Jonathan Crow: Instrument de transmission

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Si on tente d'accoler une étiquette à Jonathan Crow, on reste démuni tant il prend un malin plaisir à les balayer du revers de la main. Né à Prince George en Colombie-Britannique, il a adopté Montréal sans réserve depuis ses études universitaires. Quand il échange avec un interlocuteur, il le fait de façon volubile et pourtant, il semble toujours particulièrement attentif aux propos glissés par l'autre et y réplique sur-le-champ. Doté d'un physique plus qu'avantageux, il choisit le plus souvent la discrétion. On demeure avec l'impression qu'il a ni plus ni moins grandi sous le regard bienveillant des abonnés de l'OSM, troublés presque autant par sa justesse irréprochable et l'ampleur de sa sonorité que par son air d'éternel adolescent. On parle de lui en l'appelant Jonathan, jamais M. Crow. Difficile d'admettre, sauf en acceptant un décompte rapide - il est né en 1977 - que la poussette deux-places stationnée au pied de l'escalier de sa résidence et les petites espadrilles dispersées dans l'entrée confirment qu'il est un père comblé, qui ne s'offusque même pas que son aînée préfère le son de la voix ou du violoncelle à celui de son violon.

Musicien d'orchestre, soliste, chambriste, pédagogue, il refuse d'être cantonné dans un seul genre. Il fréquente avec autant d'aisance Bach ou Tchaïkovski que Ligeti, Schnittke ou des compositeurs canadiens tels que Michael Conway Baker, Eldon Rathburn, Barrie Cabena, Ernest MacMillan ou Healey Willan. « Je trouve particulièrement intéressant qu'un élève arrive avec une pièce contemporaine dont je ne sais rien, confie-t-il. Cela m'aide à élargir mes connaissances musicales. Il y a tant de répertoire à couvrir et tellement de choses intéressantes à faire ! »

Entré à 19 ans à l'Orchestre symphonique de Montréal en tant que deuxième violon solo associé, il migre après quelques mois vers la chaise de premier violon solo associé. En 2002, il est nommé violon solo, devenant ainsi le plus jeune instrumentiste à occuper un tel poste au sein d'un grand orchestre nord-américain - fonction qu'il a assumée jusqu'en 2006. Entre deux concerts de la saison régulière, il continue de jouer comme soliste avec d'autres ensembles. En mai 1997, il interprète le Concerto pour violon de Tchaïkovski lors d'un concert-bénéfice au profit du Victoria Symphony, placé sous la direction de sir Yehudi Menuhin. Soufflé par ce qu'il vient d'entendre, ce dernier le réinvite à se produire avec l'orchestre l'année suivante. Dans une entrevue accordée à La Scena musicale en 1999, Jonathan Crow affirmait vouloir donner une dizaine de concerts solos par année. Il maintient toujours cette promesse, malgré ses 18 étudiants à l'Université McGill et ses activités de chambriste, que ce soit au sein du trio à cordes Triskelion, avec ses complices l'altiste Douglas McNabney et le violoncelliste Matt Haimovitz (tous deux également professeurs à l'Université McGill), avec lesquels il a récemment enregistré les Variations Goldberg ou, dès juillet, avec les membres du nouveau Quatuor Orford (voir encadré).

Il préfère de loin l'effervescence de projets multiples au train-train routinier. « Le public devient souvent blasé et c'est dommage, explique-t-il. C'est pourquoi j'ai choisi de me concentrer sur le répertoire de musique de chambre à ce stade-ci de ma carrière. J'ai beaucoup aimé jouer dans un orchestre mais, dans une salle de 3000 places, la personne assise au dernier rang semble terriblement loin de vous et il est difficile d'établir un rapport avec elle. Si vous jouez par exemple les Variations Goldberg pour 300 personnes, vous pouvez voir la personne dans la dernière rangée et dire si elle ronfle, si elle apprécie ou si la musique la touche. Cette interaction avec le public permet de rendre chaque concert différent. Quand il y a trop de personnes dans la salle, la foule devient sans visage et vous ne pouvez plus maintenir cette connexion. »

Il avoue ne pas adhérer aux discours des fatalistes qui brandissent la menace de l'extinction prochaine de la musique de concert : « On en parle depuis des centaines d'années ! Je pense que les jeunes musiciens sont très réalistes quant à la musique classique. Il y a quelques années, le but était d'obtenir un poste dans un orchestre. Ce n'est pas qu'ils refusent cette éventualité, mais ils ont aussi des projets très intéressants. Certains parlent d'enseigner en Inde, d'autres de jouer dans des lieux inusités, comme le fait Matt Haimovitz. Le milieu évolue, tout simplement. En tant que musiciens classiques, nous devons mieux comprendre notre rôle. Dans une salle, 10 % du public n'est là que de corps, 80 % souhaite un bon divertissement, une belle soirée et apprécie le concert et le 10 % restant est constitué de personnes que vous pouvez réellement toucher... peut-être même seulement 5 %, peu importe. Mais chaque fois que j'ai joué les Variations Goldberg, au moins une personne est venue me dire que c'était le concert le plus merveilleux auquel elle avait assisté. Si nous pouvons susciter de telles réactions, nous aurons plus que réussi notre pari. Le public en aura retiré quelque chose, aura été touché par la musique. »

Cette proximité, il la recherche également en récital ou dans le studio d'enregistrement, même si elle est moins palpable quand il s'agit de transmettre, comme sur ce CD sous étiquette XXI-21, les subtilités d'un répertoire pour violon solo aussi exigeant pour l'interprète - notamment dans la redoutable sonate de Bartók - que pour l'auditeur, qui ne sait pas toujours où donner de l'oreille. « Quand vous voyez un violoniste et un pianiste s'avancer, vous avez des attentes, même si elles peuvent se révéler fausses. Vous savez que le piano aura la ligne de basse, par exemple. Quand vous pensez à un violon seul, vous vous demandez peut-être : "Où est la basse ?" C'est une chose à laquelle je réfléchis quand je joue : qu'écoutera l'auditeur, de quoi a-t-il besoin pour que le tout soit cohérent ? Il doit avoir une idée générale de la structure et je m'applique donc à la clarifier. Cela est encore plus difficile à établir quand vous enregistrez car, au concert, le public peut voir ce que vous faites, comment vous respirez, quand les notes sont produites. Sur un enregistrement, il n'y a rien de tout cela. »

Ce lien privilégié, il le développe aussi avec ses élèves, dont il parle avec fierté. « Je ne savais pas à quoi m'attendre quand j'ai accepté ce poste à McGill. J'avais déjà enseigné, mais jamais à autant d'élèves à la fois. À 18 élèves, ils deviennent pratiquement une famille et ils s'entraident. Ils jouent l'un pour l'autre, offrent des suggestions d'interprétations, se félicitent, s'encouragent. » Il essaie également de s'adapter à leurs diverses personnalités, tout comme son professeur Jehonatan Berick l'a fait avant lui : « Une des choses que j'aimais chez lui, c'est qu'il n'avait pas de système. Quand il enseignait, il le faisait selon les forces de chaque élève. Il était exceptionnel pour adapter son enseignement et c'est quelque chose que j'essaie de faire constamment. Tous les élèves ont des besoins différents. Peu importe qui nous étions, il nous traitait avec le même respect, semblait s'intéresser à chacun de nous. »

Cette considération, cette complicité, il les transmet aussi bien au concert qu'en répétition. « Nous avons joué ensemble plusieurs fois au cours des années, dit le violoncelliste Brian Manker, et l'expérience a toujours été très facile et dénuée de conflits. Jonathan est extraordinairement rapide, intelligent et perspicace. » Le violoniste aurait vraisemblablement rougi légèrement après un tel compliment ou il aurait peut-être simplement empoigné son instrument. Après tout, les paroles s'envolent mais la musique, elle, reste. n