Les Grands Ballets Canadiens charment à nouveau la métropole

C’est le 30 décembre que se concluait à Place des Arts le cycle magique du ballet Casse-Noisette. Après 10 représentations, depuis le 13 décembre dernier, la petite Clara et son merveilleux monde laissent place à l’année 2009. Retour sur les traces enneigées de cet univers unique, bercé par les immortelles mélodies de Tchaïkovski.

Ce qui charme à tout coup tout au long des aventures de Clara et de son cher Casse-Noisette, c’est l’harmonie de l’auditoire, cette symbiose entre petits et grands. Les regards sont lumineux, la magie opère : l’atmosphère des fêtes irradie. L’interprétation joliment ensorcelante de l’Orchestre des Grands Ballets Canadiens de Montréal et la maîtrise de son chef d’orchestre Allan Lewis lancent le bal de cette féerie musicale. Fête des couleurs des costumes imaginés par François Barbeau, des décors fabuleux de Peter Horne, le ballet nous replonge directement dans le rêve d’une enfant qui devient le nôtre, encore en 2008.

Casse-Noisette recèle une richesse multiculturelle par les danses des peuples divers de la seconde partie. Que ce soit à travers la danse chinoise, russe, arabe ou flamenco, l’harmonie règne et chacun y a sa place. L’authenticité des traditions, des sources qui définissent chaque individu, parsème avec bonheur le ballet. La classique chorégraphie de Fernand Nault, datant de 1964, est exécutée par les danseurs avec justesse. Le talent débordant des danseurs épate. L’inoubliable Fée Dragée, personnifiée par la première soliste japonaise Mariko Kida, ensorcelle. Quant à la mise en scène de Gradimir Pankov, elle cadre parfaitement avec le plus universel des hymnes hivernaux. Vivement l’édition 2009 !

- Hélène Boucher

Tedi Papavrami : portrait discographique

Né à Tirana en Albanie, Tedi Papavrami commence l'étude du violon à quatre ans avec son père, Robert Papavrami, professeur réputé dont l'influence sera déterminante pour toute la suite de son développement technique et artistique. À l'âge de 8 ans, il interprète en public avec l'Orchestre Philharmonique de Tirana les Airs Bohémiens de Sarasate, puis à onze ans le premier Concerto de Paganini.

En septembre 1982, à l'initiative du flûtiste Alain Marion, il est invité en France en qualité de boursier du gouvernement français. Il y suit l'enseignement de P. Amoyal au C.N.S.M. de Paris. Tedi Papavrami remporte en 1985 le Prix du Concours International Rodolfo Lipitzer et en 1986 le Premier Prix de violon, premier nommé à l'unanimité du jury du C.N.S.M. de Paris. En 1987 il obtient la Licence de Concert au Conservatoire de Lausanne, dans la classe de P. Amoyal. Il poursuit sa formation avec Z. Francescatti et V. Mullova. En juin 1992, la SACEM lui décerne le Prix Georges-Enesco, et en septembre 1993, il remporte le Premier Prix du Concours International Sarasate à Pampelune ainsi que le Prix Spécial du Public.

Tedi Papavrami a donné de nombreux concerts en récital et en soliste, tant en Europe, qu'en Turquie, au Japon, en Israël, en Afrique du Sud, etc.. Remarqué lors de son passage dans l'émission "Double Je" que lui consacrait Bernard Pivot, il est engagé par la réalisatrice J. Dayan, pour interpréter Danceny, dans l'adaptation des Liaisons Dangereuses réalisée pour TF1, aux côtés de Catherine Deneuve ou Rupert Everett.

Parallèlement à ses activités de musicien, Tedi Papavrami est, depuis 2000, le traducteur d’Ismail Kadaré pour les éditions Fayard, qui travaillent à la parution des œuvres complètes de l’écrivain albanais.

La saison prochaine de Tedi est chargée : signalons ainsi, en septembre, le Concerto de Magnus Lindberg, avec l’Orchestre Philharmonique de Radio France ; des concerts avec l’Orchestre Philharmonique de Nice en avril 2009, ainsi que plusieurs prestations avec le Quatuor Schumann ou en formation chambriste avec des musiciens tels que Ilya Gringolts, Frank Braley, Dame Felicity Lott, Philippe Bianconi…

Johann Sebastian BACH (1685-1750)

The Six Sonatas and Partitas

AEON 2005 / Harmonia Mundi Distribution

Un enregistrement remarquable à tous points de vue ! Il faut ici parler aussi bien du courage, de l’inspiration, que des qualités techniques et interprétatives de Tedi Papavrami.

Tout ceci est réuni dans ce qui représente pour beaucoup une sorte de quintessence de l’art du violon… Dans ces Six Sonates et Partitas, le violoniste franco-albanais ne perd à aucun moment la maîtrise de la ligne mélodique, des bases harmoniques, mais il sait surtout proposer une interprétation claire mais dynamique, colorée mais harmonieuse, inspirée mais respectueuse du texte. Loin de versions voulant se démarquer par des choix interprétatifs (trop) éloignés de la vision du violon de Bach, celle de Tedi Papavrami propose, sans jamais se trahir ou trahir le compositeur, et magnifiquement servie par un jeu d’archet très précis, une sorte de « simplicité originelle » qui mérite tout le respect et l’admiration possible. Usant peut être plus de nuances et d’effets de tempi que Nathan Milstein, dont la version reste pour nombre de mélomanes, et à juste titre, indétrônable, Tedi Papavrami s’impose comme un artiste noble, à l’élégance inspirée, au respect passionné.

Citons une magnifique Partita N°1, avec une Sarabande magnifique où l’émotion se mêle a la respiration émue du soliste ; comment ne pas évoquer cette superbe Ciaccona où Tedi Papavrami fait le choix d’une interprétation des plus simples, mesurées, mais des plus émouvantes également. Avec un son plein, chaleureux, doux mais fort à la fois, son violon murmure, récite, clame la musique de Bach…

Un très grand bravo à Tedi Papavrami pour cet enregistrement exceptionnel !

Johannes BRAHMS (1833-1897)

The Violin Sonatas (N°1 en sol majeur, op. 78 ; N°2 en la majeur, op. 100 ; N°3 en ré mineur, op. 108)

Tedi Papavrami, violon

Philippe Bianconi, piano

AEON 2007 / Harmonia Mundi Distribution

Jeux nuancés, maîtrisés, domptés, virant soudainement aux envolées les plus folles, les plus violentes, les plus exaltées : Tedi Papavrami, brillamment accompagné par le pianiste Philippe Bianconi, propose une interprétation tout en mesure et en passion des Sonates de Brahms. Jeu d’archet soigné, vibrato souple et expressif, mais sans excès, le violoniste fait surtout preuve d’une merveilleuse lecture mélodique de ces pièces et d’une interprétation d’un romantisme certain, mais sans langueur et pathos excessifs. A l’inverse, les passages les plus rythmées et rythmiques, les plus animés et souvent les plus tragiques, ne manquent en aucun cas d’énergie, de sérénité et de volonté. Encore une fois, ce sont la mesure et l’aspect réfléchi, posé, serein, qui ressortent de cet enregistrement de Tedi Papavrami. Interprétées sur un violon contemporain fait par Christian Bayon en 2005, les Sonates expriment sous son jeu, suivi dans sa conception élégante et inspirée, par le jeu précis, concis, opportun, de Philippe Bianconi, toute leur force dramatique : tantôt menées par la tristesse, la douleur, tantôt par la sérénité joyeuse, l’allégresse frénétique, ces pièces soulignent également la volonté remarquable de Tedi Papavrami de ne pas se cantonner à un répertoire de soliste virtuose, et à aborder avec passion et conviction le style chambriste, en le servant parfaitement. Un album pleinement recommandé !

Crédit photographique : © Jérôme Prébois

Audrey Roncigli

Schubert : Drei Klavierstücke / Rachmaninov : Neuf Études-Tableaux, op. 39

Alain Lefèvre, piano
Analekta AN 2 9278 (75 min 2 s)
**** $$$

Alain Lefèvre habite avec intensité le redoutable opus 39 de Rachmaninov, trois quarts d’heure d’émotion communicative. Il manque cependant des couleurs et des ailes à son interprétation. Le pianiste a voulu, dit-il, privilégier l’aspect « tableaux » plutôt que le côté « études » de ces compositions, mais il y fait régner une atmosphère trop uniment sombre pour rendre la variété des climats, l’« histoire » que raconte chacune de ces neuf pièces. La pâte sonore dégagée à fond de clavier, sans tricherie, ne libère pas les divers plans où s’entrecroisent chant, contre-chant et accompagnement, tandis que les tempos, plutôt lents, ne maintiennent pas toujours l’intérêt, en particulier dans les numéros cinq et sept. Un peu plus d’allant et de pianisme ludique aurait été tout à fait approprié ici ! Les magnifiques Trois Pièces posthumes D. 496 de Schubert souffrent de la même pesanteur à la fois émotive et digitale et en deviennent brahmsiennes avant la lettre. L’omission de l’épisode andante dans le premier morceau est regrettable : il contribue à équilibrer la véhémence du thème principal, même si Schubert l’a biffé sur le manuscrit.

-Alexandre Lazaridès

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Forqueray : Pièces de clavecin

Blandine Rannou, clavecin
Zig-Zag ZZT080301.2
***** $$$$ (2 CD : 159 min)

Du violiste virtuose Antoine Forqueray, il ne reste hélas que vingt-neuf pièces, auxquelles s’ajoutent les trois que composa son fils dans un style très semblable. Pour être réduit, l’ensemble n’en constitue pas moins un des sommets de la musique baroque française. Dans le registre tendre comme dans l’expression des sentiments les plus fougueux, tout porte ici la marque du génie le plus sublime et le plus singulier. Quasi injouables à la viole tant elles sont difficiles, ces œuvres furent aussi proposées par Forqueray fils dans d’admirables transcriptions pour le clavecin qui exploitent à fond le registre grave de l’instrument. Reconnue pour son toucher sensible, Blandine Rannou se montre l’interprète idéale de ce répertoire. Certes, à trop vouloir émouvoir, il lui arrive d’oser des tempos d’une lenteur discutable : la Mandoline manque de rebond et d’humour, le Carillon de Passy paraît sonner le glas et la Sylva se fige quand elle devrait couler tendrement. Mais pour ces quelques déceptions, que de merveilles ! Quel sens du théâtre ! Totalement engagée, la claveciniste s’illustre particulièrement dans les pièces les plus spectaculaires, rendant très bien le caractère à la fois noble et emporté de la Jupiter ou de la Portugaise, mieux que ne l’avait fait naguère Christophe Rousset, handicapé par un instrument sans éclat. En attendant une intégrale satisfaisante à la viole, voici donc un disque passionnant, qui pourrait bien faire aimer le clavecin aux plus réticents.

-Philippe Gervais

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Bach : Magnificat / Handel : Dixit dominus

Natalie Dessay; Karine Deshayes; Philippe Jaroussky; Toby Spence; Larent Naouri; Le Concert d'Astrée/Emmanuelle Haïm
Virgin Classics 00946395241 2 9 (56 min 6 s)
***** $$$

Leur latinité, leur contemporanéité, une certaine construction en boucle, leur durée équivalente, la large part accordée aux chœurs, l'absence de récitatifs : tout cela justifie amplement la juxtaposition discographique de ces deux oratorios. Le Magnificat débute joyeusement, tel un concerto brandebourgeois, mais retrouve vite la solennité caractéristique des œuvres sacrées du cantor de Leipzig. Sans atteindre les sommets architectoniques de la Messe en si ou de la Passion selon saint Matthieu, le Magnificat renferme des moments de pure grâce, comme le Quia respexit, où soprano et hautbois entretiennent un dialogue mélodique délicieux – ah ! le hautbois chez Bach ! Œuvre de jeunesse, Dixit dominus déborde d'une vitalité contagieuse. Inspiré par le psaume, Haendel a su exploiter au mieux les effectifs vocaux et orchestraux utilisés. Ce disque est une belle réussite. Fondé en 2000 par Emmanuelle Haïm, Le Concert d'Astrée a connu une progression fulgurante et figure aujourd'hui parmi les meilleurs orchestres baroques. De l'excellente équipe de solistes ici réunis, se distingue le contre-ténor Philippe Jaroussky et sa voix céleste. En insérant le CD dans son ordi, on peut, via Internet, accéder au club de Virgin Classics et EMI et avoir droit à des exclusivités, de la musique en ligne et autres privilèges.

-Pierre Demers

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Lettre de Alain Trudel au sujet de l’Orchestre de la radio de la CBC

[English Version]

Vendredi, le 4 avril 2008


Chers membres de mon orchestre,
Chers collègues,
Chers mélomanes, d'un océan à l'autre.

Au cours des derniers jours, j’ai reçu vos très nombreux messages concernant la mort prématurée de l’Orchestre de la radio de la CBC. Je tiens d’abord à vous remercier le plus chaleureusement du monde pour l’intérêt et l’affection que vous lui portez. Je suis profondément ému de constater le nombre de personnes qui saisissent son importance aux yeux des Canadiens venant de tous les horizons musicaux, lui qui célèbre cette année son soixante-dixième anniversaire.

Les musiciens et moi-même sommes bien sûr catastrophés par la perte de notre mandat à la CBC, ce mandat qui constituait notre raison même d’exister. En cette heure de choc et de chagrin, il me semble important de souligner, le plus clairement que je le puis, l’importance de l’Orchestre pour notre pays et pour la CBC elle-même. Pour assurer la suite des choses, il nous faut comprendre ce que l’Orchestre représente, et la place qu’il occupe dans notre vie culturelle.

Au moment où j’écris ceci, le CRO constitue l’un des meilleurs orchestres du pays, un orchestre qu’il nous a fallut, à nous Canadiens, des décennies à construire. C’est un véritable bijou musical et un irremplaçable repère culturel.

Étant le seul orchestre radiophonique d'Amérique, le CRO suffirait à marquer, à lui seul, la spécificité de la scène musicale canadienne. Du simple fait de son existence, de ses objectifs et de son travail, il participe à exprimer l’unicité de toutes les cultures du Canada.

Depuis le début de son histoire, le CRO fait appel à des compositeurs et à des interprètes de toutes tendances et venant de toutes les régions du pays, faisant ainsi la démonstration de ce que la musique est bien vivante au Canada, même aux heures où d’autres sujets de préoccupation sont de nature à engendrer le désespoir ou le découragement. Par l’entremise de concerts en salles radiodiffusés, le CRO permet aux solistes et aux compositeurs canadiens de se faire entendre, ce qui en soi équivaut à envoyer un message d’espoir à tous les jeunes créateurs et à tous les jeunes musiciens de toutes tendances musicales. Il représente une promesse : leurs voix seront entendues et reconnues !

Tout au long de mon mandat, j’ai insisté pour nous développions des projets appartenant à tous les genres musicaux, y compris au jazz, à la world music, au populaire et à la musique des Premières Nations. En 2007, nous avons entrepris le Great Canadian Song Book, qui a commandé à des compositeurs de toutes tendances de vrais poëmes musicaux pour orchestre sur des oeuvres de grands auteurs compositeurs, de Joni Mitchell en passant par Neil Young, de Buffy Ste-Marie aussi bien que de Serge Fiori Michel Rivard et bien d'autres. L’Orchestre a mis sur pied des projets de création sur les musiques d’Asie et du Moyen-Orient. D'autres collaborations incluent des concerts avec des grands du jazz autant que le répertoire traditionnel pour orchestre, et même une collaboration avec le rappeur K-os. Au cours de la dernière saison, vous avons passé commandes pour 18 oeuvres, destinées à sept concerts. Grâce à l’Orchestre, la radio de la C.B.C. ne se contente pas d’être un diffuseur mais devient partie constituante du processus de création artistique au Canada.

Grâce au réseau de diffusion nationale, l’Orchestre a pu rejoindre des gens de tous les coins du pays. En septembre 2007, nous avons interprété en direct un programme mis au point spécialement pour l’occasion, à partir d’Iqaluit. Quelques mois plus tard, nous étions à White Rock, en Colombie britannique. Nous avons reçu des invitations de petites et de grandes communautés d’un bout à l’autre du Canada, et même de salles de concerts européennes importantes. De tels projets doivent, hélas, être désormais abandonnés.

J’ai eu la chance, au cours de ma carrière, de travailler assidûment à travers le pays, et ce autant en anglais qu’en français, ce qui m’a permis d’acquérir une perspective réellement nationale. À mon grand bonheur, au cours des derniers mois, la radio française de la SRC est devenue non seulement davantage consciente de l’excellent travail accompli par le CRO, mais a même émis le souhait de participer désormais à son existence. À ce chemin-là aussi, nous devons à présent renoncer. Quoi qu’il en soit, le rôle de rassembleur entre les différentes regions du canada qu’à joué l’Orchestre ne doit jamais être oublié.

Plusieurs choses se confirme par le travail de l'orchestre de la CBC, et maintenant dans vos réponses à l'annonce de sa disolution : l’importance de la musique dans nos vies, l’importance de cultiver, d’épauler et de diffuser l’extraordinaire talent, incroyablement diversifié, qui existe dans notre pays, le rôle de rassembleur que se doit de jouer un radiodiffuseur national, et bien d’autres encore. Chacun d’entre nous tirera ses propres conclusions de tout ceci, mais une chose est certaine : le CRO nous rappelle ce que nous chérissons les plus profondément dans la musique et dans notre pays.

Bien respectueusement,

Alain Trudel
Chef principal, CBC radio Orchestra

Vivaldi : Atenaide

Sandrine Piau et Vivica Genaux, sopranos; Guillemette Laurens et Romina Basso, mezzo-sopranos; Nathalie Stutzmann, contralto; Paul Agnew et Stefano Ferrari, ténors
Modo Antiquo/Federico Maria Sardelli
Naïve OP 30438 (3 CD: 239 min 55 s)
****** $$$$

L’enregistrement du répertoire des opéras de Vivaldi est une entreprise de la plus haute importance musicale. Chaque production nous amène des trésors de découvertes et de plaisirs. Cette récente parution d’Aténaide (créé en 1729) ne fait certainement pas exception à la règle. Les solistes sont parmi les meilleurs que la scène musicale baroque actuelle puisse offrir, et l’ensemble Modo Antiquo, un nouveau venu, révèle une palette de couleurs et d’intensités franchement impressionnante. Cet opéra où l’on rencontre une princesse et un empereur byzantins (Théodose II), un prince perse, un ministre perfide et un enchevêtrement complexe d’amours contrariées et de jalousies exacerbées, est rempli de numéros virtuoses à couper le souffle, d’airs mémorables et de musique créée essentiellement pour exalter la beauté de la voix humaine. Un autre joyau est ici ajouté à cette magnifique couronne qu’est la série des opéras de Vivaldi de la maison Naïve.

-Frédéric Cardin

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Prokofiev et Ravel : Concertos pour piano

Yundi Li, piano; Berlin Philharmoniker/Seiji Ozawa
Deutsche Grammophon 4776593 (51 min 4 s)
***** $$$

Selon maestro Ozawa, l'art pianistique du jeune prodige chinois, Yundi Li, est un habile mélange de poésie et de technique. L'écoute du présent CD confirme ses dires. On pourrait même ajouter que le Prokofiev, par ses cadences difficiles et sa froideur même, souligne plus particulièrement la dimension technique irréprochable du pianiste, alors que le Ravel (surtout l'élégiaque adagio) fait ressortir davantage le côté poétique de son jeu. Mais Li n'est pas seul avec son clavier : il bénéficie du soutien exceptionnel d'un grand chef à la tête de l'un des meilleurs orchestres au monde, ce qui donne deux interprétations à ranger dans les sommets discographiques. Cette version du deuxième concerto de Prokofiev – œuvre peu enregistrée – se compare aisément à celle de Kun Woo Pak (Naxos 8.550566), autre pianiste qui marie étroitement l'émotion à la virtuosité. Quant à la version du Concerto en sol de Ravel, elle se rapproche de la référence absolue Argerich-Abbado sur Deutsche Grammophon.

-Pierre Demers

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Roma Triumphans

Studio de musique ancienne de Montréal/Christopher Jackson
Atma SACD22507 (61 min 34 s)
***** $$$

Roma triumphans est un recueil de motets (mis à part un Gloria de Benevoli et un Offertoire de Giorgi) composés entre la fin de la Renaissance et la fin du baroque. Les premiers chantés a capella, les derniers accompagnés d’un continuo sobre et subtil (théorbe, violoncelle, orgue positif), ils ont été captés à l’Église de la Nativité de la Sainte-Vierge à La Prairie. L’acoustique offre une réverbération rendant la compréhension du texte un tantinet ardue, mais aussi une somptuosité telle qu’on tombe néanmoins sous le charme. Il faut dire que les troupes de Christopher Jackson maîtrisent parfaitement leur art et font honneur aux œuvres présentées.

-René Bricault

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Chapelle historique du Bon-Pasteur : la protestation se poursuit mardi

Le mouvement pour sauver la Chapelle historique du Bon-Pasteur (CHBP) se poursuivra mardi 18 mars à 11 heures avant la cérémonie de remise du Grand Prix du Conseil des arts de Montréal 2007 qui vise à reconnaître annuellement l’excellence d’une production ou d’un événement réalisé sur le territoire de la Ville de Montréal. La manifestation est dirigée par Marie-Chantal Leclair dont le groupe « Sauvons la programmation de la Chapelle historique du Bon-Pasteur » sur Facebook s’est enrichi de 800 membres en 5 jours. Ceux qui ne sont pas membres de Facebook peuvent visiter le site de La Scena Musicale et commenter le sujet.

Le groupe a implanté vendredi dernier la base de sa protestation en attirant 100 personnes à une rencontre entre les représentants de la Direction du développement culturel de la Ville de Montréal et les membres du Conseil québécois de la musique (CQM) qui ont tenté de renverser la décision d’annuler la programmation à la Chapelle du Bon-Pasteur. Les membres du CQM ont refusé à l’unanimité cette coupure de budget dans un équipement qui fonctionne très bien et qui offre au public tous les styles musicaux, ainsi qu’une ambiance qu’on ne retrouve nulle part ailleurs. La prochaine action prévue par le CQM est une rencontre officielle avec le maire Gérald Tremblay pour présenter son point de vue.

Détails de la protestation :

Prochaine action : MANIFESTATION

MARDI 18 MARS, dès 11h, à l'entrée de l'Hôtel Sheraton Centre-Ville, 1201 boul. René-Lévesque Ouest.
Cette manifestation se déroule dans le cadre du dîner du Conseil des Arts de Montréal, afin de sensibiliser la population, le milieu musical et culturel ainsi que les élus et les médias.

Informations détaillées sur Facebook et sur le site de La Scena Musicale : http://bonpasteur.scena.org

Concertos de Glazounov et Tchaïkovski

Vadim Gluzman, violon; Bergen Philharmonic Orchestra/Andrew Litton
BIS 1432SA
SACD 70 min 58 s

Vadim Gluzman : « l’Art du violon », tout simplement

À l’heure où d’autres jeunes violonistes cherchent tous à se différencier par une sonorité étourdissante, des libertés d’interprétation déroutantes ou une technique désinspirée, Vadim Gluzman apparaît comme une pure et simple merveille… Pure et simple au sens où il n’use que d’une seule chose : l’art du violon, au sens le plus noble et le plus traditionnel du terme. Car Vadim Gluzman est le digne représentant de cette grande école russe juive du violon, celle d’Heifetz, Milstein, Oïstrakh ou Kogan. Écouter Vadim dans cet album Glazounov / Tchaïkovski vous ramène un peu au temps et aux manières « d’Odessa »… Le violoniste israélien a en effet cette chaleur, cette intensité, ce son puissant, noble et racé, tout en possédant une technique complète, variée et quasi inégalée de nos jours. Vadim Gluzman est un musicien brillant et des plus inspirés, de par l’équilibre qu’il trouve entre des interprétations fortes, opinées, personnelles, et une maîtrise technique imparable.

Dans cet album où il a eu l’excellente idée de réunir ces deux grands compositeurs russes, au travers de trois œuvres très différentes, Vadim en fait toute la démonstration : le Concerto de Tchaïkovski, pièce techniquement redoutable que seuls quelques « pirates » s’osent à enregistrer, sonne sous ses doigts avec une simplicité quasi déconcertante, ce qui lui permet d’en proposer une interprétation sensible, intense et brillante. Hasard de l’histoire et du destin, Vadim Gluzman joue le Stradivarius Auer, du nom du grand violoniste auquel Tchaïkovski avait dédié cette pièce; un violon dont la sonorité impressionne, de l’introduction de l’Allegro aux dernières notes envolées du Finale, en passant par des Cadenzas diaboliques de virtuosité. Sans perdre une seconde la dynamique de jeu, la puissance de son et la sensibilité qui le caractérise, Gluzman grave ici une des versions les plus impressionnantes, les plus enjouées, et les plus réfléchies, du Concerto de Tchaïkovski.

Un bonheur n’arrivant jamais seul, Vadim Gluzman et Andrew Litton ont eu la bonne idée de coupler ce Concerto avec celui de Glazounov, rarement joué sur scène et encore moins enregistré. « Cheval de bataille » de Leonid Kogan, cette œuvre est magnifiquement interprétée par le violoniste israélien, qui profite d’un accompagnement formidable, tout en nuances, en clarté et en profondeur sonore, du Bergen Philharmonic Orchestra. Concerto de contrastes, où coexistent de grands développements mélodiques et des passages virtuoses fébriles, l’œuvre de Glazounov trouve en Vadim Gluzman un interprète parfait…

N’oublions pas le Souvenir d’un lieu cher de Tchaïkovski et arrangé pour violon et orchestre par Glazounov, pièce courte mais empreinte d’une vaste palette d’émotions, où Vadim Gluzman nous transporte de la somptueuse et raffinée Méditation à une Mélodie non dénuée de nostalgie et de… souvenirs.

Un très grand bravo à Vadim Gluzman pour ces magnifiques interprétations : cet enregistrement, à n’en pas douter, restera dans les annales…

-Audrey Roncigli

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Sonates pour violon de Mendelssohn, Brahms, Debussy, Ysaÿe

Linus Roth, violon; José Gallardo, piano
EMI Classics 5870112
64 min 12 s

Chapeau bas, monsieur Roth !

« Wow… Wow… Wow… » : voilà les seuls mots que vous prononcez après avoir écouté le premier enregistrement de Linus Roth pour EMI, car cet album de sonates pour violon vous laisse, au sens propre du terme, « sans voix », tant par le professionnalisme, l’engagement et l’engouement que par l’immense talent des deux jeunes interprètes.

Linus Roth, jeune violoniste allemand né en 1977, élève de Salvatore Accardo, puis d’Anne Sophie Mutter jusqu’en 2003, est un soliste accompli sur les scènes européennes, salué par tous les critiques, dans un répertoire allant de Mozart à Berg en passant par Brahms ou Beethoven. Le retrouver ici, avec son Stradivarius Dancla de 1703, dans un programme de musique de chambre du XIX^e siècle, excite la curiosité; et à aucun moment, il ne déçoit. Tout au contraire !

Accompagné tout en nuances par le formidable pianiste argentin José Gallardo, Linus Roth propose la sublime Sonate en fa de Mendelssohn, où dès l’entrée en matière, il expose un son brillant et intense, une articulation précise, claire, et un phrasé tout en justesse et en expression. Soulignons un virtuose Assai Vivace relevé où, portée par un rythme endiablé, transparaît la merveilleuse complicité existant entre les deux interprètes.

Dans la Sonate n°2 de Brahms, on retiendra une interprétation nuancée, entre passion et tourment, de Linus Roth, un parfait équilibre de ton et une sonorité exceptionnelle dans les passages plus lents de l’œuvre, laissant s’épanouir un vibrato large et généreux des plus séduisants.

Un pur ravissement ensuite avec la – rarement enregistrée – Sonate de Debussy : on sent alors réellement s’exprimer toute la maturité, l’intelligence musicale et la sensibilité du violoniste allemand, dans cette pièce à mi-chemin de la modernité, tant dans ses rythmes que ses harmonies. Spiccati, legati, harmoniques, arpèges, gammes et envolées lyriques virtuoses, Linus Roth ne faiblit pas un instant et, faisant fi de l’aspect technique de la pièce, en donne une lecture impressionnante de clarté, de justesse de ton et de sentiments. De l’Allegro joyeusement nostalgique et jazzy au Finale quasi cynique, il maîtrise parfaitement la ligne mélodique et rythmique, mais jamais au détriment de l’interprétation fine et inspirée.

Cet album finit par un petit chef-d’œuvre d’interprétation, et je pèse mes mots : une Ballade d’Ysaÿe, comme on l’a rarement entendue. Énergie, fougue, nuances, sonorité et intensité, ajoutez-y un brin de folie, un archet virevoltant et interminable, des arpèges prodigieux de justesse et de rapidité… Linus Roth explose et exulte dans cette pièce du compositeur belge !

Jeunesse, talent, sensibilité, enthousiasme : un album à découvrir de toute urgence et sans aucune réserve, et un violoniste (plus que) prometteur à suivre absolument…

-Audrey Roncigli

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Bach : Le Clavier bien tempéré, Livre 2

Zhu Xiao-Mei, piano
Mirare MIR 044
2 CD: 133 min 10 s
***** $$$$

Dans les notes de programme données sous forme d’entrevue, la grande pianiste chinoise installée maintenant à Paris, déclare avoir voulu humaniser le Clavier bien tempéré, en montrer la sensibilité plutôt que l’architecture ou la rigueur mathématique, et elle pose comme exigence première à l’interprète de « savoir danser et chanter ». On peut dire que sa mission est accomplie, car rarement exécution du deuxième cahier aura-t-elle été aussi fluide et lyrique à la fois. Avec une dynamique subtile et une accentuation d’une grande souplesse, aidée aussi par un travail sur la pédale qui équivaut, selon son expression, à « un vrai toucher avec les pieds », Zhu Xiao-Mei réussit son pari non seulement pour les préludes qu’elle débarrasse de toute préoccupation virtuose ou technique, mais aussi avec les fugues qui trouvent sous ses doigts une musicalité de tous les instants; leurs sujets se transforment en mélodie et leur structure en continuité, toute barre de mesure semblant ici abolie. Les quarante-huit pièces se laissent écouter comme une suite et la fin de chacune d’elles arrive toujours en surprise. Une des très belles versions au piano de cet « Ancien Testament » de la musique. À quand donc le premier cahier ?

-Alexandre Lazaridès

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Arie di bravura

Diana Damrau, soprano
Le Cercle de l’Harmonie/Jérémie Rhorer
Virgin 00946395250 2 7 (67 min 36 s)
***** $$$$

Encore peu connue chez nous, la jeune soprano allemande Diana Damrau mène depuis quelques années une belle carrière sur les scènes européennes. Elle a souvent incarné la Reine de la Nuit, dont elle interprète ici les deux grands airs à la perfection, conciliant agilité et sens dramatique. Mais l’attrait principal de ce récital audacieux est ailleurs. La chanteuse, en effet, s’est prise d’intérêt pour le prolifique Salieri, après avoir tenu le rôle-titre d’un de ses opéras pour la réouverture de la Scala. Elle a donc mené des recherches sur celui que le film Amadeus a dépeint sous un jour bien trompeur, exhumant plusieurs arias qu’elle nous offre avec enthousiasme. Salieri paraît plus décoratif et moins profond que Mozart, certes, mais sa musique virtuose et colorée n’en a pas moins beaucoup de charme. Diana Damrau y fait preuve d’une aisance remarquable, tout au plus peut-on lui reprocher quelques aigus un peu crispés. Deux airs du méconnu Vincenzo Righini, compositeur bolognais qui œuvra dans l’entourage de Salieri, viennent compléter le programme de la plus belle façon. On retiendra cet Ombra dolente et pallide, andante à la manière de Gluck, où la voix dialogue avec le seul hautbois accompagné des bassons. Fondé en 2005, l’orchestre du Cercle de l’Harmonie, jouant sur instruments anciens, s’avère très prometteur, et on souhaite déjà l’entendre dans des opéras en intégrale.

-Philippe Gervais

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Moussorgski et Borodine

Tableaux d’une exposition, Symphonie No. 2 et Danses polovtsiennes
Berliner Philharmoniker/Simon Rattle
EMI 5099951758226
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La dernière parution sur CD du Philharmonique de Berlin et de son chef Simon Rattle est consacrée à la musique de Modeste Moussorgski et Alexandre Borodine, tous deux membres du Groupe des Cinq. Ce regroupement de compositeurs russes, (dont faisaient également partie Balakirev, Cui et Rimski-Korsakov) prônait une musique nationaliste et populaire, basée sur le folklore et complètement libérée de l’influence occidentale.

Le disque s’ouvre sur les fameux Tableaux d’une exposition, composés par Moussorgski en 1874 en hommage à son ami Viktor Hartmann, architecte et dessinateur russe. Une exposition est organisée à Saint-Pétersbourg à la mémoire de l’artiste trop tôt disparu. C’est à la suite de cette visite que Moussorgski se lance dans la composition d’une suite pour piano où les différents mouvements décrivent non seulement les œuvres exposées, mais également les réflexions du visiteur et même ses déplacements d’un tableau à l’autre. Rattle choisit la version orchestrée par Ravel, un chef-d’œuvre en soi, plein de couleurs et de raffinement. L’enregistrement regorge de qualités – passion, virtuosité, jeu d’ensemble – mais compte quelques défauts associés au fait qu’il s’agit d’une captation en direct. Le solo (Promenade) qui ouvre l’œuvre est joué par une trompette au son forcé et franchement déplaisant. Mais de manière générale, c’est une interprétation impressionnante, qui fait honneur à la Philharmonie de Berlin. Il faut absolument écouter le mouvement final, La Grande porte de Kiev.

Suit la Symphonie No. 2, la plus rare symphonie de Borodine, datant de 1876. Le compositeur, qui était aussi professeur de chimie, aura mis 7 ans à écrire ce qui devait s’avérer sa dernière symphonie achevée. L’œuvre en quatre mouvements, de facture assez classique et de caractère fort russe, aura une grande influence sur plusieurs compositeurs, notamment Rachmaninov. L’œuvre est magnifique, toute en mélodies glorieuses et en harmonies riches; elle gagnerait à être jouée plus souvent en concert. L’orchestre livre ici une interprétation fabuleuse; les bois sont légers, les cuivres musclés, les cordes puissantes et homogènes. Digne de mention, le solo de cor qui ouvre le troisième mouvement est d’une beauté à couper le souffle.

En complément de programme, et comme en rappel, nous sont offertes les riches Danses polovtsiennes de Borodine, tirées de l’opéra Prince Igor. L’œuvre regorge de mélodies envoûtantes qui permettent aux bois de l’orchestre de mettre leur virtuosité en valeur.

On s’étonne que cette musique soit une captation en direct, et encore plus que l’album, avec toutes les étapes d’enregistrement, de mixage, de production et de mise en marché que cela comporte, nous parvienne à peine un mois après l’enregistrement !

-Louis-Pierre Bergeron

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Röntgen: Right Through The Bone

Artists of the Royal Conservatory of Canada (ARC Ensemble)
RCA Red Seal (73 min 10 s)
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La musique de Julius Röntgen a été délaissée par l’histoire pour cause d’anachronisme : étrange combinaison de Brahms et de Debussy, elle se démarque par une parfaite maîtrise des qualités propres à chaque instrument. Nous écoutons ici la musique de chambre d’un excellent orchestrateur (ayant composé 24 symphonies, tout de même), où l’atmosphère règne en maîtresse. Par contre, son sens mélodique ne réussit pas à s’émanciper des lieux communs, voire d’une certaine facilité. Bref, voici des œuvres qui nécessitent un haut calibre d’exécution pour pouvoir « passer », et c’est heureusement le cas : l’ARC Ensemble du Conservatoire royal joue fort bien, et la prise de son honore les musiciens tout en envoûtant l’oreille.

-René Bricault

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Shostakovich: 24 Preludes & Fugues, opus 87

David Jalbert, piano
ATMA classique ACD2 2555
2 CD : 147 min 25 s
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Tatiana Nicolaeva chez Hyperion et Vladimir Ashkenazy chez Decca ont placé la barre haut pour l’interprétation de ce recueil que Chostakovitch a mis sous l’égide de Bach dont il s’inspire même par moments, puisque certains de ses thèmes font des clins d’œil à ceux du Clavier bien tempéré. Aucun des deux pianistes russes n’a pourtant réussi les quarante-huit pièces avec un bonheur égal, étant donné leur extrême variété de tons et d’atmosphère, pour ne rien dire de leurs grandes exigences techniques, quoique la personnalité des deux pianistes s’y affirme partout. David Jalbert, dans une nouvelle intégrale, privilégie l’aspect lyrique de ces compositions plutôt que leur structure, à la manière de Nicolaeva, ou leur densité rythmique, comme Ashkenazy. Il en résulte une interprétation d’une belle fluidité qui rend agréable le premier contact avec l’opus 87, mais dont l’inconvénient, à l’écoute suivie, est une certaine uniformité d’approche. Parfois aussi, le tempo choisi est trop lent pour maintenir le fil du discours, d’autant plus que l’inspiration de certaines pièces, préludes ou fugues, semble étirée.

-Alexandre Lazaridès

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Elliott Carter : String Quartets Nos. 1 and 5

Pacifica Quartet
Naxos 8.559362 (60 min 32 s)
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Pour célébrer le centenaire du doyen des grands compositeurs vivants, Naxos et le Pacifica Quartet lui offrent l’enregistrement intégral de ses quatuors à cordes, dont voici le premier volume. Plus de quatre décennies séparent l’historique No. 1 (1951) du No. 5 (1995) et les différences sont d’autant plus intéressantes que le Pacifica Quartet les souligne à merveille. La complexité polyphonique domine le No. 1 : non seulement les lignes mélodiques s’enchevêtrent-elles sans cesse, mais les mètres et les tempi évoluent d’alternances en simultanéités. Dès les premières notes du violoncelle solo, grasses et rauques à souhait, l’auditeur est convaincu du résultat général. Le No. 5 paie son tribut, tardivement, à Webern : dialectique son/silence, nombreux intervalles disjoints, techniques de jeu variées. On attend la suite avec une gourmande impatience…

-René Bricault

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Firenze 1616

Le Poème Harmonique/Vincent Dumestre
Alpha 120 (58 min 47)
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Dès la fin du XVIe siècle, Florence était « un laboratoire musical », où s’élaborait un chant aux accents plus réalistes, c’est-à-dire plus émouvants. Ainsi peut-on lire dans les excellentes notes de programme. Baptisé recitar ou parlar cantando, ce nouveau style, abondamment orné mais tout de même soumis au texte, se cherchait ailleurs une voie rhétorique différente, en particulier à Venise, avec Monteverdi, dont l’Orfeo (1607) devait marquer le triomphe incontestable de l’opéra européen. Le Florentin Domenico Belli avait repris en 1615 le même thème dans un Orfeo dolente où ne figure pas le personnage d’Eurydice, ce qui laissait toute la place à la quête vaine d’Orphée et à son imploration pathétique face à sa mère Calliope qui cherche à intercéder pour lui auprès de l’inflexible Pluton. Des ritournelles instrumentales et des chœurs, notamment celui des Grâces, diversifient une action confinée à l’impuissance humaine devant la mort. Une demi-douzaine de courtes compositions de Saracini et de Caccini permettent de suivre une évolution qui devait bientôt céder la place à d’autres préoccupations. Dumestre et son ensemble instrumental et vocal, ainsi que tous les solistes, sont impeccables.

-Alexandre Lazaridès

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Petite Suite Maritime (musique canadienne pour quintette à vent)

Quintette à vent Estria
Œuvres de Dela, MacDonald Gayfer, Buczynski, Papineau-Couture, Hétu
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Estria nous arrive avec un deuxième opus consacré aux débuts du quintette à vent au Canada. Des débuts très tardifs, qui remontent à l'année 1946. Le quintette à vent aura pourtant connu ses heures de gloire en Europe dès le début du dix-neuvième siècle, avec les contributions impressionnantes de Reicha et de Danzi. Puis, au début du vingtième siècle, nombre de compositeurs d’importance, tant européens qu’américains, élargissent son répertoire : Nielsen, Schoenberg, Hindemith, Barber et Milhaud, entre autres. Les quintettes présents sur ce nouveau CD sont rapidement tombés dans l’oubli, à l’exception peut-être de celui de Jacques Hétu, qui figure à l’occasion au programme des concerts de musique de chambre. Le quintette Estria accomplit donc un travail important en dépoussiérant cette musique d’ici, d’intérêt certes inégal, mais qui mérite qu’on s’y penche une nouvelle fois.

C’est au compositeur et pédagogue montréalais Maurice Dela (1919-1978) qu’on doit la première œuvre canadienne pour quintette à vent, la Petite suite maritime. Écrits en 1946 alors que Dela était étudiant de Claude Champagne au Conservatoire de musique de Montréal, les quatre mouvements de cette suite – Esquif, Mouettes, L’Île enchantée, Coquillages – s’avèrent, sans être des chefs-d’œuvre, d’habiles compositions où les mélodies un brin jazzy flottent sur un nuage d’accompagnement léger et effervescent. Voici une œuvre de jeunesse qui, par son ludisme et sa simplicité, rappelle Milhaud. L’œuvre gagnerait cependant à être jouée avec un peu plus d’énergie.

Les pièces suivantes sont celles de compositeurs torontois pratiquement inconnus au Québec, James MacDonald Gayfer et Walter Buczynski. Rien à mentionner du Gayfer : pour tout dire, il s’agit là d’une musiquette sans réel intérêt. Le Buczynski est une œuvre courte aux touches néoclassiques, nous rappelant quelque peu la Partita d’Irving Fine par sa vigueur rythmique, sa simplicité. La Fantaisie de Jean Papineau-Couture nous laisse entendre d’intéressantes expérimentations de timbre, exploitant les registres extrêmes des instruments. On a pourtant de la difficulté à s’attacher à cette œuvre austère aux rythmes insistants et martelés.

Avec son Quintette op.13, Jacques Hétu parvient à combiner habilement les techniques tonale, modale et sérielle et à créer un univers bouillonnant, dissonant, franchement étrange même. Estria montre de belles qualités de cohésion et de virtuosité, malgré la difficulté évidente de la partition.

Quelques réticences par rapport à la prise de son réalisée par les artisans d’Atma Classique : alors que les instruments aigus (flûte, clarinette, hautbois) sont très présents et même franchement irritants parfois, le cor et le basson sont distants et souvent perdus dans la masse sonore.

-Louis-Pierre Bergeron

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Beethoven : Intégrale des symphonies

hr-Sinfonieorchester, Hugh Wolff
hrmj 039-07
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Le meilleur moyen de se plonger dans l’œuvre d’un compositeur et de pouvoir suivre son cheminement reste l’écoute d’une bonne intégrale. Dans le cas de Beethoven, probablement le compositeur le plus influent de l’histoire de la musique, une intégrale de ses neuf symphonies s’avère absolument indispensable; c’est le genre (avec les sonates pour piano) dans lequel son langage musical et expressif s’est le plus développé. Dans ses premières symphonies, on entend clairement l’influence des grands maîtres classiques, Haydn et Mozart, mais on peut déjà sentir une énergie colossale qui gronde et qui ne demande qu’à exploser. Alors Beethoven explore, élargit la forme, enrichit sa palette expressive de sonorités robustes et dissonantes. Dès sa troisième symphonie, et à chacune des suivantes, Beethoven réinvente le genre : introductions plus élaborées, remplacement du menuet traditionnel par des scherzos impétueux, musique à programme, utilisation de la voix; toutes des innovations apportées par Beethoven et qui contribuèrent à l’émergence du romantisme. Les symphonies de Beethoven eurent une influence énorme sur ses successeurs, notamment Schubert et Brahms.

La présente intégrale est digne d’intérêt et saura faire sa place parmi les grandes de la discographie (Philharmonique de Berlin/Karajan, Orchestre Révolutionnaire et Romantique/Gardiner, entre autres). Le chef américain Hugh Wolff a mis au service de la musique ses connaissances acquises en interprétation d’époque : on retrouve avec joie cors et trompettes naturels, petites timbales et cordes jouant avec un vibrato minimal. Ceci, sans rien enlever à l’expressivité de cette musique, en rehausse les timbres; voici certainement ce que Beethoven avait en tête lorsqu’il composait ses chefs d’œuvre. Les cuivres ont beau être éclatants (quels effets de bouché aux cors !), ils ne sont jamais écrasants. Ceci permet aux bois de jouer à l’aise sans crainte d’être perdus dans la masse sonore. Wolff fait ressortir le caractère si personnel de chacune des symphonies et tire de son orchestre une énergie impressionnante. Dans la 9^e symphonie (Hymne à la Joie), la seule à être captée devant public, les voix sont solides et justes; on ne perd rien du chœur.

Le livret inclus dans le coffret constitue une belle surprise. On y trouve quantité d’images d’archives, de portraits du compositeur et de textes informatifs : chaque symphonie est décortiquée et son contexte éclairci. On comprend donc mieux le cheminement de Beethoven. Seul regret : le texte n’est qu’en anglais et en allemand.

-Louis-Pierre Bergeron

Hummel : Oberon's Magic Horn, Grand Rondeau brillant, Variations and Finale

Christopher Hinterhuber, piano; Orchestre symphonique de Gävle; Uwe Grodd, dir.
Naxos 8.557845 (66 min 44 s)
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Élève de Mozart, ami de Beethoven, successeur de Haydn comme concertmeister, professeur de Mendelssohn, Hummel a côtoyé quelques-uns des plus grands noms de la musique occidentale. Pourtant, ses compositions n'ont jamais atteint les sommets remarquables où se situent celles de ses illustres camarades. Virtuose exceptionnel du clavier, c'est comme s'il avait été victime de sa réputation, et qu'il s'était contenté dans ses œuvres pour piano de mettre en évidence son doigté fabuleux, au détriment d'une certaine profondeur de vue, d'intentions musicales véritables. Les quatre pièces pour piano et orchestre ici réunies prouvent cet état de fait. Au plan sonore, le pianiste Christopher Hinterhuber occupe le devant de la scène devant un orchestre un peu fantomatique mais efficace. Le soliste résout avec brio les difficultés de la partition et évite de sombrer dans le sirupeux. Par sa rigueur, il gomme les facilités de pièces préromantiques qui annoncent déjà un certain Rachmaninov qui servira bien des décades plus tard…On ne boudera pas des raretés discographiques bien rendues et servies à si bon prix.

-Pierre Demers

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David Greilsammer : fantaisie_fantasme

Naïve V 5081 (76 min 36 s)

Il y a dans toute vie d’auditeur des moments que l’on n’oublie pas… La première écoute des Beethoven de Furtwängler, des Mahler de Bernstein, des Mozart de Fricsay… La première fois que l’on entend l’archet émotif de Menuhin, la pureté du phrasé d’Oïstrakh ou, au clavier, la persuasion de Pollini, la rigueur de Richter…

Hier, il y eut dans ma jeune « carrière » d’auditrice et de critique musical la découverte de David Greilsammer. Je n’oublierai jamais cette première impression absolument hallucinante à l’écoute du jeu de ce pianiste israélien : mélange de force, de conviction, de douceur et de chaleur. Ce pianiste est un magicien; il sait user de tous les sentiments, de toutes les couleurs et de toutes les nuances de son piano, pour fournir un jeu quasi hypnotique. Hypnotique, tant il est difficile de se résoudre à cesser l’écoute de ce remarquable album – au contraire, on est tenté de ne jamais arrêter le « fantasme » des plages magnifiquement interprétées par Greilsammer.

Certes, de prime abord, le choix des pièces peut déconcerter : de Bach à Cage en passant par Mozart, Schoenberg et Ligeti… Mais il n’en est rien. Car en plus d’être un interprète exceptionnel, techniquement parlant, David Greilsammer est un véritable artiste, au sens où il ne souffre pas de la comparaison avec les « grands » du passé. Chose rare dans le monde des pianistes d’aujourd’hui, il a trouvé une vraie individualité et des choix musicaux qu’il défend avec passion et conviction. Une clarté dans l’articulation, une sincérité de l’intonation et du touché : c’est ce talent hors norme qui lui donne la possibilité d’explorer toutes les libertés, non pour le plaisir de déranger les convenances, mais dans un vrai projet rationnel et musicalement novateur. À l’aise dans tous les répertoires et dans tous les registres d’émotion, le jeune pianiste israélien nous ouvre la porte de ses fantaisies et de ses fantasmes.

Avec pour toile de fond et départ de ce voyage onirique la Fantaisie en do mineur KV 475 de Mozart, les œuvres les plus diverses se lient harmonieusement : on retiendra une superbe interprétation toute en touché et en nuances de la Sonate 1.X.1905 de Janácek, et Greilsammer excelle dans un Brahms douloureux et tragique, puissant. Ardent défenseur de la musique du XX^e siècle, le jeune pianiste, nominé aux Victoires de la Musique françaises, s’amuse dans la Sonate de Cage, où les boulons et le caoutchouc sonnent dans son Steinway comme une invocation à la « différence ». Bach le fondateur ouvre et clôt ce rêve, où l’on appréciera également la fraîcheur et le dynamisme jazzé des œuvres du compositeur américain Jonathan Keren.

David Greilsammer, déjà salué pour son premier album consacré aux Concertos de jeunesse de Mozart, s’impose avec fantaisie_fantasme comme un interprète « différent » : intense, passionné, généreux, il nous entraîne, loin des sentiers battus, dans une expérience hors norme et unique. Finalement, avec son jeu si personnel et si passionnant, le suivre dans son rêve et dans sa fantaisie est plus qu’un simple voyage figuré, auquel on ne songerait qu’à l’écoute rationnelle de l’album. C’est plutôt une vraie proposition artistique novatrice qui, à n’en pas douter, mènera David Greilsammer vers des réalisations exceptionnelles. Et nous l’y suivrons…

-Audrey Roncigli
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Lisez une entrevue avec David Greilsammer

Tchaïkovski : La Dame de pique

Orchestre et chœurs de l’Opéra national de Paris/Gennadi Rozhdestvensky, Vladimir Galouzin (Hermann), Hasmik Papian (Lisa), Irina Bogatcheva (la Comtesse), Nikolai Putilin (Tomsky), Ludovic Tézier (Yeletsky)
Mise en scène de Lev Dodin
TDK - DVWW-OPPIQUE - (178 min)
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Lev Dodin a choisi de situer l’action de l’opéra dans un hôpital psychiatrique. Sur un plan strictement théorique, ce choix se justifie dans la mesure où, au fil de ce drame fantastique, le personnage principal, Hermann, sombre progressivement et consciemment dans la folie. En pratique, l’idée s’avère désastreuse. Pour commencer, le parti pris d’adopter la perspective d’un aliéné ne peut que jeter de la confusion sur le cours des événements. Bien vite, le spectateur néophyte s’y perd. Seuls s’y retrouveront (peut-être) ceux qui connaissent déjà l’œuvre sous sa forme habituelle. Mais il y a pis. La partition de Tchaïkovski abonde en « divertissements » dont le rôle est de relâcher la tension, pour mieux la resserrer par la suite. En transférant le récit de l’univers de Pouchkine à celui de Dostoïevski, Dodin n’a réussi qu’à conférer une allure étrange et sinistre à ces passages, qui sombrent alors dans un climat de claustrophobie générale. Le rythme de l’œuvre étant désormais compromis, le spectacle dégénère en une interminable série de « petits quarts d’heure » tous plus ou moins lourds les uns que les autres. Or l’opéra dure près de trois heures... On le déplorera d’autant plus que la direction artistique et la distribution sont du plus haut niveau, comparables à celles de n’importe quel autre enregistrement de l’œuvre disponible en DVD. (C’est le cinquième à paraître en région 1.)

-Pierre Marc Bellemare

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Récit au Grand Orgue : Entretiens avec Antoine Reboulot

Par Jacques Boucher et Odile Thibault
Kirkland, Québec, Éditions de la Taille, 2006.
ISBN-13 : 978-2-9809455-0-2 - ISBN-10 : 2-9809455-0-1
374 p., ill., photos.
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Antoine Reboulot (1914-2002) est l’un des nombreux musiciens français non voyants, notamment des organistes, qui ont été formés à l’Institut national des jeunes aveugles de Paris. Après une belle carrière parisienne, il émigre au Canada en 1967, pour devenir une figure éminente sur la scène musicale montréalaise, comme pédagogue, interprète et musicologue. Le corps de l’ouvrage que lui consacrent aujourd’hui Jacques Boucher et Olive Thibault est constitué d’une série d’entretiens où la parole du musicien a été si bien saisie au vol qu’à travers elle, il semble revivre dans l’écrit. Tandis que les personnes qui ont personnellement connu Reboulot s’attacheront davantage aux chapitres où il fait état de ses origines et de sa vie personnelle et professionnelle en France, puis au Québec, l’attention des autres se portera plutôt sur la deuxième partie de ces entretiens, intitulée « Regards », où il parle de musiciens qui l’ont marqué, à commencer par ses maîtres, Marcel Dupré, André Marchal, Georges Caussade et Henri Büsser, suivis d’autres qu’il a fréquentés ou côtoyés de plus ou moins près : ses aînés, Charles Tournemire et Louis Vierne, ce dernier qu’il a vu, ou plutôt entendu, rendre l’âme en concert à Notre-Dame, le 2 juin 1937, et ses contemporains, Gaston Litaize, dont il fut très proche, Marcel Dupré, Jehan Alain, Jean Langlais, Maurice Duruflé et Olivier Messiaen.

La partie « entretiens » du livre comprend plus d’une centaines de pages de documents divers - photos, reproductions de programmes de concerts, mais aussi (entre autres) un catalogue complet des œuvres de Reboulot, une analyse détaillée de son œuvre d’orgue, par Sylvain Caron; plusieurs textes signés de lui, dont des hommages à des collègues, des essais sur l’organiste liturgique, l’improvisation, des notes d’accompagnement à divers enregistrements, etc.; et, enfin, une discographie.

L’ouvrage regorge d’aperçus éclairants qui devraient aider le lecteur, mélomane ou musicien, à mieux comprendre ou apprécier la musique d’orgue française de la première moitié du vingtième siècle.

-Pierre Marc Bellemare

On peut se procurer cet ouvrage chez l’éditeur: http://www.delataille.net

Philippe Quint : un « grand » du violon...

par Audrey Roncigli

Le violoniste Philippe Quint, comme son nom ne l'indique pas, est né en Russie, et ses origines sont en Italie, dans la dynastie aristocratique des Quinti. Il est le descendant d'un officier de Napoléon, blessé en 1812, et qui émigra en Russie après avoir épousé une infirmière juive ! S'il porte un prénom français, c'est parce qu'il est le fils de Lora Kvint, chanteuse très populaire dans son pays, et qui était fascinée à l'heure de la naissance de Philippe par les familles royales françaises...Aujourd'hui citoyen américain et vivant à New-York, Philippe nourrit son jeu de ces histoires, de ces migrations et des diverses cultures dont il s'est imprégné.

Philippe débute très jeune ses études musicales et rejoint l'Ecole Spéciale pour les Enfants prodiges de Moscou, où il a pour professeur Korsakov. À neuf ans, il donne son premier concert en soliste avec le Concerto N°2 de Wieniawski. À treize ans, il décide de s'engager dans la voie d'une carrière professionnelle, qui l'entraînera à la Juilliard School, dont il sortira en 1997 avec un baccalauréat et une maîtrise. Durant ces années d'études new-yorkaises, il suit l'enseignement de Dorothy DeLay, Felix Galimir, Isaac Stern, Itzhak Perlman, mais se définit une personnalité, un style propre : Philippe reconnaît ainsi que « le style et le jeu d'un violoniste sont d'abord définis par l'individualité, plus que par une quelconque allégeance particulière à une école ou à une autre ».

Poussé par le défi d'une musique qu'il ne connaissait pas, celle de son pays d'adoption, Philippe Quint découvre avec bonheur les oeuvres de Bernstein, Corigliano, Foss, Schuman, Copland. Un bonheur n'arrivant jamais seul, il décroche un contrat chez Naxos et commence à enregistrer : les Concertos pour violon de Schuman, Ned Rorem, la Sérénade de Bernstein qu'il affectionne tout particulièrement, les oeuvres pour violon et piano de Miklos Rozsa. Très prochainement sortira un enregistrement live du Concerto pour violon d'Erich Wolfgang Korngold et Philippe travaille à deux nouveaux albums : Corigliano/Thompson et Kreisler/Paganini.

Se forgeant une réputation de soliste charismatique, avec une technique hors pair et une justesse de ton et d'expression inégalée, Philippe parcourt le monde avec son Stradivarius de 1723, l'ex-Kiesewetter, qui lui est prêté par M. et Mme Arrisson de Buffalo. La liste des orchestres avec lesquels il a déjà joué est impressionnante : les orchestres de Détroit, Indianapolis, Minnesota, Bournemouth, Houston, Buffalo, Nashville ainsi que de la Virginie, de la Louisiane et de l'Oklahoma; le Royal Liverpool Philharmonic; l'Orchestre national de Chine; l'Orpheus Chamber Orchestra; l'Orchestre Symphonique de Bayonne Côte Basque; les orchestres de Pretoria, Cape Town et Johannesburg; les orchestres du Queensland et de Melbourne...sous la baguette de chefs tels que Marin Alsop, José Serebrier, Andrew Litton, Klauspeter Seibel, Kurt Masur, Hans Graf, Arild Remmereit, Maxim Shostakovich, JoAnn Falletta, Jorge Mester, Carlos Miguel Prieto et Kenneth Schermerhorn. Son répertoire s'étale de Vivaldi, Bach et Mozart à Bernstein, Chostakovitch et Piazzola, en passant par Beethoven, Brahms et Paganini. Son amie Lera Auerbach lui a dédié son Concerto n°1, qu'il a créé au Walt Disney Concert Hall de Los Angeles, et qu'il définit lui-même comme son « propre portrait musical ».

Les critiques louent son incomparable musicalité, son charisme hors norme, ses interprétations passionnées et techniquement parfaites. Que ce soit dans ses enregistrements ou sur scène, Philippe Quint fait de chaque pièce un moment de partage musical, vivant avec son public d'intenses moments d'émotion, dans la joie ou la tristesse, dans la douleur ou la frénésie...Nominé aux Grammy Awards, vainqueur de dizaines de compétitions dont le Concours Pablo de Sarasate en 1997, Philippe, que beaucoup de critiques appellent le « Paganini des temps modernes », est un violoniste qui captive ses auditoires à coup sûr.

Philippe est enfin un artiste très polyvalent, puisqu'il est aussi passionné de cinéma et acteur lui-même. Sportif et grand amateur d'échecs, Philippe avoue ne pas avoir assez de temps pour faire « tout ce dont il rêve ». Il n'en reste pas moins un violoniste simple et chaleureux, généreux et passionné. Ce qui fait la définition des « grands » artistes...

Audrey Roncigli : Dans quelle mesure pensez-vous que les éléments de votre vie personnelle ont influencé votre jeu et vos interprétations ?

Philippe Quint : Ayant grandi dans l'ex-Union Soviétique, je n'avais que très peu accès aux enregistrements considérés comme « tabou » dans le pays, comme ceux d'Heifetz, Milstein, Horowitz ou Rachmaninov, etc... Je parle bien entendu de tous ces artistes qui ont à un moment ou un autre quitté la Russie pour poursuivre leurs carrières et leurs vies ailleurs. Je me souviens très bien d'un jour où mon oncle rapporta « clandestinement » un enregistrement de Jascha Heifetz interprétant la Première Danse hongroise de Brahms; toute la famille se réunit pour écouter la performance exceptionnelle d'Heifetz. Pour beaucoup d'enfants en Russie, Heifetz fut certainement une sorte d'icône et une grande source d'inspiration. Cependant, après mon arrivée aux États-Unis en 1991, je fus rapidement « exposé » à une immense variété d'enregistrements, d'artistes, de musiciens, dans des perspectives très variées. Je dois bien avouer qu'au départ, cela m'a un peu dépassé et dans un sens, cela semait la confusion en moi. Mon monde s'écroulait à mesure et aussi soudainement que je réalisais qu'il y avait tant de possibilités d'approcher les compositions musicales. Je crois avoir acheté tous les enregistrements et vidéos disponibles de nombre de violonistes et les avoir écoutés et regardés des centaines de fois. Mon arrivée à New York a coïncidé avec mon entrée à la Juilliard School dans la classe de la légendaire Dorothy DeLay. Son approche était très différente de celle de mes anciens professeurs en Russie. Au lieu de crier et de jeter toutes sortes d'objets au-dessus de ma tête, elle disait tout simplement : « Mon petit chou, quelle est ta vision du fa dièse ? » Le résultat était tout aussi efficace que des cris ou des hurlements. Je me sentais vraiment mal à l'aise du fait qu'elle pense que mon fa dièse était faux et je travaillais encore plus dur pour être capable d'impressionner Mme DeLay à mon prochain cours. Elle était très certainement unique et je garde beaucoup d'excellents souvenirs d'elle. J'ai toujours un grand respect et une grande admiration pour elle.

Une autre rencontre très intéressante pour moi fut celle avec Isaac Stern, vers 1998 ou 1999. Il m'a dit quelque chose que je n'ai pas compris sur le coup, mais qui depuis a complètement changé ma vision de l'interprétation : « Philippe, tu dois comprendre qu'il y a une signification derrière chaque note. » Je ne comprenais pas comment cela était possible, mais après de nombreuses années passées à étudier et à jouer les oeuvres, je commence à comprendre ce que M. Stern essayait de me dire. Je suis tellement honoré de l'avoir rencontré et d'avoir joué pour lui.

Je vous ai cité ici seulement deux influences dans ma vie. J'aurais pu en citer des centaines, et si j'avais commencé, nous aurions dû écrire un livre, un article n'aurait pas suffi !

Audrey Roncigli : Vous avez consacré une large part de votre répertoire à la musique américaine. Pourquoi cette passion particulière pour des compositeurs comme Foss, Rorem, Corigliano ?

Philippe Quint : Ayant grandi en URSS, je connaissais les grands « standards » du répertoire, Bach, Mozart, Beethoven, Brahms, Franck, Tchaïkovski et les autres. Rappelez-vous que nous étions en période de « guerre froide » et le mot « Américain » ne devait pas être prononcé à voix haute. Il me semble que le seul compositeur américain connu à cette époque en Russie était Gershwin et son Porgy and Bess. Ma première « rencontre réelle » avec la musique américaine a eu lieu lorsque je suis arrivé aux États-Unis et que j'ai entendu West Side Story. Les années qui ont suivi, j'ai appris de nombreuses pièces de musique américaine, de Copland à Cage, de Cowell à la jeune génération comme Corigliano, Ned Rorem ou William Bolcom.

Je me suis beaucoup intéressé à la musique américaine car les harmonies et les structures rythmiques m'intriguaient beaucoup et c'était une chose totalement nouvelle pour moi.

Ma première oeuvre fut la Sonate pour violon de John Corigliano, une oeuvre fascinante que je viens d'enregistrer. J'ai eu ensuite le privilège de travailler avec Lukas Foss et nous avons enregistré ses pièces pour violon et piano. Puis ont suivi des projets pour Naxos, dans la collection American Classics, dont le Concerto pour violon de William Schuman (une oeuvre merveilleuse et très sous-estimée), la Sérénade de Bernstein et le Concerto de Ned Rorem. Rorem et Schuman sous la baguette du chef d'orchestre José Serebrier.

On me demande souvent pourquoi je joue autant de musique contemporaine et de musique américaine. Je réponds : « Pourquoi pas ? » Bien entendu, les gens aiment entendre Mozart et Mendelssohn, mais on ne peut pas vivre en dehors de son siècle et ne jouer que les compositeurs du passé. Il y a tant de merveilleux compositeurs aujourd'hui et je me réjouis de découvrir de nouvelles pièces de nos contemporains.

Audrey Roncigli : On vous compare très souvent à Paganini. Que cela vous inspire-t-il et comment réagissez-vous ?

Philippe Quint : (Rires) Je mets au défi quiconque de me dire comment il jouait ! C'est plutôt une comparaison amusante. Je ne sais pas trop d'où elle provient. Peut-être de mon apparence physique : je suis grand, avec de longs bras et des cheveux noirs...Les gens aiment comparer les violonistes du présent avec ceux du passé, en donnant une sorte de qualification, telle que « le prochain Menuhin », ou « le prochain Oïstrakh ». Ces comparaisons sont flatteuses, bien entendu, mais il est important de comprendre qu'on ne demande pas de trouver le prochain X ou Y. Il me semble qu'il est plus important de découvrir de nouveaux talents plutôt que d'avoir sur scène de pâles imitations d'un musicien du passé. Une de mes récentes influences est Gidon Kremer, qui est un vrai intellectuel et un musicien fantastique, tout en étant anticonformiste dans ses interprétations, toujours capable de trouver des nouveautés, des innovations dans des oeuvres que l'on entend depuis des dizaines et des dizaines d'années.

Je lui porte un grand respect et une grande admiration. Ce n'est pas quelqu'un qui essaie d'être différent pour être différent, mais il poursuit ses choix musicaux intensément et ne s'en écarte jamais.

Pour en revenir à Paganini...J'envisage de l'étudier très en détail et en fait, l'un de mes prochains enregistrements sera consacré à ses oeuvres pour violon et piano arrangées par Fritz Kreisler. La musique de Paganini a été très souvent critiquée, pour sa « substance ». J'ai une opinion tout à fait différente : je pense qu'on doit considérer ses oeuvres comme une sorte de petite opérette italienne, le violon tenant la partie principale. Le violon « bel canto » en quelque sorte !

Audrey Roncigli : Quelles ont été, ces derniers mois, les pièces qui vous ont été les plus difficiles à interpréter, et celles qui vous ont le plus enthousiasmé ?

Philippe Quint : Je pense que les oeuvres les plus difficiles sont celles qui vous demandent beaucoup sur le plan émotionnel. L'une de ces pièces est bien entendu le Concerto n°1 de Chostakovitch. Après une Passacaglia très intense en émotions, vous passez tout de suite à une Cadenza diaboliquement difficile...Il n'est pas étonnant que David Oïstrakh ait demandé à Chostakovitch de placer un petit tutti d'orchestre avant le début du quatrième mouvement, afin que le violoniste puisse respirer un peu avant de replonger dans quelque chose de plus trouble, de plus sombre. Cette pièce est très difficile, car elle ravive en moi des souvenirs de mon enfance en Russie.

Vous savez, la description que Chostakovitch fait de la Russie est exactement la mienne : « Quand je regarde mon passé, tout me semble gris. » C'est très intéressant et cela associe chez moi la Russie à la couleur grise. Son premier mouvement, très subtil et intense, est peut-être une indication de ce « gris » dont il parle.

Je pense que les oeuvres que je considère comme les plus difficiles sont aussi mes préférées : le Concerto et les Sonates de Beethoven, les Concertos de Brahms, Sibelius, de Stravinsky, et quelques autres...J'apprécie ce qu'on appelle la « musique programme », la musique étant basée sur une histoire : la Sérénade de Bernstein me vient immédiatement à l'esprit. Mais même si la musique n'est pas toujours accompagnée d'une histoire, je m'en crée une ! C'est plutôt simple et cela aide l'interprétation.

Audrey Roncigli : Vous êtes un vrai globe-trotter, entre l'Australie, l'Afrique, l'Europe et les États-Unis. Pouvez-vous nous donner un aperçu de votre saison 2008 ?

Philippe Quint : Les six derniers mois ont été très intenses. J'ai réussi à jouer en Australie, en Amérique du Nord, du Sud, en Afrique du Sud et en Europe en moins de six mois ! C'était excitant et fascinant de visiter tous ces merveilleux endroits, mais très fatigant également. J'espère avoir un emploi du temps un peu plus « bénéfique » ces prochaines années. Parmi les grands moments de la saison à venir, mes débuts en Allemagne avec la Staatskapelle de Weimar sous la direction de Carl St Clair. Je ne peux pas ne pas citer la sortie de mon album Korngold sous la baguette de mon ami de longue date Carlos Miguel Prieto. Il y aura aussi le premier enregistrement mondial des Caprices du Violon rouge de Corigliano et sa Sonate, couplés avec des pièces de Virgil Thomson, pour Naxos. Deux CD de musique américaine, encore !

Et aussi...un récital à Montréal en octobre prochain !

Visitez le site web de Philippe Quint

Critique de disque : Miklós Rózsa: Music for Violin and Piano

Crédit photographique : © Pavel Antonov

Gala des prix Opus 2006-2007

par Caroline Louis

Le 27 janvier 2008, à la salle Claude-Champagne à Montréal, le Conseil québécois de la musique remettait les prix Opus, récompensant ainsi les interprètes, compositeurs, créateurs, promoteurs, organisations musicales et musicologues québécois qui se sont illustrés entre le 1er septembre 2006 et le 31 août 2007. Pas moins de vingt-six trophées furent distribués lors de cette 11e édition du gala des prix Opus, animée avec beaucoup d'humour par Mario Paquet et Martin Bernier. Tout au long du gala, nous avons pu entendre des arrangements musicaux de Louis Babin, qui dirigeait un ensemble d'une douzaine de musiciens, tandis que des ¦uvres picturales du compositeur Otto Joachim défilaient sur écran géant en haut de la scène.

Sans grande surprise, le prix de l'Événement musical de l'année fut remporté par l'Orchestre symphonique de Montréal, pour le concert d'ouverture du 6 septembre 2006 dirigé par Kent Nagano. Ce concert, projeté en direct de la salle Wilfrid-Pelletier et de l'esplanade de la Place des Arts, avait attiré quelques centaines de milliers d'auditeurs via le site Internet, la télévision, la Première Chaîne de la radio de Radio-Canada et Espace musique.

Le prix d'Interprète de l'année fut remis à l'ensemble Les Voix humaines, et le jury a sélectionné le compositeur et électroacousticien montréalais Serge Arcuri comme Compositeur de l'année. L'exceptionnelle saison du 30e anniversaire du Festival de Lanaudière fut soulignée par le prix Diffuseur de l'année. La soprano Marianne Fiset a obtenu le prix Découverte de l'année, prix qui fut par le passé accordé à des artistes tels que Yannick Nézet-Séguin, Marie-Nicole Lemieux et le Quatuor Molinari.

Le jeune musicologue Philip Gareau, étudiant à l'Université de Montréal, reçut le prix du Livre de l'année, ayant vu son mémoire de maîtrise publié chez L'Harmattan sous le titre La musique de Morton Feldman ou le temps en liberté. Le baryton Marc Boucher, partageant avec le pianiste Olivier Godin le prix du Disque de l'année - Musiques classique, romantique, postromantique, impressionniste, a pour sa part invité les compositeurs à s'inspirer plus souvent de la poésie québécoise, déclarant : « Commettez-vous, chers musiciens, et nous serons heureux de vous interpréter. »

Par ailleurs, le Conseil québécois de la musique soulignait cette année la carrière du musicien Otto Joachim, récipiendaire du prix Hommage. Davis Joachim, fils du compositeur émérite, interpréta avec simplicité une ¦uvre pour guitare de son père et le critique musical Claude Gingras prononça un bref discours en l'honneur de son ami de longue date. Déplorant de se retrouver sur scène plutôt que dans l'assistance, l'intransigeant critique du journal La Presse provoqua de francs éclats de rire en s'exclamant, plissant des yeux sous l'intensité des projecteurs, « C'est ça, être artiste? » et cherchant le compositeur dans la salle obscure, afin de pouvoir le féliciter directement : « Wo bist du, Otto ? »

Parmi les moments forts du gala, mentionnons l'interprétation virtuose que donna le Quatuor Molinari du périlleux deuxième mouvement du Quatuor à cordes no 2 d'Alfred Schnittke et la surprenante prestation multimédia d'Espaces Sonores Illimités, intitulée Spatio-Lumino. L'exécution d'une ¦uvre pour percussions d'Iannis Xenakis par l'ensemble Sixtrum fut également très appréciée.

> La liste des lauréates.

Pierre de La Rue : The Complete Magnificats, 3 Salve Reginas

Peter Schubert, Viva Voce
Naxos 8.557896-97 (119 min 53 s)
***** $$

Ce disque est exceptionnel pour deux raisons. D'abord, il nous offre le premier enregistrement complet des remarquables Magnificats de Pierre de La Rue (1460-1518). Deuxièmement, il nous donne la chance d'entendre Peter Schubert et son ensemble Viva Voce s'exprimer avec une splendeur qui ne peut que les inscrire dans la lignée des grands ensembles vocaux spécialisés en musique ancienne. Le style de La Rue est à la croisée de l'ancien et du nouveau. Il utilise aussi bien les techniques, déjà éprouvées, de la 1re moitié du 15e siècle que les nouvelles méthodes apparues dans la 2e. Chez de La Rue, les mélismes mélodiques du cantus firmus cohabitent intelligemment avec la nouvelle rigueur imposée à la relation entre structure syllabique et développement motivique. Ce coffret double est un délice pour tous les amoureux de polyphonie. De plus, il permettra à l'un de nos fleurons musicaux de rayonner aux quatre coins de la planète.

-Frédéric Cardin

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Grieg : Peer Gynt Suites, Six Orchestral Songs

Malmö Symphony Orchestra; Bjarte Engeset, dir.

Inger Dam-Jensen, soprano, Palle Knudsen, baryton

Naxos 8.570236 (65 min 45 s)

*** $

On trouvera ailleurs des interprétations plus inspirées des deux Suites tirées de la musique pour scène de Peer Gynt. Sous la baguette d'Engerset, les mélodies s'affadissent et l'atmosphère de légende indispensable, faite de nostalgie et de poésie rêveuse, mais aussi d'une sorte de tendre ironie, n'est guère au rendez-vous. Tout cela finit par ressembler à de la musique de village. Le programme vaut beaucoup plus par les oeuvres chantées qui suivent. Le baryton Palle Knudsen sait mettre en valeur le premier lied tiré de l'opus 21 de Grieg, Quatre Poèmes de la Fille du pêcheur de Bjørnson, et surtout la ballade populaire du Prisonnier de la montagne op. 32 où l'art du compositeur norvégien pour suggérer l'univers nordique est au mieux. La soprano Dam-Jensen, malgré une voix assez belle, convainc moins dans les Six Chants orchestraux EG 177 que Grieg a réunis à partir de diverses oeuvres; on y retrouve entre autres la célèbre Chanson de Solveig et la Berceuse de Solveig tirés de Peer Gynt.

-Alexandre Lazaridès

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Die Zauberflöte

Piotr Beczala (Tamino), Dorothea Röschmann (Pamina), Detlef Roth (Papageno), Matti Salminen (Sarastro), Désirée Rancatore (Reine de la Nuit), Gaële Le Roi (Papagena), Uwe Peper (Monastatos)

Orchestre et Choeurs de l'Opéra national de Paris; Ivan Fischer, dir.
Mise en scène : Benno Besson
TDK DVWW-OPMFP (158 min)
*****$$$$

Une Flûte enchantée...enchanteresse ! On n'a pas assez d'yeux pour apprécier toute la richesse des costumes, toutes les effervescences scéniques. En un tour de main, peut apparaître une jungle luxuriante peuplée d'animaux sauvages. Une autre fois, c'est la Reine de la Nuit qui surgit du sol et s'envole dans les airs, habillée d'une robe démesurée qui meuble toute la scène. Il y a plein de ces trouvailles visuelles qui tiennent de la magie. Côté chant aussi, nous sommes choyés. Le personnage de Pamina est très bien rendu par Röschmann, une mozartienne accomplie - on se remémorera avec plaisir sa Susanna des Noces de Figaro (DVD Arthaus 100 017). Roth insuffle dynamisme et justesse vocale à son Papageno. Rancatore interprète à merveille le fameux air Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen. Salminen, avec sa superbe voix de basse, brille là comme il le fait dans tant d'autres productions DVD...Question mise en scène et tournage, la référence absolue pour cet opéra demeure l'adaptation d'Ingmar Bergman, de 1975 (DVD Criterion 71), mais le célèbre cinéaste n'avait pas la contrainte du direct, et ses chanteurs - crime de lèse-majesté - s'exprimaient en suédois.

-Pierre Demers

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Fernandes, Freitas Branco

Extramadura Symphony Orchestra; Jesús Amigo, dir.

Alexandre Da Costa, violon

Atma classique ACD2 2578 (73 min 45 s)

*** $$$

Il y a deux ans, le même ensemble et le violoniste montréalais Da Costa avaient donné une interprétation des plus intéressantes du Concerto pour violon de Luis de Freitas Branco. Le présent enregistrement de la Symphonie n^o 2 en si bémol mineur (1926) ne se situe pas à la même hauteur. L'oeuvre se laisse écouter, mais elle fourmille de réminiscences de l'idiome symphonique post-romantique (Brahms, Tchaïkovski, Sibelius...) qui dénotent plus de savoir-faire que d'originalité. Le meilleur moment est sans doute le troisième mouvement, une sorte de scherzo délicatement orchestré, mais la coda du dernier mouvement sombre dans le pompiérisme. À quoi il faut ajouter que l'orchestre sonne bien mollement tout au long. Quant au Concerto (1948) de Armando José Fernandes, sans charme ni intérêt, on se demande s'il était nécessaire de l'exhumer tant le prosaïsme de l'écriture et le statisme sont patents. Da Costa lui-même ne semble pas trop y croire, le chef non plus.

-Alexandre Lazaridès

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