Critiques / Reviews

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Critiques / Reviewers

NB: Normand Babin, RB: René Bricault, FC: Frédéric Cardin, EC: Éric Champagne, PG: Philippe Gervais, WSH: Stephen Habington, AL: Alexandre Lazaridès, PP: Pemi Paull, JKS: Joseph K. So

DISQUES

Alexandre Tharaud plays Scarlatti
Alexandre Tharaud, piano
Virgin Classics 5 099964 201627 (70 min 45 s)

À l’instar de ces clavecinistes qui nous persuadent sans peine que les sonates de Domenico Scarlatti ne peuvent être exécutées que sur leur instrument, Alexandre Tharaud, comme Horowitz ou Zacharias, nous convainc, lui, que ces mêmes œuvres sonnent de façon souveraine au piano – un magnifique Yamaha en l’occurrence. C’est affaire non seulement de vision, mais aussi d’équilibre entre les divers paramètres de la technique musicale. Un tel équilibre ne peut être confondu avec la pure virtuosité exigée par ces compositions bithématiques que leur auteur désignait par le terme d’« exercices », lequel peut sembler maintenant trop modeste. La pondération recherchée par le pianiste français du rythme, du phrasé et de la dynamique convainc à tout coup. Le fréquent contraste entre les thèmes des dix-huit sonates retenues est habilement exploité pour accentuer l’unité dans la diversité. De la première, la féline K. 380 qui fait entendre des claquements de zapatéado, à la dernière de son programme, l’élégiaque K. 9, Alexandre Tharaud se révèle comme un musicien accompli. AL

Bach : 6 Partitas
Irma Issakadze, piano
Oehms Classics OC781 (2 h 29 min 45 s)

Plusieurs critiques ont comparé le jeu d’Issakadze à celui de Glenn Gould. Si la jeune Géorgienne n’a pas la flamboyante originalité du grand Canadien, sa présente offrande n’en demeure pas moins, dans un certain sens, plus satisfaisante : prise de son aussi rapprochée mais moins dure (avec un moyen-grave digne de mention), absence de l’insupportable « accompagnement vocal » gouldien, touche péremptoire mais plus colorée. Mentionnons également que son ornementation (surtout dans la Première) et ses accords plaqués atteignent une précision franchement phénoménale. D’un autre côté, sa hantise de la pédale lui joue des tours, notamment dans la Quatrième, d’une plate sécheresse. Heureusement qu’elle n’abuse pas du rubato non plus, car celui-ci semble quelque peu affecté. Voici donc une performance recommandable, plus pour sa fiabilité que son sens artistique. RB

Bach : Suites & Partitas
Dom André Laberge, clavecin
Analekta AN29767 (env. 65 min)

Bien que cet album ne soit pas sans défauts, ces derniers s’estompent quelque peu face à leurs antithèses respectives. Il ne s’agit pas d’un enregistrement neuf, mais de la réédition d’une lecture vieille de 22 ans ? La prise de son initiale est superbe, avec ses graves particulièrement réussis, et la remasterisation nous fait oublier son âge vénérable. On n’apprécie guère qu’il s’agisse de transcriptions ? Celles-ci datent pour la plupart du 18e siècle (jouissant donc d’un certain intérêt historique) et font voir les œuvres sous un jour nouveau, l’écriture semblant moins soumise aux contraintes instrumentales. Certains n’apprécieront pas le rubato « sautillant » propre à l’interprète bénédictin ? D’autres aspects de son jeu, pour ne rien dire de sa franchise et son intelligence musicales, valent le détour. Bref, si le répertoire vous intéresse, vous ne serez pas déçu. RB

Beethoven : Piano Sonatas Op. 10, Nos. 1, 2 & 3
Mari Kodama, piano
PentaTone Classics PTC 5186 377 (59 min 20 s)

En cours d’enregistrement de l’intégrale des sonates pour piano de Beethoven, Mari Kodama présente cette année les trois sonates de l’opus 10. Étrangement et sans explications, les sonates sont données dans l’ordre contraire, soit 3, 2 et 1. Cela ne sera pas la seule incongruité de cet enregistrement. Madame Kodama (alias Madame Nagano) joue comme une bonne élève le ferait, avec bravoure, brio et une technique assez irréprochable, ces sonates qui sont justement plus fréquemment entendues dans les salles de conservatoire que les salles de concert. Un jeu un peu sec, un son trop dur, le touché trop rude de la pianiste confèrent à l’ensemble une austérité certaine. L’absence de magie et d’humour nous éloigne sensiblement du monde beethovenien pour nous rapprocher de celui de Bach. Les mouvements lents sont ennuyants, on ne sent pas de ligne conductrice et Kodama nous égare. L’allegretto de l’opus 10, no 2 devient sous ses doigts une sorte de sarabande baroque alors qu’on voudrait y entendre un mouvement de danse. On prendra cet enregistrement pour ce qu’il est : partie d’un tout à venir, témoignage d’une certaine façon de concevoir le corpus beethovenien qui manque de maturité. NB

Brahms : Œuvres complètes pour violon et piano
Arabella Steinbacher, violon; Robert Kulek, piano
PentaTone PTC 5186 367 (78 min 57 s)

C’est un bien beau violon que le Stradivarius dont joue Arabella Steinbacher, et elle est attentivement accompagnée par Robert Kulek. Pourtant, l’approche des deux musiciens, en dépit d’une complicité patente, plonge rapidement l’auditeur dans un état d’ennui. Le phrasé est d’un sentimentalisme qui confine à la léthargie, et le lyrisme uniformément retenu sacrifie cette pulsation qui est le cœur battant de toute musique. Les thèmes eux-mêmes à l’intérieur d’un mouvement subissent le même traitement indifférencié, avec des tempos plus ralentis qu’il n’est souhaitable. Le ciel intérieur de Brahms est sans doute nordique, mais contrairement à d’autres interprétations (Suk et Katchen chez Decca, Perlman et Barenboïm chez Sony), nulle âpreté, nulle éclaircie ne vient ici dissiper sa grisaille pour mieux en démontrer la profondeur ou la ténacité, en un mot, pour la rendre nécessaire. Cette recherche de la beauté sonore pour elle-même, réussie jusqu’à un certain point, montre assez vite ses limites. AL

Chants juifs pour violoncelle et piano
Sonia Wieder-Atherton, violoncelle; Daria Hovora, piano
Naïve V 5226 (77 min 14 s)

On pourrait qualifier de « totale » cette production sophistiquée et raffinée. Non seulement la musique y est-elle jouée avec passion et intelligence, mais le livret bilingue français-anglais laisse toute la place aux réflexions personnelles nuancées par un brin de philosophie et de poésie ici et là. Les notes biographiques et musicologiques habituelles sur les œuvres au programme sont donc remplacées par les considérations humanistes de l’interprète, ce qui amène l’auditeur dans une dynamique d’écoute colorée à la fois par la musique elle-même, mais aussi par le climat émotif et spirituel dessiné par Sonia Wieder-Atherton. Certains pourraient accuser l’artiste de nombrilisme. Attaque d’autant plus fausse qu’elle est facile. Pour l’auditeur attentif et sensible, le résultat en restera inchangé : la beauté tangible et intangible, musicale et spirituelle est manifeste et indéniable. À travers ce périple au pays de la « nostalgie du vivre », là où la mélancolie est une facette indissociable de l’existence même, on est bouleversé par la prégnance de la mémoire, diffuse et omniprésente, des racines originelles de l’être (juif) et la tristesse incommensurable de devoir s’en éloigner à chaque instant qui passe. Autour des chants traditionnels (tels le Nigun, Kol Nidre, Kaddish, etc.) revisités par Wieder-Atherton elle-même, on retrouve le Chant populaire no 4 de Ravel ainsi que 5 pièces d’Ernest Bloch. Superbe. FC

Chopin : Tableaux intimes
Jean-Pascal Hamelin, piano
Fidelio musique FACD034 (70 min 26 s)

Parmi la déferlante d’enregistrements de Chopin, celui d’un chef d’orchestre étonne un peu. Ici, le répertoire va des œuvres les plus célèbres aux trop souvent entendues. Malgré tout un carnet d’explications, Jean-Pascal Hamelin n’arrive pas à convaincre des raisons qui l’ont amené à produire cet enregistrement. Le son est souvent dur, et l'on sent le pianiste à la limite de sa technique, notamment dans la grande Polonaise «Héroïque» opus 53 ou dans l’Étude opus 25, no 12. La Grande Valse opus 42 s’achève de façon anémique (à bout de souffle ?) et les Nocturnes sont en général un peu chiches en émotion. Mais le jeune chef ne prétend pas livrer ici un enregistrement de référence. Il veut laisser une empreinte intime de son Chopin. En cela, le CD devrait plaire aux admirateurs de Jean-Philippe Hamelin, à ceux qui suivent de près sa carrière et qui voudraient en connaître plus sur lui. Une confession musicale, une montée de nostalgie pour un chef qui manque un peu de temps pour travailler son piano. NB

Echoes of Nightingales
Christine Brewer, soprano; Roger Vignoles, piano
Hyperion CDA67813 (65 min 52 s)

The “nightingales” in the album title refer to four legendary sopranos of the past (1930s to 1970s) – Kirsten Flagstad, Helen Traubel, Eileen Farrell and Eleanor Steber. These ladies often ended their recitals with encores of songs by (mostly) American composers the likes of Leonard Bernstein, Sidney Homer, Sigmund Romberg, Ernest Chares, and Edwin McArthur, the last happened to be Flagstad’s accompanist and also played for the notorious Florence Foster Jenkins under the pseudonym Cosme McMoon. Soprano Christine Brewer was introduced to these songs at seventeen by her college voice teacher, and now she’s made a delightful disc of them on Hyperion accompanied by Roger Vignoles. The big, opulent Brewer soprano is reminiscent of these four great sopranos, particularly Farrell whom I heard live in the late 60s. These songs of a bygone era are melodic, harmonically conventional and on the sentimental side – one could even argue that they are musically lightweight. But in Brewer’s hands, they become masterpieces. She sings each with refulgent tone and admirable sincerity and simplicity. Her diction is exemplary, but perhaps in her determination to articulate each word, her singing on the “e” vowel above the stave means she sounds occasionally pinched. Familiar ones include “Some other time” by Bernstein and a favourite of Farrell as is Harold Arlen’s “Happiness is a thing called Joe”; Harold Vicars Moya’s “The Song of Songs” was recorded by the great Richard Tauber; and of course “The Last Rose of Summer” by von Flotow is the most famous of all. Also delightful are “In my garden” and particularly “If I could tell you” composed by Idabelle Firestone and used in the Voice of Firestone in the 1950s. “Review”, the last song on the album, is Brewer’s own encore, a tongue-in-cheek piece about a song recital review – I have to say it struck a chord! The booklet includes a beautifully written essay by the late John Steane, plus a short note by Brewer on the genesis of this disc. Priceless is the rather blurry photo of Brewer at 20 with her teacher Glenn Freiner who inspired this album. Not to be missed for the adventurous song fancier. JKS

Jiránek : Concertos et sinfonias
Sergio Azzolini, basson; Marina Katarzhnova, violon; Jana Semerádová, flûte; Collegium Marianum
Supraphon SU-4039-2 (66 min 50 s)

La petite maison Supraphon explore depuis quelque temps la filière baroque tchèque avec un indéniable succès. Les compositeurs proposés ici (Brentner, Jacob, Reichenauer, et maintenant Jiránek), tous actifs à Prague au XVIIIe siècle, sont aujourd’hui méconnus; pourtant ils valent largement le détour. Dès les premières mesures du concerto pour basson qui ouvre ce disque, on est envoûté, et le charme persiste de bout en bout. Jiránek, il faut le dire, avait bénéficié d’une excellente formation à Venise, sans doute auprès de Vivaldi lui-même; il possède la virtuosité du grand maître, mais plus encore le lyrisme et la sensualité, qu’il colore d’une touche de galanterie. Soliste et accompagnateur invité, le bassoniste Sergio Azzolini est un formidable souffleur. Il fait totalement corps avec son instrument et lui imprime mille nuances expressives, comme s’il voulait à travers chaque mouvement raconter une histoire, amusante ou tragique. En plus de deux concertos pour basson, on trouvera ici un délicat concerto pour flûte et un autre pour violon, plus dramatique, de même que deux sinfonias orchestrales, sur le modèle des ouvertures d’opéras italiens. Le Collegium Marianum, ensemble baroque pragois, convaincu que cette musique se défend fort bien d’elle-même, l’aborde avec une simplicité et un naturel tout à fait charmants. Que du bonheur ! PG

Kathia Buniatishvili : Franz Liszt
Kathia Buniatishvili, piano
Sony Classical 88697766042 (59 min 9 s)

Dans la jeune vingtaine, Kathia Buniatishvili est déjà une interprète accomplie, une artiste parfaitement assumée. Elle a choisi Liszt pour son premier enregistrement, et c'est là un choix judicieux. La pianiste sait programmer comme peu. D'entrée de jeu, le très célèbre Liebestraum en la bémol majeur révèle la grande poétesse qu'elle est. Vient la pièce de résistance: la Sonate en si mineur. Passant aisément du plus lent au plus rapide, de l’extrême pianissimo au plus tonitruant forte, de la mélodie la plus poétique à la plus pure sauvagerie, la pianiste habite cette pièce, lui insuffle toute sa personnalité. D'aucuns demeureront perplexes devant le résultat, mais voilà indéniablement un enregistrement qui fera date. La Valse Méphisto confirme la prodigieuse technique de Buniatishvili, et la puissance dramatique de La lugubre Gondole achèvera de convaincre les sceptiques. Voilà une immense artiste. La pianiste géorgienne conclut avec un arrangement d’un prélude et fugue de Bach par Liszt, pages apaisantes au sortir d'une fabuleuse et diabolique tornade. NB

Kimmo Pohjonen/Samuli Kosminen: Uniko
Kimmo Pohjonen, accordion & voice; Samuli Kosminen, string & accordion samples, programming; Kronos Quartet (David Harrington, John Sherba, violins; Hank Dutt, viola; Jeffrey Ziegler, cello)
Ondine ODE 1185-2 (51 min 49 s)

Here’s a neat lesson in brand name recognition and the advantage of a dedicated fan base. The cover of this album is dark blackish brown with red streaks. The title and artists are given in tiny letters and it is necessary to look into the booklet to establish Pohjonen’s and Kosminen’s claim to composition and arrangement of the music (a commission for Kronos). Aside from credits and acknowledgements, the data sheet is no more informative than Pohjonen’s website. What (or who) is Uniko other than an international manufacturer of something?

The cultural drift of the 21st century seems in large part to be devoted to refuting Rudyard Kipling’s dictum that “East is east and west is west and never the twain shall meet.” Uniko is an occident-orient express that crashes through all the barriers. Grasping for a comparative, it suddenly occurs and the composers have been listening to the soundtracks created by Goran Bregović for the fabulous films of Emir Kusterica. The similar fusion of computer and instruments and the driving rhythms are indeed suggestive of the Balkan Peninsula. Whether or not that’s what the composers intended, some wizard string playing emerges from the electronic backup. Cross-under concept notwithstanding, this is bracing music. Heartily recommended to Kronosaurs everywhere. WSH

Land of Living Skies : Trios d'anches canadiens
Membres du Quintette à vent Estria
Centredisques CMCCD 16811 (63 min 15 s)

Les trois musiciens d'instruments à anche du Quintette Estria – Étienne de Médicis, hautbois; Pauline Farrugia, clarinette et Michel Bettez, basson – interprètent avec brio un répertoire qui gagne à être entendu plus souvent. Plus homogène que le quintette à vent, le trio d'anches est tout de même riche en couleurs et les compositeurs regroupés ici l'ont exploité avec une diversité surprenante. Ce CD s'ouvre sur une sérénade néo-classique de Stewart Grant, œuvre qui évoque la musique de chambre pour vents de Mozart. Der Goldfish «Le poisson rouge » de Marc O'Reilley offre un univers sonore d'une grande inventivité et d'un charme indéniable. Le Chant de Pauline de Denis Gougeon envoute par ses sonorités chaleureuses et son lyrisme soutenu. Les Fragments / Metamorphosis de Robert Lemay sont plus sombres mais d'une qualité d'écriture notable. Finalement, Land of Living Skies II d'Alain Perron explore la perception de mouvement et d'immobilité dans une œuvre d'un souffle envoutant. Il est à souligner que le répertoire de ce disque a été entièrement composé pour les membres du Quintette Estria, qui poursuit ainsi sa mission de promouvoir la musique d'ici avec éloquence. Confié à des musiciens si talentueux, on ne peut que succomber au charme de ces musiques. EC

Mahler : Symphony no. 8
Merbeth, van den Heever, Marin, Grigorian, Henschel, Botha, Daniel, Youn, solistes; Wiener Singakademie, Slovak Philharmonic Choir, Wiener Sängerknaben, ORF Radio Symphony Orchestra Vienna/Bertrand de Billy
Oehms Classics OC768 (78 min)

Parfois, dignes efforts et bonnes intentions offrent peu de récompenses. À la défense des musiciens, le principal irritant de ce disque provient des limites de l’acoustique et de la prise de son. La seconde, justement à cause de la première, s’avère fort diffuse : accentuant telle ligne ici, là l’étouffant sous une autre, ou là encore exagérant le moindre contraste dynamique indiqué dans la partition. N’empêche que le joyeux sens de la grandeur des troupes dirigées par de Billy ne suffit pas à faire oublier leur insupportable incohérence interprétative, traitant cette Huitième comme un drame opératique italien : vibrato extrême (surtout au soprano solo), phrasé pleurnichard, envie de se démarquer. Sans doute que l’aspect visuel et l’expérience en commun du concert peuvent justifier pareils élans, mais le disque demeure impitoyable à cet égard. RB

Gustav Mahler: Symphony No. 9
WDR Sinfonieorchester Köln/Jukka-Pekka Saraste
Profil PH 10035 (79 min 49 s)

Jukka-Pekka Saraste inaugurated 2011 with a stupendous recording of Mahler’s Sixth Symphony with the Oslo Philharmonic for Simax. Turning to his other orchestra in Cologne, Saraste presents us with an equally impressive account of the Ninth. It is a very individual interpretation. Saraste follows his own star; neither the morbid editorializing of Leonard Bernstein nor the conscious beautification of the music in the Karajan manner is allowed to intrude on the proceedings. This is objective Mahler of the highest degree. And yet the conductor’s best intentions would come to naught without the keen response of the orchestra. Their playing is well-nigh faultless. The strings take flight instinctively, wind projection is perfectly proportioned (including the cheekiest of all clarinet glissandos), and the whole performance is balanced (as is the audio recording) to a fine tilth. With his second distinguished recording of Mahler to be released in as many months, there are ample grounds to suspect that Saraste is a conductor of genuine vocation for the music. Don’t miss it. WSH

Pergolèse : Stabat Mater, Salve Regina, Messe
Gemma Bertagnolli, Barbara Schlick, soprano; Sara Mingardo, contralto; Concerto Italiano/Rinaldo Alessandrini; Europa Galante/Fabio Biondi
Naïve (3 CD : 58 min, 58 min 39 s et 79 min 39 s)

Deux de ces trois CD vendus maintenant sous étui pour un prix modique avaient paru, il y a une quinzaine d’années, sous le label Opus 111, racheté par Naïve au tout début de ce siècle. Le titre qui leur a été donné ne dit pas tout au sujet de cette anthologie apparemment réservée aux chefs-d’œuvre sacrés de Pergolèse. En fait, deux autres compositeurs figurent au programme : Alessandro Scarlatti et Leonardo Leo. Pergolèse est joué avec conviction, mais sans couleur, par Biondi qui dirige ses deux Salve Regina, suivis de celui de Leo, avec, comme soprano, Barbara Schlick, voix alors (1995) plus cristalline mais sans réelle aisance dans l’aigu, quoique toujours émouvante. Rinaldo Alessandrini est chargé des Stabat Mater de Pergolèse et de Scarlatti, chantés avec plus de soin que d’ardeur par Gemma Bertagnolli et Sara Mingardo quelque peu contraintes par la battue du chef. Avec le recul, la direction d’Alessandrini en 1998 semble bien trop compassée par ses lenteurs excessives et ses contrastes recherchés. Il s’en tire mieux dix ans plus tard dans l’admirable Messa Romana de Pergolèse et la Messa per il Santissimo Natale de Scarlatti, œuvre d’une écriture maîtrisée, même si l’interprétation vocale pourrait ici appeler quelques réserves. AL

Prokofiev: Complete Violin Sonatas
Benjamin Beilman, violin; Yekwon Sunwoo, piano
Analekta AN 2 8763 (64 min 24 s)

Benjamin Beilman, the first prize winner of the 2010 Montreal International Music Competition, has revealed himself to be a serious talent on his first release, the complete violin sonatas of Prokofiev. Reminicent in approach to the original interpreter of these works, David Oistrakh, Beilman attacks all three sonatas with measured ferocity. Like Oistrakh, he produces a warm, round, seemingly effortless sound. One never has the slightest doubt about his musical intention or concentrated intensity of his playing. Indeed the poise and polish in Beilman’s playing is very impressive, and he has the makings of a major concert artist. The only drawback to this recording is the very comfort and ease that comes with such a refined reading. Occasionally one misses the edgy darkness which is at the heart of much of Prokofiev’s writing, especially in the op. 80 sonata. Time will tell if Beilman can find the incisiveness, unpredictability and chilliness that a great artist like Kremer brings to the first movement of that sonata, for instance, without losing any of the assurance and maturity he already has in spades. Nonetheless, it certainly is a wonderful interpretation and a fine recording, and well worth repeated listens. PP

Rachmaninoff : Symphony No. 2
Orchestra Dell’Academia Nazionale di Santa Cecilia/
Antonio Pappano
EMI 9494622 (env. 66 min 30 s)

La Seconde de Rachmaninov est une œuvre intéressante quoique décousue. Les thèmes et leurs développements virevoltent dans tous les sens, sans créer de véritable unité (à témoin le second mouvement). Voilà une bonne leçon pour les apprentis compositeurs : la construction par cellules mélodiques clairement définies, si cruciale à la cohérence thématique, ne peut assurer par elle-même la cohérence formelle, qui demeure un défi distinct. Pappano, de toute évidence, a fait preuve de jugement en refusant de s’encombrer d’une conception globale pour se concentrer sur la pure opulence orchestrale des différents «moments» musicaux. Ainsi, on peut apprécier pleinement les indéniables qualités de l’œuvre sans trop s’irriter de ses effets kaléidoscopiques. L’ajout du bref, charmant et rare Lac Enchanté d’Anatoly Lyadov contribue par ailleurs au succès de l’ensemble. RB

Richard Danielpour: The Enchanted Garden, Preludes, Books 1 & 2
Xiayin Wang, piano
Naxos 8.559669 (49 min 37 s)

Composés à 17 ans d’intervalle, les deux livres de préludes pour piano de Richard Danielpour présentent néanmoins de grandes similitudes stylistiques. Ces courtes pièces sont des évocations; elles relatent un souvenir, une histoire. Le jardin enchanté du titre est en fait le jardin privé de Danielpour, et ses préludes sont parfois assez programmatiques pour faire croire à un film qui se déroulerait sous nos… oreilles ! Les influences du compositeur américain sont assez faciles à décrypter. Messiaen pour les harmonies, Chostakovitch pour l’ironie, Ginastera pour les rythmes et certaines grappes de notes, Gershwin pour l’aspect jazzy, notamment dans Lean Kat Stride, une des plus belles réussites de cet album. L’écho le plus fort est toutefois celui de Debussy. Pouvoir d'évocation, symbolisme, impressionnisme et structure rendent hommage au maître français. L’interprétation livrée par la pianiste d’origine chinoise, établie aux Etats-Unis et commanditaire du second volume de Préludes, est assez juste en général. Le son est souvent un peu sec, voire dur, et Xiayin Wang semble parfois s’ennuyer dans les mouvements « faciles à jouer ». Mais l’ensemble présente beaucoup de difficultés techniques où la pianiste brille avec un plaisir évident. NB

Rossini : Arias
Julia Lezhneva, soprano; Sinfonia Varsovia, Warsaw Chamber Opera Choir/Marc Minkowski
Naïve V5221 (58 min)

En 2007, la soprano russe Julia Lezhneva, alors âgée de 17 ans, stupéfie le public et le jury du concours Elena Obraztsova par une interprétation ensorcelante de la scène finale du Zelmira de Rossini (vue depuis plus de 35 000 fois sur YouTube). Aussi était-il tout naturel que la chanteuse consacre son premier récital solo à Rossini, comme l’avait fait Cecilia Bartoli il y a vingt ans. La voix de Lezhneva, agile et veloutée, possède en effet une étendue exceptionnelle qui l’amène jusqu’au registre de contralto, atout précieux dans ce répertoire. Toutefois, ce n’est pas tant l’ampleur des moyens vocaux de la chanteuse qui suscite l’admiration que l’élégance et l’expressivité avec lesquelles elle en use. Voyez comme les ornements dont Rossini parsème sa musique paraissent ici presque improvisés, tant ils sont exécutés avec grâce. Et que de douce tristesse – de morbidezza – dans la prière de Pamyre ou la chanson du saule ! Au pupitre, Marc Minkowski dirige avec son enthousiasme habituel et tire le meilleur parti possible de la Sinfonia Varsovia, même si on eut préféré l’entendre à la tête de ses Musiciens du Louvre, qui maintenant s’aventurent souvent au-delà du XVIIIe siècle. PG

Rostropovich conducts Prokofiev: The Complete Symphonies
Orchestre National de France/Mstislav Rostropovich
Erato 2564 69675-5 (4 h 41 min 52 s)

Les critiques ont été mitigées à l’époque de la sortie de ces lectures des symphonies de Prokofiev par son compatriote Rostropovich. Plusieurs ont détesté cet ensemble. Est-ce parce que Rostropovich était un chef par procuration ? Est-ce parce qu’un grand instrumentiste laissera toujours des doutes quant à ses capacités de direction, surtout lorsque celle-ci devient une deuxième carrière, amorcée à l’automne de la vie artistique ? Peu importe la réponse, le mélomane consciencieux aura néanmoins du plaisir à écouter la « vision » que le chef-violoncelliste russe insuffle à ces partitions monumentales du répertoire symphonique moderne. Les tempi plutôt lents enlèvent un peu de dynamisme à l’ensemble, mais cela ajoute au pathos inhérent à ces exemples probants de l’âme russe du XXe siècle. L’Orchestre National de France n’est peut-être pas le véhicule tout désigné pour ces symphonies, mais il réussit dans ces lectures à projeter et construire un édifice sonore de haut niveau. Rostropovich en est certainement grandement responsable. Ce corpus s’avère, en fin de compte, un ensemble tout à fait digne d’intérêt qui mérite mieux que le mépris facile dont il aura été victime pendant longtemps. Et ce, à prix économique. FC

Saint-Saëns : String Quartets
Fine Arts Quartet
Naxos 8.572454 (62 min 48 s)

On connaît encore trop peu la musique de Camille Saint-Saëns. L’omniprésence étouffante de quelques «tubes » nous fait souvent douter de sa pleine valeur de compositeur. Pourtant, plusieurs enregistrements de sa musique de chambre, entre autres, montrent à quel point ce répertoire négligé par les programmateurs de concerts aurait des richesses remarquables à nous apporter. Les deux quatuors à cordes présentés ici sont des œuvres de maturité. Le premier, en mi mineur op. 112, date de 1899 et le deuxième, en sol majeur op. 153, de 1918 (donc, écrit par un homme de 83 ans). L’op. 112 marque le pas avec son romantisme brahmsien allégé par une économie toute française. La partition de premier violon est aérienne et virtuose, trahissant le dédicataire principal de l’oeuvre, le violoniste Eugène Ysaÿe. L’op. 153 quant à lui, ne démontre pas les affres de la Grande Guerre en train de se terminer, ni l’évolution radicale du langage musical amenée par Stravinski ou Schoenberg. Le quatuor n’en est pas moins une démonstration brillante de savoir-faire et de profondeur stylistique de la part d’un homme arrivé en fin de parcours avec un bagage intellectuel et artistique d’un niveau exceptionnel. Interprétations justes et soignées. FC

Shostakovich – Weinberg: Piano Quintets
Matthias Kirschnereit, piano; Szymanowski Quartet
Hänssler Classics CD93.260 (75 min 59 s)

Correct n’est pas mauvais. Tout dans cet enregistrement tend à le prouver. Déjà les œuvres, intéressantes mais pas géniales. Certes, l’écriture de Chostakovitch est plus subtile, plus raffinée que celle de Weinberg, mais celui-ci montre un sens ludique qui lui permet de rivaliser avec son célèbre aîné. La prise de son, assez réussie elle aussi, est trop neutre pour enchanter. Finalement, les interprètes s’acquittent de leur besogne avec de l’entrain et une bonne écoute mutuelle, mais n’atteignent pas l'indescriptible état de grâce qui bouleverse ceux qui ont la chance d’en faire l’expérience. Le résultat fera plaisir aux amateurs d’une musique de chambre qui se veut moderne, mais qui refuse le plongeon dans l’avant-garde proprement dite. RB

Southam : Glass Houses Revisited
Christina Petrowska Quilico, piano
Centredisques CMCCD 16511 (58 min 10 s)

Bien qu’écrites avec Philip Glass en tête, ces Glass Houses ressemblent plutôt aux œuvres pour piano de John Adams par leur élan mélodique et formel. La mécanique sublime des « processus » du Steve Reich des années soixante-dix n’y est pas absente non plus; cela s’explique par une méthode de composition différente mais au moins aussi rigoureuse : des ostinati (aussi vifs que stricts) à la main gauche servent de fondement contrapuntique au déploiement de mélodies (populaires) à la main droite. Le tout s’anime dans un étourdissant décalage rythmique. Mme Quilico, dans les notes de programme, compare les difficultés d’exécution à celles des Études de Ligeti; cela semble assez juste. Auteure desdites notes de programme, proche collaboratrice de la compositrice sinon sa co-créatrice dans le travail d’organisation et d’édition, la pianiste joue avec toute la sérénité, la joie de vivre et la précision attendues. Un bonheur pour les amateurs, mais aussi une excellente initiation pour ceux qui croient ne PAS aimer la musique contemporaine canadienne… RB

Telemann: Trios & Quartets
Epoca Barocca
CPO 777 441-2 (65 min 57 s)

Florilège de morceaux pour instruments à vent et basse continue (quelques-uns intègrent violon et violoncelle), cette production soignée est éminemment recommandable. La prise de son claire et directe participe au succès de l’entreprise, et le jeu de l’ensemble Epoca Barocca est fort bien équilibré, quoiqu’en retenue par rapport à un standard actuel de «baroquisme» extravagant et expressionniste. Bien sûr, tous reconnaîtront qu’il est plus difficile pour un bassoniste ou un hautboïste d’attaquer les notes avec autant de «sauvagerie» qu’un cordiste avec son archet. Mais qu’à cela ne tienne, l’approche soutenue par l’ensemble est heureuse et plaisante. FC

Yundi plays Chopin live in Beijing
Yundi Li, piano
EMI 50999 6 31639 2 (CD : 70 min 58 s)

Deux grandes polonaises encadrent ce récital de Yundi (il a laissé tomber le « Li ») enregistré à Pékin en 2010. Magnifique, l’Andante spinato et grande polonaise brillante opus 22 est une œuvre un peu capricieuse à la beauté insaissisable par moments. Yundi la rend ici avec grâce et une technique éblouissante. Quelle intelligente entrée en
matière ! En clôture, la Polonaise opus 53, si souvent jouée, est rendue avec une fougue rare et autant de panache. Cette pièce est décidément la plus enlevante du programme. Ce qui sépare entre les deux polonaises ? Voilà où le bât blesse. Le pianiste chinois interprète pour la première fois en public la Sonate no 2. Cette exécution méritait-elle un enregistrement ?… Les Mazurkas, les Nocturnes sont à l’image de la sonate, sans âme. Yundi retrouve son inspiration juste avant la polonaise finale, et joue avec passion le Nocturne no 5. Pour terminer, des rappels mièvres, dont une pièce traditionnelle inécoutable. Ce récital demeure inoubliable pour son début et sa fin. Un DVD du concert est inclus dans le petit coffret. NB

The Romantic Piano Concerto 53 - Reger: Piano Concerto in F minor; Strauss: Burleske in D minor
Marc-André Hamelin, piano; Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin/Ilan Volkov
Hyperion CDA67635 (56 min 53 s)

Le concerto de Max Reger est un véritable monstre musical d’une rare densité sonore. Le critique Nicolas Slonimsky disait même que cette oeuvre était harmoniquement
« visqueuse ». Plusieurs pianistes se sont cassé les dents sur ce morceau coriace qui exige une rare bravoure et une formidable endurance physique. Ces exigences réclamaient manifestement l’arrivée d’un certain Marc-André Hamelin, qui les exhibe avec générosité depuis déjà de nombreuses années. Le Concerto de Reger se déroule et s’épanouit par vagues sonores où la palette thématique post-post-brahmsienne sert de véhicule à une expressivité romantique poussée à ses ultimes limites de cohérence. Le premier mouvement est monumental, tel qu’il se doit, le largo médian réussit à imprimer un peu de tendresse dans cette trame touffue, et l’allegretto final ose être dansant. Slonimsky parlait de viscosité. Il serait plus approprié de parler d’une somptuosité luxuriante magnifiquement rendue par Hamelin. Une très belle réussite. Le Burleske de Richard Strauss, bien connu, bénéficie également du jeu scintillant et éclatant du pianiste québécois. La prise de son est idéale. Un disque remarquable. FC

DOUBLE VISION

Pascal Tremblay Jazz Faction: Lueurs
Fidelio FACD033

The string quartet, in recent times, has become an all-purpose ensemble. The pioneering work of groups like the Kronos Quartet have demonstrated that it can converse on equal terms with a broad range of musical traditions. Pascal Tremblay Jazz Faction join forces on this disc with the Montreal-based Claudel-Canimex string quartet, performing works inspired by popular themes by Debussy, Massenet, Poulenc, Fauré and Rachmaninov. The result of this experiment is a well performed album by all parties concerned, despite a recording that favours the sound-world of the jazz combo. The string sound is one dimensional and a bit raw, the vibrant playing of the ensemble notwithstanding. The problem with this disc is that it is not a collaboration or a meeting of genres as it clearly aspires to be; it is a pretty conventional-sounding jazz album, accompanied by a written-out back-up string quartet, using the impressionist themes it borrows as a dressing rather than as a starting point for a more creative, collaborative exchange. Crossover albums are notoriously hard to pull off, and this one fails to deliver any new ideas, however pretty it may be at times. Pemi Paull

History has shown that jazz and the classics have rarely made good bedfellows, but that does not deter musicians from both camps to take a stab at it. Tenor saxophonist Pascal Tremblay has paired his own jazz foursome (Jazz Faction) with the Claudel-Canimex String Quartet for this 64-minute side. Two of the nine tracks feature the leader’s band alone, a sprightly “Rêverie” (derived from Debussy) and a somewhat mellower “Parabole”. Elsewhere, he turns over the reigns to the string quartet to interpret “Prelude”, a concise through-composed piece of his. Also worth noting is the impeccable sound of this disc, which certainly enhances the listening pleasure. Yet, the nagging question remains concerning the integration of the two quartets. Jazz musicians today are more well equipped to tackle the classical idiom than their counterparts are when it comes to playing music beyond (or without) the page: in the past, the gap was impossible to bridge, but there are more improvising string players now than ever, but it still requires some searching. Marc Chénard, Jazz Editor