazz repertoire beyond the bop/post-bop frame by bringing
back to life pop and jazz tunes from the 1920’s and 1930’s as well
as obscure Ellingtonia and lesser-known works by some of the aforementioned
composers. One particular project dear to his heart was a tribute to
Jelly Roll Morton, but finding a public for that kind of music proved
difficult. “I believe we had three rehearsals, then the concert, and
that was it!” Now, after his relocation on Vancouver Island, Homzy
would like to form a repertory New Orleans band, but hastens to add:
“We won’t be playing ‘Hello, Dolly’!”
» The wider picture
While the focus of jazz education has more or less narrowed into a bop/post-bop
frame that covers a 15-to-20-year period, Andrew Homzy has always tried
to make his students aware of the larger picture. In order to impress
on his students that wider view of the music’s history and theory,
Homzy has devised his courses on the very quality jazz has thrived on
for so long: versatility. Dividing the history course into two distinct
semesters, he first gives the students a general overview, after which
he goes into detail in special topic courses, each new one dealing with
a specific theme, be it Duke Ellington (who else!), jazz in 1959, the
modern orchestra, etc. The same approach prevails in his composition
classes, where students are required to write pieces within very definite
and varied parameters: a bebop line, a bossa nova, a ragtime, a composition
in the style of Monk and so on. Homzy likes to deal with a range of
possibilities. “We have a lot of guitarists, so I started guitar ensembles,
for which I arranged different pieces for five to ten of them backed
by rhythm sections, occasionally with other instruments,” he explains.
» Building an audience
Studying jazz for so long has brought one inevitable conclusion: “Jazz
is a music that has lost its audience,” he insists. Coming from the
mouth of someone who is helping to shape tomorrow’s musicians, this
statement may sound bleak, but the man is not pessimistic. “What someone
like Wynton Marsalis does in New York (with Jazz at Lincoln Center)
is very important,” he notes. “Today’s young professionals and
students seem to write music only for other musicians,” he pursues,
noting in passing the frequent lack of humor and life in many performances.
Indeed, the modernist defiance of showmanship has certainly contributed
to the relative public demise of jazz. Gone are the years of great showmen
like Louis Armstrong and Dizzy Gillespie; even the stage antics and
eccentricities of Thelonious Monk, Charles Mingus or Sun Ra brought
a fascination that is lacking in most of today’s jazz, be it mainstream
or avant-garde. In order to rebuild part of the audience, Homzy believes
in the power of education: “Teaching music students is no problem—we
have all the pedagogical tools now—but bringing non-jazz or non-music
students to take introductory jazz courses would surely help the cause.”
Yet, after almost 35 years spent in higher education, he still finds
resistance to the idea among his peers and superiors. While Andrew Homzy
will soon move on, he intends to remain active in the cause to which
he has devoted his life.
Version française disponible en ligne au www.scena.org
Quand les « classiques
» se mettent à jazzer
par Marc Chénard
Peu importe qu’on aime ou non, le jazz
de notre temps est à l’heure des métissages, avec tout ce que l’on
veut comme hybrides. Toutefois, cette tendance a toujours existé. Jelly
Roll Morton parlait de la teinte latine de sa musique, le célèbre
chef d’orchestre blanc des années 1920, Paul Whiteman, voulait faire
du jazz une dame honorable avec son « Jazz symphonique ». Le répertoire
classique a toujours été un matériau d’intérêt pour les jazzmen,
certains grands solistes osant même jouer en toute fidélité des compositions
de musique « sérieuse » (Benny Goodman ou Artie Shaw, par exemple).
Plus exceptionnelles cependant sont les
incursions des musiciens classiques au pays de la note bleue. Stravinsky
en 1948 s’était essayé avec son Ebony Concerto pour l’orchestre
de Woody Herman avec des résultats plutôt mitigés, devançant d’une
décennie la vague Third Stream promue par Gunther Schuller. Conspuée
par la critique, la tentative de mariage des deux mondes échoua en
vertu d’une incapacité des musiciens classiques à « swinguer »
et des jazzmen à lire des partitions fouillées.
Mais le divorce ne fut jamais prononcé.
Certains tirèrent leur épingle du jeu en poursuivant des carrières
parallèles : le pianiste viennois Friedrich Gulda pouvait être aussi
convaincant dans Mozart et Beethoven qu’avec Ron Carter et Freddy
Hubbard. Plus près de nous, des musiciens classiques contemporains
se sont lancés dans un style d’improvisation libre comme moyen d’expression
privilégiée. La contrebassiste française Joëlle Léandre, jadis
proche de Cage et Scelsi, s’adonne presque exclusivement à des rencontres
de musiques spontanées; au Canada, les clarinettistes François Houle
et Lori Freedman s’affichent autant dans les deux mondes.
Jadis rares, ces musiciens classiques
qui trempent dans le jazz ou l’improvisation sont de plus en plus
nombreux. Ces dernières années, on épingle même l’étiquette «
Crossover » sur de tels musiciens qui font des incursions dans les
musiques populaires (jazz inclus). À Montréal, on retrouve plusieurs
exemples de ce genre d’artiste prêt à plonger dans ces eaux extraterritoriales.
Le violoncelliste Matt Haimovitz, par exemple, a lancé tout récemment
son disque de jazz, Meeting of the Spirits. De Gershwin à Strayhorn,
de Miles à Mingus à Ornette, le répertoire est éclectique à souhait
et le contexte tout aussi inusité puisqu’il s’agit d’arrangements
pour son ensemble de huit violoncelles Ucello, le tout bonifié par
la présence de jazzmen invités de marque, dont le batteur new-yorkais
Matt Wilson et l’éminent guitariste John McLaughlin.
Bien que le jazz soit au rendez-vous,
l’improvisation est réservée aux invités, auquel il faut ajouter
le pianiste éducateur Jan Jarczyk sur la pièce-titre de l’album
(composée par McLaughlin à l’époque de son célèbre Mahavishnu
Orchestra). « Je me suis toujours intéressé au jazz pendant mes études,
précise Haimovitz, mais comme ma formation est rigoureusement classique
et que mon professeur n’avait d’oreilles pour autre chose, c’était
une activité extracurriculaire. si l’on veut. En ce qui a trait à
l’impro, j’ai fait une tournée avec DJ Olive, j’avais un trac
fou la première fois; jouer avec rien devant soi c’était dur, mais
je m’en suis sorti. »
Confrère enseignant à McGill comme
Haimovitz, Mark Fewer est plus familier avec le jazz, ayant déjà joué
du saxo alto pour ensuite se consacrer au violon et à la musique de
concert. Pourtant, il a toujours tendu l’oreille au jazz, comme il
l’a démontré le 23 novembre dernier* en se produisant avec l’orchestre
de jazz de McGill et une section de cordes. À cette occasion, il a
créé une œuvre commandée au saxophoniste ténor canadien Phil Dwyer.
« La pièce s’appelle Changing Seasons et s’inspire des
Quatre Saisons de Vivaldi, souligne Fewer lors d’un dîner avec
son confrère violoncelliste. Ce n’est pas une version jazz, mais
une extrapolation sur les tonalités de l’original. Dwyer m’a laissé
des passages pour improviser, mais aussi des parties composées quand
même assez exigeantes. »
Interrogés tous deux sur cette question
du Crossover et de sa pertinence dans leurs projets respectifs,
Haimovitz ne renie pas l’étiquette, quoique le terme ait une connotation
négative, d’où une certaine réserve. Fewer, de son côté, n’est
pas étranger à cette pratique, car il a participé à de nombreux
concerts d’artistes populaires avec accompagnement symphonique. Il
se dit heureux de l’avoir fait, soulignant même un certain plaisir
qui manque parfois dans la musique concertante.
Plus rompu au jazz, le pianiste Matt
Herskowitz pense qu’on colle trop facilement cette étiquette à certains
musiciens classiques. « Quand Kiri te Kanewa ou Yo Yo Ma essaient de
jazzer, ça ne marche pas vraiment. Je crois qu’il faut aspirer à
un certain Crossover plus intégré par lequel les musiciens
des deux camps arrivent à des accomodements raisonnables. » Preuve
à l’appui, son disque récent, Jerusalem Suite, défie les
étiquettes en se situant aux confins des genres, mariant musique du
Moyen-Orient à un certain classicisme rhapsodique et un jazz très
rythmé. De plus, on y retrouve un violoncelliste (Mike Bock) et surtout
la violoniste Lara Saint-John. Bien que cette dernière n’improvise
pas, elle a dû quand même relever le défi de sentir les grooves des
autres musiciens.
Plus éloignée du jazz, mais plus proche
de la tradition du Moyen-Orient, la compositrice Katia Makdissi-Warren
est l’une des rares dans le paysage québécois à laisser ses exécutants
improviser. Dans le second disque de son ensemble à géométrie variable
Oktoecho (La 5e Route bleue), elle offre six de ses compositions,
entre lesquelles de courts intermèdes improvisés en duos par ses exécutants,
soit la pianiste très jazz Marianne Trudel, le joueur d’oud Ismael
Hakki Fencioglou, le percussionniste Patrick Graham et en invité, le
bassiste polyvalent autrichien Peter Herbert. Assumant aussi le terme
Crossover dans sa propre démarche artistique, la compositrice note
toutefois qu’il y a aussi un défi à relever, soit de conjuguer ces
tendances avec créativité, individualité et intelligence.
De toute évidence, les frontières musicales
s’estompent constamment et les musiciens, les plus jeunes surtout,
sont attirés. Mais la résistance du public persiste, dans un camp
comme dans l’autre, hélas !
Pistes d’écoute
» Matt Haimvoitz Ucello Meeting of the Spirits (Oxingale
OX2017)
» Matt Herskowitz Jerusalem Trilogy (Justin Time JUST239-2)
» Katia Makdissi Warren et Oktoecho La 5e Route bleue
(Elyksium MV010)
* À lire en ligne au jazzblog.scena.org :
Critique du concert du 23 novembre
L’histoire du jazz
est-elle soluble dans le documentaire ?
par Annie Landreville
Si la question se pose ainsi, on pourrait
tout aussi bien la formuler à l’envers : peut-on compresser l’histoire
du jazz en un documentaire ? Le sujet est vaste et les attentes des
amateurs se réconcilient difficilement avec la seule curiosité des
néophytes. La plus marquante des tentatives fut la série Jazz
de Ken Burns, diffusée sur les ondes du réseau américain PBS au tout
début des années 2000. Bien qu’on lui ait accordé quelques éloges
pour l’usage de nombreuses séquences d’archives visuelles inédites,
elle a été écorchée par la critique, qui lui reprochait entre autres
de ne consacrer que deux heures sur la vingtaine aux 40 dernières années.
Cette année, une série de huit DVD
produits par Medeci Arts (avec le concours de Naxos) est arrivée sur
le marché, les titres faisant partie de sa collection Masters of
American Music. Mais une fois de plus, cette série pêche par les
même lacunes, n’allant pas plus loin que les années 1960. Diffusée
seulement en Europe dans les années 1980, puis mise en marché en cassette
VHS au cours de la décennie 1990, la série comportait des documentaires
plus généraux, concernant le blues et le jazz, mais aussi, et surtout,
des productions plus intéressantes traitant de ses figures emblématiques,
soit Count Basie, John Coltrane, Charlie Parker, Thelonious Monk, Billy
Holiday et Sarah Vaughan.
Parmi les titres plus généraux,
The Story of Jazz, du réalisateur Matthew Seig, offre un tour de
piste de deux heures. Bien que factuel, il ne met pas les différents
éléments historiques en perspective. Comme la plupart des documents
d’archives sont repiqués de la série précédente, il laisse une
impression de courtepointe un peu décousue. Un documentaire sur l’histoire
du jazz qui ne mentionne même pas les noms de Sonny Rollins ou de Charles
Mingus a de quoi laisser des doutes.
Dans tous les portraits de musiciens,
la parole est donnée aux collègues et membres de l’entourage ou
de la famille, mais non aux historiens, journalistes ou critiques. Entendre
les témoignages de Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Carmen McRae, Lester
Bowie, Billy Taylor et ceux des conjoints donne une note d’intimité,
quoiqu’un coup d’œil pertinent de ces autres observateurs aurait
été un bon complément. Côté montage, il y a beaucoup de répétitions,
voire des maladresses : on y voit beaucoup de séquences de gens dansant
pour combler un manque d’archives visuelles, menant souvent à confusion
entre ce qu’on entend et ce que l’on voit, surtout quand les rythmes
musicaux ne collent pas avec les images.
Malgré ces lacunes, il y a quelques
trouvailles disséminées dans ces titres. Dans The Many Faces of
Billie Holiday, les interventions de Carmen McRae ou du pianiste
Mal Waldron, dernier accompagnateur de Lady Day, sont particulièrement
touchantes. Dans Celebrating Bird
– The Triumph of Charlie Parker, sa première femme, Rebecca Ruffing
(qu’il a épousée à l’âge de 16 ans), raconte avec émotion comment
il lui a demandé après deux ans de vie commune de le « libérer »
pour que sa carrière puisse prendre son envol.
Étonnant par son approche didactique,
Thelonious Monk – American Composer offre davantage de repères
chronologiques et l’on identifie au moins les titres des pièces jouées.
Certains propos, dont la compréhension serait ardue pour le néophyte,
sont bien vulgarisés, surtout par les explications du pianiste Randy
Weston qui ne se contente pas de décrire la technique de jeu de Monk,
mais l’illustre au piano. On retrouve ici un bel équilibre entre
les vies professionnelle et personnelle de cette légende du jazz, le
récit étant bien arrondi par les entrevues avec sa sœur, son fils
et son batteur Ben Riley.
Quand on raconte la vie d’un Thelonious
Monk ou d’un John Coltrane en une heure, il y a forcément des trous,
mais on peut heureusement les combler de nos jours sur la grande toile
qui regorge de documents d’archives extraordinaires. Outre cette série,
signalons quelques documentaires dignes d’intérêt disponibles sur
le marché en ce moment, notamment Imagine the Sound des Canadiens
Ron Mann et Bill Smith ou Charlie Haden Rambling Boy de Reto
Caduff (souligné dans ces pages en décembre dernier). Puis il y a
la série Jazz Icons qui, l’année dernière, a lancé Icons Among
Us: Jazz in the Present Tense, un véritable instantané de la scène
jazz contemporaine. Il va sans dire, la grande série documentaire sur
l’histoire du jazz reste encore à faire.
Les DVD de la collection Masters of
American Music sont tous en version anglaise avec sous-titres disponibles
en français et en allemand. |
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