Mendelssohn Revisionism on Composer's 200th!

by Paul E. Robinson

Felix Mendelssohn (1809-1847) or Felix Mendelssohn-Bartholdy as the Germans prefer to call him, was justly celebrated as one of the greatest musical geniuses of his time. He was a child prodigy who attracted the attention of royalty across Europe and was even introduced to Goethe. Everything seemed to come easy to him: playing the piano and conducting at a virtuoso level; composing masterpieces like the Italian Symphony, the Violin Concerto and the oratorio Elijah.

For all his gifts, it may come as a shock to his admirers to learn that Mendelssohn lacked self-confidence. Throughout his life, he was filled with self-doubt and feared that nothing he had accomplished was worth anything at all. In his composing life this insecurity took the form of constant revision. Even after successful premieres, Mendelssohn often made extensive changes before allowing his works to be published. Many pieces he refused to publish at all and simply shoved into a drawer; others he never finished.

Mendelssohn scholar Larry Todd has gone so far as to claim that ‘Mendelssohn never finished 80 percent of the compositions he began.”

As we celebrate Mendelssohn’s life and work this year, it is remarkable how many first versions, revised versions and pieces we scarcely knew existed are being performed for the first time.

Mendelssohn Correspondence Reveals Quest for Approval

Mendelssohn’s letters are full of self-criticism. A letter to his friend and colleague Ignaz Moscheles is typical:

I do feel sometimes as if I should never succeed; and today I am quite dissatisfied with my work, and should just like to write my oratorio [St. Paul] over again from beginning to end. (March 25, 1835)

Even a masterpiece like the Violin Concerto gave him great anxiety. Here is an excerpt from a letter to Ferdinand David, the violinist who gave the first performance:

One important thing that is not clear to me (I really ought to be ashamed that it isn’t) is the pizzicato accents in the theme of the adagio. I originally intended to write it this way but later was dissuaded from doing it; I do not know why. Actually the problem is NOT how the pizzicato sounds because that I know, but how it sounds together with the coll’arco of the basses and the solo violin. Will these accents not bring about a confused effect through the alternating of coll’arco and pizzicato in such a combination? Pray, let Gade have a look at this phrase in the score, and let me know his opinion of it. Do not laugh at me too much, I feel ashamed in any case, but I cannot help it; I am just groping around. (December 17, 1844)

In fact, David responded with a number of suggestions which Mendelssohn incorporated into the final version of the concerto. Mendelssohn’s original version only recently became available to record collectors on a recording by British violinist Daniel Hope (DG 477 6634).

New Recording Features early Versions of Mendelssohn Classics

One of the most fascinating recordings released in this Mendelssohn year is one called Mendelssohn Discoveries (Decca 478 1525). It contains the London version (1842) of the Scottish symphony, the Rome version (1830) of the Hebrides overture, and a reconstruction and completion of the Piano Concerto No. 3. All three works feature the Leipzig Gewandhaus Orchestra – the orchestra of which Mendelssohn himself was music director – conducted by Riccardo Chailly, and Roberto Prosseda is the soloist in the concerto.

In the orchestral works, there are passages here and there which Mendelssohn either eliminated or altered later, in their final versions. These final versions are obviously more familiar to us, and, in my opinion, are also improvements over the earlier ones; this observation notwithstanding, it is always interesting – at least to scholars and music students – to examine the full body of any major composer's work, in order to gain some insight into their creative process.

Piano Concerto No. 3 More Bufalini Than Mendelssohn

The Piano Concerto No. 3 is a far different case. There is no final version - there are only fragments of musical ideas.The first two movements of the piece exist in short score – or a piano reduction – with “occasional instrumental indications”, according to Marcello Bufalini, the conductor/composer who did the present “reconstruction and completion.”

Mendelssohn left us eleven bars of full score for the first movement of his Piano Concerto No. 3. He left us even fewer for the finale - only the first five bars in any form at all. Was he happy with these beginnings? We know that he continually revised all his compositions, so was this the work he wanted the world to hear? The fact is that though Mendelssohn was in his prime when he was composing this concerto, he himself chose not to complete it.

Having decided that a "reconstruction and completion" of the Piano Concerto No. 3 was justified, Bufalini's task was monumental. He had to orchestrate the first two movements of the concerto, and write a third - virtually from scratch.

All these challenges considered, to my mind, this is not a work by Mendelssohn. It is a work based on sketches by Mendelssohn, which is a very different thing. It clearly owes more to Bufalini than to Mendelssohn.

Nevertheless, everyone involved in this project deserves credit for venturing into uncharted territory in the pursuit of hidden treasures.

Musicologist Larry Todd Gives Piano Concerto No. 3 a Go!

Earlier in this article, I mentioned the musicologist Larry Todd. He too has come out with an orchestration of the first two movements of the Piano Concerto No. 3 and a controversial solution for the missing third movement. He simply inserted the last movement of the Violin Concerto and transcribed the solo violin part for piano. Todd’s justification was that the sketches for the first two movements of the Piano Concerto No. 3 are from the same period as the Violin Concerto, and that “there are many thematic similarities.”

Kudos to Todd for his assertion that “this project is my playful attempt, as a musicologist, to shed some light on the creative process.” The premiere of the Todd version of the Piano Concerto No. 3 was given last year and a recording is available featuring pianist Matthias Kirschnereit (Sony Arte Nova).

Revisionism Remains Questionable Activity for Some

These attempts to “reconstruct and complete” Mendelssohn’s Piano Concerto No. 3 are reminiscent of the attempts made by Deryck Cooke to create a performing edition for Mahler’s Symphony No. 10 based on the composer’s sketches.

Musicologists and conductors are still divided as to whether Cooke’s work was valuable or misguided. Some conductors – Leonard Bernstein, for example – would only perform the first movement because it was the only movement completed by Mahler. Others such as Simon Rattle wholeheartedly embrace the Cooke edition.

For listeners wishing to probe further into the subject of the various versions of Mendelssohn’s symphonies, I highly recommend a 1998 recording by John Eliot Gardiner and the Vienna Philharmonic (DG 289 459 156-2).

This cd contains wonderful performances of the Fourth (“Italian”) and Fifth (“Reformation”) symphonies, but also a later version (1834) of the last three movements of the “Italian” symphony.

The notes in the CD booklet are by the ubiquitous Professor Todd, who tells us, among other things, that after the premiere of the “Italian” symphony in England, Mendelssohn left the score behind when he returned to Germany; thus, when he later set about revising the work, he was doing it from memory!

The changes Mendelssohn made are mostly concerned with orchestration, but in the finale, he altered the structure of the movement, making it longer. Is the revised version better? Hard to say. But at least we can hear both versions for ourselves.

Mendelssohn or Mendelssohn-Bartholdy? Which is Correct?

It wasn't easy being a Jew in Nineteenth Century Germany. Discrimination was rampant long before Wagner’s anti-semitic tirades, and later still, grew into the monstrous genocidal practices of the Third Reich.

Like many others, Mendelssohn’s mother’s brother tried to hide his Jewishness by converting to Christianity and changing his name from Salomon to Bartholdy. By all accounts he was a disagreeable, controlling character and made it his business to demand that his sister’s family follow his example in matters of religion. Finally, after years of badgering, they gave in and embraced Christianity.

Felix was baptized at the age of seven and his parents followed suit six years later. At that time the Mendelssohn family also changed their name and became known as Mendelssohn Bartholdy or Mendelssohn-Bartholdy. For the record, the composer's signature was ‘Mendelssohn Bartholdy.’

Paul E. Robinson is the author of Herbert von Karajan: the Maestro as Superstar, and Sir Georg Solti: His Life and Music, both available at Amazon.com.

Debussy : Préludes pour piano, Livres 1 et 2

Ivan Ilić, piano
Paraty 108.105 (75 min 40 s)
*** $$$$

Le choix audacieux d’aligner les 24 Préludes de Debussy dans un ordre tout autre que celui dans lequel ils ont été publiés fait espérer l’avènement d'un artiste aux idées musicales originales. Ivan Ilić, jeune pianiste serbe installé à Paris, affiche une technique à peu près impeccable, suit scrupuleusement les indications métronomiques et exécute les rythmes, complexes, avec une souplesse louable, mais jamais on n’entend chez lui l’ombre d’un travail de sonorité; les forte sont claqués, même sous le sans dureté clairement indiqué par Debussy, et les piani sont inexistants ou détimbrés. On se demande comment un pianiste vraisemblablement aussi compétent qu’Ilić peut jouer avec une telle froideur et une telle inconscience de ce qui passe, ou plutôt ne passe pas les micros. On attend le chant, la résonance dans les géniales pages de Debussy, et on se surprend à entendre mourir des sons sans vie. Bruyères et Les danseuses de Delphes sont particulièrement pénibles, mais ce jeu impassible sied curieusement bien aux préludes plus humoristiques; Minstrels et General Lavine – eccentric sont même assez réussis. On attend en vain une vraie atmosphère, un contraste, une couleur, un élan. L’exécution parfaite et morne d’un bon élève, exempte de toute poésie.

- Camille Rondeau

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Debussy/Poulenc : Sonate pour violoncelle et piano

Jean-Guihen Queyras, violoncelle ; Alexandre Tharaud, piano
Harmonia Mundi HMC 902012 (62 min 47 s)
***** $$$

Le tandem Queyras-Tharaud nous avait donné, il y a deux ans, une interprétation remarquable de la Sonate "Arpeggione" de Schubert. Il lui avait accolé des pièces de Webern et de Berg, comme pour marquer une filiation entre le premier et les seconds, tous trois nés à Vienne mais à un siècle d'écart. Dans ce nouvel enregistrement, les interprètes rapprochent deux compositeurs dont les univers ne se touchaient pas mais qui se réclamaient l'un et l'autre de la grande tradition française représentée par Couperin et Rameau, qu’ils estimaient menacée par l’influence germanique. L’un et l’autre ont écrit une sonate pour violoncelle et piano. Celle de Debussy est souvent jouée. Celle de Poulenc, en revanche, est sous-estimée. Elle présente pourtant des qualités et son deuxième mouvement, une Cavatine, est fort beau. Diverses pièces plus légères, dont des transcriptions, complètent le programme. L’interprétation, autant chez Queyras que chez Tharaud, est d’une finesse toute française. Les notes du livret, très intéressantes, sont signées Anne Roubet.

- Alexandre Lazaridès

William Lawes: The Harp Consorts

Maxine Eilander, harp; Les Voix Humaines
Atma Classique ACD2 2372
**** $$
William Lawes’ pieces for harp, bass viol, and violin were originally written for the court of Charles I and have never been recorded in their entirety – until now. The group includes Seattle harpist Maxine Eilander, baroque violinist David Greenburg, Steven Stubbs on theorbo, and Montreal’s Susie Napper and Margaret Little of Les Voix Humaines on viola da gamba.

Though the recording is titled The Harp Consorts, the works don’t exclusively feature the harp. Each instrument has its own musically demanding part. This group meets these demands with aplomb, imparting more than just technical capability to the long lines of Lawes’ distinctive melodic style. Subtly and varied articulations from the violin and viols bring something special to these pieces while rhythmically energetic playing gives the melodies direction.

Fine musicianship doesn’t end with the violin and viol: Maxine Eilander plays on the triple-strung harp, navigating the three rows of closely spaced strings with ease and lively dynamic contrast.

The only slight disappointment is the sound mix itself. One wishes that in these consorts the harp and the theorbo were slightly more audible; at times it is difficult to hear the instruments in the background of the viola da gamba. Minor objections aside, this is truly fine music – and history – making.

- Dawna Coleman

Brahms Piano Quartets

Xiayin Wang, piano; Amity Players
Marquis 774718-1377-2-2 (73 min 47 s)
*** $$$$

The young Amity Players collaborated with pianist Xiayin Wang on two of Brahms’ dramatic piano quartets, both conceived at times of personal tumult. He began the Piano Quartet in C Minor in the mid 1850s after his mentor, Robert Schumann, attempted suicide. His Piano Quartet No.1 in G minor was composed between 1857 and 1859, following Schumann’s death. Brahms had formed a close relationship with Schumann’s wife Clara that intensified after her husband’s death and was the subject of much speculation. Both quartets are informed by turbulent emotions, oscillating between anguished brooding and violent abandonment. In livelier movements, such as the G minor Rondo, the Player’s tempo and accent style detracts from the vigorous intensity that could electrify the composition. However, Wang sparkles with precision, solidifying and invigorating the quartet. Cellist Raphael Dubé plays expressively, with singing tone in the C minor Andante, and the group produces a thick, murky texture that beautifully darkens the G minor Andante con moto. Overall, the Amity Players and Xiayin Wang capture the dark and confused emotions that permeate the two compositions.

- Hannah Rahimi

Maxwell Davies : Naxos Quartets 9 & 10

Maggini Quartet
Naxos 8.557400 (63 min 54 s)
**** $

Peter Maxwell Davies semble s’être bien amusé à remplir la commande de l’étiquette Naxos pour la composition de dix quatuors, dont ce disque représente l'étape finale. Il en a fait un véritable exercice d’exploration formelle: approche familière pour les deux premiers, mouvement unique pour les Quatrième et Huitième, collections hétéroclites pour les Troisième (Marche, Fugue, 4 Inventions et Hymne…) et Dixième (Reel, Air, Passamezzo, Hornpipe…), séquence de sept mouvements lents pour le Septième, etc. Le style hautement référentiel du Britannique se reconnaît partout, mais de façon subtile : les passages tonaux sont brefs, comme pour rappeler la source de la déconstruction – on sent la référence plus qu’on ne l’entend, ce qui s’avère efficace d’un point de vue dramatique. Le tout est assez bien livré par les Maggini, et c'est heureux, car il y a fort à parier que la prochaine version intégrale de ces quatuors n'est pas pour demain.

- René Bricault

Firebrand: Chamber Music of T. Patrick Carrabré

Gryphon Trio; Winnipeg Chamber Music Society
Centredisques CMCCD 13408 (62 min 01 s)
**** $$$
The Gryphon Trio attacks the works of T. Patrick Carrabré with the same energy and zeal they put into all their recordings. The ensemble’s clean elegance balances the brash virtuosity of Carrabré’s Firebrand. From the darkest reaches employs more predictable rhythmic and melodic elements but the Gryphon Trio imbues it with a unified character and somber energy; filling in the weaker gaps in Carrabré’s writing. Both trios on this disc were written for the Gryphon, adding to an extensive library of over 40 commissioned works.

A hammer for your thoughts… commissioned and performed by the Winnipeg Chamber Music Society, takes its name from its form and content. Traditionally piano quintets involve a large solo piano part. Carrabré takes the sound image of the hammered piano strings and expands it to the glockenspiel. The work is filled with repeated-note figures in every instrument, a further play on the same idea. The WCMS doesn’t quite live up to the same standard and level of energy as the Gryphon Trio – it presents a stolid rendition of what might otherwise have been a gripping work.

Overall, this disc would make a fine addition to any contemporary Canadian music enthusiast’s library and perhaps that of an adventurous open-minded listener. But if you’re looking for a disc to play during a dinner party, keep shopping.

- Marcin Swoboda

François Couperin : Pièces de violes

Philippe Pierlot, Emmanuel Balssa, basse de viole ; Eduardo Egüez, théorbe et guitare ; Pierre Hantaï, clavecin
Mirare MIR 040 (67 min 58 s)
****** $$$$

Dès le Prélude (marqué Gravement) de la Première Suite qui ouvre le programme de ce remarquable CD, on est conquis par le mélange de retenue et de noblesse que les quatre musiciens insufflent au chef-d’œuvre de Couperin ; leur cohésion est telle qu’on croirait avoir affaire à un seul instrument, d’une magnifique complexité. L’auditeur sera charmé jusqu’à la fin, notamment par la saisissante Sarabande Grave et la Passacaille ou Chaconne de cette même Première Suite, et par la longue Pompe Funèbre (Très gravement) de la Deuxième Suite. En dépit de son titre, celle-ci ne comprend que quatre mouvements, libérés de la contrainte traditionnelle des rythmes de danse. En complément se trouvent deux Concerts formés de transcriptions de pièces tirées des Ordres pour clavecin. Sans atteindre les vertigineux sommets des Suites, ces Concerts ne manquent pas d’intérêt. Les notes de programme, très instructives, sont signées Philippe Beaussant. Par son raffinement, cette nouvelle version des Suites détrône celle, intense mais pesante, qu’en avait donnée Jordi Savall (Astrée, 1976/1988).

- Alexandre Lazaridès

Georges Delerue: Œuvres pour piano et instruments divers

Minna Re Shin, piano; Olivier Thouin, violin; Guillaume Saucier, cello; Fabrice Marandola, percussion
DCM Classique DCM-CL205 (54 min 50 s)
*** $$$

The French composer Delerue (1925-1992) is known for his success in film music. This disc serves as an introduction into his lesser known classical works, featuring violin, cello and percussion paired with piano. The short, beautiful Antienne 1 for violin and piano sets the tone for the whole disc. Thouin’s approach to this simple piece is clean and honest. Concerto de l’Adieu was originally for violin and orchestra but appears here with piano. Something is lacking, and the writing has a meandering tendency. Aria et Final for cello and piano feature some interplay that is both interesting and jarring. Cellist Guillaume Saucier plays stiffly and the ensemble offers little in the way of emotional connection. The Final is disappointing and lacks energy. Marandola steals the show with Mouvements pour instruments à percussion et piano. After more standard arrangements of strings and piano, the inclusion of percussion is quite refreshing. In addition, Marandola’s variety in colour and subtle dynamic shifts makes for an enthralling performance. The disc is capped off with Stances for cello and piano and Sonate pour violon et piano. For 20th century music Delerue’s writing is very accessible, but the longer works may leave you wishing there was video included.

- Micheal Spleit

Von Klenau: String Quartets 1, 2 and 3

Sjaelland String Quartet
Dacapo 8.226075 (70 min 11 s)
*** $$$$

À défaut de parenté plus évidente, la musique de Paul von Klenau a été comparée à celle de son ami Alban Berg. Toutefois, des nuances s'imposent : chez le premier, la conception des structures macroscopiques est plus traditionnelle et carrée, le déploiement dans la phrase est plus fantaisiste, moins rigoureux, et la technique de conciliation entre dodécaphonisme et tonalité s’avère beaucoup plus transparente. Les interprètes, moins exceptionnels que les autres quatuors auxquels nous a habitué l’excellente étiquette (mais tout de même fort corrects), ont opté pour une lecture très intimiste. Le résultat est parfois sclérosé, ce qui ne l'empêche pas de toucher par moments au délicieux et mystérieux état de grâce propre à l’expressionnisme germanique.

- René Bricault

Verdi and Verismo

Fabiana Bravo, soprano
St. Petersburg Radio and TV Orchestra / Charles Rosekrans
KLEOS Classics KL5149 (72 m 32 s)
**** $$$

Argentinean soprano Fabiana Bravo is that rare breed – a true spinto soprano with a dark-hued powerful instrument, strong sense of drama, and glamorous stage presence. Since winning the 5th Luciano Pavarotti Voice Competition in 1996, Bravo has made a name for herself in the Verdi and verismo repertoires. A generous artist on stage, her performances are noted for their intensity and all-out vocalism. This CD, recorded in St. Petersburg, Russia, in 2006, gives the listener a good idea of her art. The disc is a generous 72 minutes long, featuring 14 arias from Don Carlo, Simon Boccanegra, Corsaro, Aïda, Forza, Mefistofele, Adriana, Wally, Tosca, Andrea Chenier, Edgar and Suor Angelica. The singing is impressive, particularly her blazing top with a genuine high pianissimo, which she uses to great effect in “La vergine degli angeli” and “Senza mamma”. The timbre and weight of her sound are ideal in the Verdi and Puccini heroines featured on the disc. For dramatic effect, Bravo is not afraid to dip into her generous chest voice. Like other big-voiced dramatic sopranos, Bravo is best seen on stage, as this type of voice isn't so easily captured on disc. The close miking exaggerates her breathing, and sometimes one can hear a slow vibrato and an overall unsteadiness. Occasionally, she telegraphs a coming high note by breaking the line to take a breath, as in “Vissi d'arte” and “O patria mia”. The St. Petersburg Radio and TV Orchestra under American conductor Charles Rosekrans does yeoman service – one wishes for more incisive and commanding leadership from the maestro. These quibbles aside, the disc is well worth a listen for those curious about the art of this exciting soprano.

- Joseph K. So

Bruckner 9

Orchestre Métropolitain du Grand Montréal / Yannick Nézet-Séguin
Atma classique SACD2 2514 (67 min 1 s)
*** $$

L’interprétation de la Neuvième de Bruckner par Nézet-Séguin suscite les mêmes réserves que celle de la Septième, enregistrée il y a deux ans par le même chef. Un trait étonnant, innovateur de l’écriture brucknérienne, consiste à opposer les sections orchestrales pour qu'elles soient à la fois contraires et complémentaires. Privée de ce contraste, l'oeuvre peut paraître malhabile, ainsi que l'ont jugée ses premiers détracteurs. Ici, l’équilibre des blocs sonores laisse à désirer. La section des bois de l’Orchestre Métropolitain tend à s'effacer; les cordes, elles aussi, peinent à se faire entendre lorsque la masse orchestrale est imposante. Dans ces conditions, les thèmes semblent surgir de nulle part et disparaître à l’improviste, et leur mise en relief, dans certains cas, est pratiquée sur un fond plutôt brouillé. Du coup, la présence simultanée d’autres événements musicaux n’est plus perceptible ; le tissu orchestral en sort aminci. Il faut croire que Wand, Jochum, Celibidache ou Giulini ont placé trop haut la barre de cette œuvre exceptionnelle.

- Alexandre Lazaridès

Prokofiev: Betrothal in a Monastery

Lyubov Petrova, Claire Ormshaw, soprano; Alexandra Durseneva, Nino Surguladze, mezzo-soprano; Viacheslav Voynarovskiy, Vsevolod Grivnov, Peter Hoare, tenor; Andrey Breus, Alan Opie, Pavel Baransky, baritone; Jonathan Veira, bass-baritone; Sergei Alexashkin, Maxim Mikhailov, bass; London Philharmonic Orchestra / Vladimir Jurowski; The Glyndebourne Chorus / Thomas Blunt
Glyndebourne GFOCD 002-06 (2CD: 135 min 31 s)
***** $$$$

Voilà un petit opéra-comique tout à fait charmant composé en 1940 et, surprise, issu de la plume de Prokofiev. L'entrée en guerre de la Russie a annulé les espoirs de longévité de cette œuvre légère, basée sur une pièce de Sheridan (1751-1816). Betrothal in a Monastery raconte l’histoire de la fille d’un riche aristocrate qui cherche à se soustraire à un mariage forcé. La musique enjouée, souriante, pétillante, rappelle la Symphonie classique. Les solistes sont presque tous russes, d'où le parfait naturel des inflexions vocales et musicales. À une solide distribution s’ajoute la direction précise et nerveuse de Vladimir Jurowski, qui obtient de ses Londoniens une palette d’émotions et de couleurs très variée. Le luxueux livret présente les textes en français, anglais, allemand et russe (cyrillique malheureusement : aucune chance, donc, de suivre les dialogues originaux à moins de savoir déchiffrer cet alphabet particulier), illustrés de quelques belles photos de la production 2006 du Glyndebourne Opera.

- Frédéric Cardin

BEETHOVEN: Ideals of the French Revolution

Maximilian Schell, narrator; Adrianne Pieczonka, soprano
Orchestre symphonique de Montréal, OSM Chorus / Kent Nagano
Analekta AN 2 9942-3 2CDs (108 min 15 s)
***
Musically, The General is essentially Beethoven’s incidental music for Goethe’s play Egmont. But the original Goethe text has been set aside and replaced by a new one created by the Welsh music critic Paul Griffiths. The General is based on the Rwandan experiences of Canadian general Roméo Dallaire, as recounted in his book Shake Hands With the Devil. Dallaire was head of the ill-fated UN peacekeeping mission in Rwanda in 1993-1994. The world simply wasn’t interested in preventing the massacre and Dallaire returned to Canada a broken man.

For some reason Griffiths decided to tell the Rwanda story without mentioning either names or places. But without any mention of Rwanda, Dallaire, Tutsis and Hutus, Griffiths’ text is almost meaningless. This recording has been issued in both an English and a French version but neither one includes the text.

On the positive side, Nagano and the OSM play Beethoven’s music with great intensity. And the same goes for their performance of the Fifth Symphony on the second CD. Nagano’s performance indicates he has been strongly influenced by the period instrument specialists. He takes all the repeats and very quick tempi in accordance with Beethoven’s metronome markings. He has the strings play with little or no vibrato much of the time. The opening of the slow movement sounds strikingly different with this approach. There are some inconsistencies: why eliminate vibrato in the strings but allow it in the bassoon solos? And one can’t help wondering what the Fifth Symphony has to do with “the ideals of the French Revolution.”

Some fine music-making on this set but lots of questions too. Fans of Kent Nagano – and there are a growing number of them – will want to have this album as the first recorded documentation of his work in Montreal.

- Paul E. Robinson

Crazy

I Furiosi Baroque Ensemble (Gabrielle McLaughlin, soprano ; Julia Wedman, Aisslinn Nosky, violons ; Felix Deak, violoncelle et viola da gamba)
Dorian-Sono Luminus DSL-90802 (64 min 22 s)
** $$$

Ce CD n’est accompagné d’aucune note explicative mais comprend une invitation, rédigée en anglais seulement, à consulter quatre sites Internet pour obtenir des informations. On y apprend que l’ensemble I Furiosi est torontois et qu'il réunit des musiciens canadiens qui auraient renouvelé l’interprétation du baroque. On ne s’en serait pas douté à l’écoute du disque, dont l’objectif est de parcourir, et je traduis, « les corridors de la folie elle-même ». Le programme se compose de quatorze numéros : airs sur le thème de l’insanité amoureuse, sonates et variations de compositeurs italiens et anglais du 16e au 18e siècle, dont « La Folia » de Vivaldi, et « Suzanne » de Leonard Cohen (l'allégeance baroque de Cohen m'était, je l'avoue, inconnue). Les ratés d’intonation des cordes, l’absence générale de style, les limites de la soprano et une prise de son sans relief amènent l’auditeur à s’interroger sur l’utilité d’un tel enregistrement.

- Alexandre Lazaridès

Haydn : Concerto pour trompette / Concerto pour cor no 1 / Concerto pour clavecin en ré / Double Concerto pour violon et fortepiano en fa

Dimitri Babanov, cor; Jürgen Schuster, trompette; Ariadne Daskalakis, violon; Harald Hoeren, clavecin et fortepiano; Cologne Chamber Orchestra / Helmut Müller-Brühl
Naxos 8.570482 (72 m 52 s)
*** $
Cette nouvelle parution de Naxos propose quatre concertos rarement entendus de Franz Joseph Haydn, dont les deux seuls survivants parmi la demi-douzaine écrits pour instruments à vent. Dans le Concerto pour cor no 1 (Hob. VIId:3) composé en 1762, Haydn fait une incursion inhabituelle pour l’époque dans le registre grave de l’instrument soliste. Le corniste russe Dmitri Babanov possède un son suave très agréable, rehaussé par une acoustique résonnante et une prise de son précise. Les instruments modernes de l’orchestre de chambre de Cologne offrent un accompagnement rafraîchissant, quoiqu'un peu mou dans le 3e mouvement.

Légèrement antérieur, le Concerto pour clavecin (Hob. XVIII:2) est une œuvre joyeuse et, avec ses modulations surprenantes, non dépourvue d’humour. Le clavecin y est à la fois membre de l’orchestre et soliste. Le Double concerto pour violon et fortepiano (Hob. XVIII:6) est le seul concerto de Haydn pour deux instruments solistes. Il s’agit d’une pièce d’intérêt limité, aux mélodies peu attachantes. Le duo de solistes permet néanmoins à Haydn d’explorer le lien entre concerto et musique de chambre.

Homme de son temps, Haydn compose en 1800 le célèbre Concerto pour trompette (Hob. VIIe:1) pour un instrument d'invention récente à l'époque : la trompette à clés. (Ces clés, actionnées par la main gauche, couvrent des orifices et permettent à l’instrumentiste de jouer la gamme chromatique dans tous les registres, une nouveauté par rapport à la trompette naturelle.) Le deuxième mouvement donne à entendre une mélodie expressive dans le riche registre grave. Jürgen Schuster possède un son lyrique (quoiqu’un peu trop chargé d’air à mon goût), mais il a la fâcheuse habitude de terminer ses phrases par des accents éclatants, pas toujours du meilleur goût. Une version qui ne détrônera pas celles de Winton Marsalis et de Håkan Hardenberger.

- Louis-Pierre Bergeron

Handel: Water Music / Music for the Royal Fireworks

L’arte dell’Arco / Federico Guglielmo
Cpo 777 312-2 (66 min 5 s)
*****

Cette toute nouvelle version des deux œuvres les plus populaires de Haendel est, en théorie, « authentique ». Cependant, et bien qu’admirablement rendue par l’ensemble italien L’Arte dell’Arco, elle soulève des questions sur le sens du terme « authentique ». Une interprétation est-elle authentique parce qu'elle fait appel aux instruments anciens ? Assurément pas. Ou encore parce que les forces d’exécution de l'œuvre sont réduites ? Le doute s'accroît. Federico Guglielmo dirige ici un ensemble de 26 musiciens; or, Water Music et Fireworks ont été composés pour de vastes, voire monumentaux déploiements extérieurs… Cela dit, l’interprétation extrêmement vive et dépouillée proposée ici de ces icônes de la musique anciennes vient rafraîchir, dépoussiérer les sentiers de l'orthodoxie post-baroque. Elle met en relief des textures nouvelles, des lignes discursives souvent noyées, ou simplement oubliées. Je ne voudrais pas me départir de mes enregistrements « épiques » de Haendel, mais suis maintenant heureux d'en posséder une surprenante révision. Je crois que vous le serez aussi.

- Frédéric Cardin

Ludus Danielis

The Dufay Collective / William Lyons
Harmonia Mundi HMU 907479 (68 min 23 s)
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À la fois théâtre par ses dialogues, drame par l'opposition entre la foi chrétienne de Daniel et les cours païennes des rois Balthazar et Darius, oratorio par l'importance accordée au chœur, le Jeu de Daniel combine deux épisodes du Livre de Daniel, soit le commentaire de l’inscription « Mane, Tekel, Phares » et le séjour miraculeux du prophète dans la fosse aux lions. Cet ancêtre de l’opéra est le résultat d’un travail collectif entrepris au XIIIe siècle, sans doute à Beauvais (France). Le texte offre une langue savoureuse, encore latine (la prononciation adoptée ici est hétérogène, souvent incompréhensible) mais travaillée par la germination de la future langue française (par exemple, « Va, car il veut te parler » est rendu par « Veni desiderat parler a toi »). On ne peut qu’admirer la variété de la réalisation instrumentale aux effets acoustiques parfois étrangement modernes, et l’improvisation indispensable en présence d’un manuscrit dont l’imprécision ouvre la porte à beaucoup de liberté. La prise de son ample suggère un espace vaste comme celui des cathédrales où ce Jeu était représenté.

- Alexandre Lazaridès

Œuvres pour violon et orgue

Anne Robert, violon; Jacques Boucher, orgue
XXI 1626 (61 min 13 s)
*****
Music for the organ and violin has received little attention for the last 120 years, but this disc of 13 pieces from eight composers demonstrates how both Romantic and Modern composers value the two instruments. The gems are found at the beginning and end. The album opens with the gloomy organ chords of the late Romantic Swedish composer Gustav Hägg’s Adagio, Op. 34. After the first few solo bars, the violin enters singing a dejected melody that sets the tone for the entire album.
Canadian composer John Burge’s dramatic and musical Variations Éclectiques, written especially for Robert and Boucher, closes the album. Based on variations of minor and chromatic themes heard in the first few bars, the 15-minute piece is driven, yet haunting. The violin is played with precision and poise while the organ permeates with rhythmic, yet dark themes, occasionally pushing the tempo into a 3/4 waltz. While the music borders on the sinister, the duo brings to life Burge’s ghostly lyricism. Other highlights include Paul Gläser’s lamenting Troestung and Herman Schroder’s well crafted Funf Stücke für Violine und Orgel. The poignant melodies from Robert’s violin and Boucher’s lyrical, yet often melancholic, organ create a powerful and emotional hour of music.

- Andrew Buziak

Lully : Psyché

Boston Early Music Festival Orchestra and Chorus
Paul O’Dette & Stephen Stubbs
Cpo 777 367-2 (3CD: 173 min 42 s)
***** $$$$

Après un excellent Thésée, l’équipe du festival de Boston propose ici sa récente production de Psyché, nouvel inédit de Lully. Créé en 1678, cet opéra résulte du remaniement d’une fastueuse tragédie-ballet donnée quelques années plus tôt, ce qui lui confère une place à part dans la production du Florentin. Transformé en opéra par l’insertion de nombreux récitatifs, Psyché conserve néanmoins de nombreuses traces de ses origines : les choeurs y tiennent un rôle mineur, au profit des petits ensembles vocaux et bien sûr des danses, presque tout le cinquième acte étant occupé par les entrées successives du grand ballet final, véritable apothéose qui réunit sur scène la plupart des dieux de l’Olympe et leur suite (mais aussi des polichinelles!). Fait inhabituel également, l’action dramatique est entièrement construite autour de deux héroïnes : Vénus (Karina Gauvin) poursuit la nymphe Psyché (Carolyn Sampson), jalouse de l’intérêt que son fils Amour et son mari Vulcain lui portent. Les deux chanteuses, malgré que ce répertoire ne leur soit pas souvent associé, s’en tirent avec honneur, l’une composant une Vénus fougueuse, l’autre une Psyché toute en finesse (et sans accent anglais!). Dans l’ensemble, si l’intrigue reste mince, elle donne prétexte à de forts belles pages, comme cette grande plainte italienne, à elle seule un petit opéra, avec marche d’ouverture, concert des flûtistes sur scène, lamento et ballet des porteurs de flambeaux. En dépit des faiblesses qu’accusent certains petits rôles, ce coffret, à défaut de DVD, préserve l’éloquence et la magie du spectacle qui avait séduit l’été dernier.

- Philippe Gervais

Messiaen Chamber works

Hebrides Ensemble
Linn CKD 314 (73 min 59 s)
**** $$$$Ceux que la curiosité attire vers Messiaen mais qui craignent les rigueurs de l’avant-garde devraient prendre le pari de ce disque. D’abord pour le choix des œuvres, qui s'étalent du tout début (1932) à la toute fin (1991) de la carrière du compositeur. Ensuite pour l’instrumentation, familière et engageante. Enfin, et surtout, pour la calme précision de l’interprétation. Les habitués du Maître trouveront que le Quatuor pour la fin du temps n'inspire pas le recueillement mystique qui lui est si caractéristique, et qu’il souffre de problèmes d’équilibre (le souffle de Martin à la clarinette va parfois jusqu'à dominer le timide violoncelle de Conway), mais ils applaudiront à l’exécution de Thème et variation et du Merle noir, sans oublier les rares Fantaisie (récemment redécouverte par la veuve du compositeur) et Pièce pour piano et quatuor à cordes.

- René Bricault

Ludwig van Beethoven: Symphonies Nos 2 & 7

Minnesota Orchestra / Osmo Vänskä
BIS SACD-1816 Hybrid SACD (75 min 49 s)
***** $$$$

It has been a banner year for collectors who aim to acquire fifty or more recorded cycles of the Nine. Boxed sets have been arriving steadily and most of them reflect an advanced level of Beethoven performance even if the interpretations seem to be increasingly generic. This is the concluding installment of the Minnesota cycle and it is plainly a cut above the rest. Instead of recording live concerts in rapid succession, BIS took the traditional route to excellence: rehearsal followed by concert performances and then into the studio. Symphonies Nos 2 and 7 come out sounding as fresh and vital as previous issues. All credit is due to Osmo Vänskä for taking the Bärenreiter Urtext Edition to heart while eschewing idiosyncratic stylistic trends. The result is fundamental Beethoven, never lacking in profundity and never neglecting the robust good humour of its creator. The orchestra deserves as much recognition. The playing is exemplary throughout but the ability to render perfect piano passages (as here) is something that is embedded in an ensemble’s musical DNA. There have been fine Beethoven cycles from New York (Bernstein/Sony), Cleveland (Szell/Sony) and Chicago (Solti/Decca) but taken as a whole, Minnesota can now claim the US national title on the basis of consistent inspiration, dedicated musicianship and the highest quality of recorded sound.

- Stephen Habington

Schnittke : Die Klavierkonzerte

Ewa Kupiec, Maria Lettberg, piano; Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin / Frank Strobel
Phoenix Edition 103 (72 min 25 s)
***** $$$$
Serait-ce la première intégrale des concertos pour piano de Schnittke ? (Excluons la Music for piano and chamber orchestra de 1964, qui n'est pas à proprement parler un concerto.) Précisons d'emblée qu'un gouffre stylistique sépare l’œuvre de jeunesse des deux concertos suivants. Le « premier » (ils ne sont pas numérotés), en effet, ressemble davantage à Bartok qu’à Schnittke lui-même. Qu’à cela ne tienne, on tirera plaisir de l'excellente prise de son et de la fougueuse interprétation. Les jeunes interprètes ont le don d’illustrer tout le délire qui irrigue ces pages. Leur élan casse-cou provoque bien quelques erreurs de synchronisation rythmique, quelques trébuchements dans l'articulation, mais l’enthousiasme des musiciens s’avère contagieux et l’auditeur se fait indulgent. Il existe de meilleures versions du Concerto pour piano et cordes, mais pas dans un programme globalement mieux réussi. Gardez l’œil sur Kupiec, son jeu devrait s'affiner avec l'âge.

- René Bricault

The Art of George Szell Volumes 1 & 2

New York Philharmonic-Symphony Orchestra, The Cleveland Orchestra / George Szell
Previously unissued broadcast concerts 1943 – 1957

Volume 1: Beethoven: Symphony No 7; Weber: Overture to Oberon; Mendelssohn: Symphony No 4; Schumann: Symphony No 4, Wagner: Overture to Tannhäuser; Smetana: The Moldau, Overture to The Bartered Bride, Quartet in E minor (orch Szell); Brahms: Symphony No 2; Strauss: Don Juan, Till Eulenspiegels lustige Streiche; Rimsky-Korsakov: Capriccio Espagnol; Sousa: The Stars and Stripes Forever; Prokofiev: Violin Concerto No 1; Gershwin: Rhapsody in Blue
West Hill Radio Archives WHRA 6018 (291 min)

Volume 2: Haydn: Symphony No 97; Mozart: Overture to the Marriage of Figaro; Beethoven: Symphony No 6; Weber: Overture to Euryanthe; Schubert: Symphony No 9; Wagner: Prelude and Good Friday Spell from Parsifal; Brahms: Piano Concerto No 2; Lalo: Symphony Espagnole; Franck: Symphony in D minor; Sibelius: Symphony No 2
West Hill Radio Archives WHRA 6019 (299 min)

***** $$$
Vintage performance on compact disc of both studio material and as here, live concerts, has become a reliable growth sector for the classical recording industry. West Hill Radio Archives of Don Mills score a major coup with these sets of first-ever releases of truly historical importance. Here is Szell caught on the fly at the outset of his conducting career in America, drawing out the best from two very fine orchestras.

Posterity has not been kind to George Szell. He has been saddled with the reputation of a ruthless tyrant. In reality, Szell was a supremely gifted musician who approached his art as a matter of life or death. A martinet perhaps, but he ran his own orchestra in Cleveland like a good regiment and established a tradition of excellence which is maintained to this day.

The performances in both sets are vital and thrilling. Precision is razor-sharp without any sacrifice of lyricism or poetry. Szell’s 1943 debut concerts with the NYPSO and in Cleveland are documented in Volume 1. This is the real deal in real time: nitpicking musical criticism would equate to gratuitous impertinence.

We are indebted to Lani Spahr for the quality of this edition. He served as producer, annotator (the booklet notes are superb) and audio restoration engineer. The sound quality of the 1940s concerts is as good as any afforded Toscanini or Walter from sources of the same period. Imaging for the concerts from 1953 and 1957 is predictably finer. At no point is the audio less than serviceable. It is also heartening to discover that Mr Spahr is a renowned performer on period oboes. The giants of bygone days are often scoffed at by advocates of the authentic brigade but Spahr lavished respect and affection on this project.

WHRA has also made strenuous efforts on behalf of the inimitable Charles Munch in Boston. Three Munch boxes of previously unissued material are now on the market. The most recent, Charles Munch in Boston, The Early Years (WHRA 6015), has been sampled and found to be just as essential as the Szell collection. The seven CDs are packed with performances of spontaneous flexibility and the odd repertory duplication makes for fascinating comparisons to Szell live.

- Stephen Habington

Variés : Four American Quartets

Fine Arts Quartet
Naxos 8.559354 (62 min 27 s)
** $

Les compilations de musiques diverses n'ont qu'un intérêt, celui de la découverte. À moins d'une préférence marquée du mélonmane pour tel ou tel ensemble instrumental, la webradio, dans son infinie variété, les rend caduques. De plus, le répertoire n’impressionne guère ici: le Premier Quatuor de Ralph Evans sonne comme du mauvais Bartok à « tonalité élargie » (avec un demi-siècle de retard !); Philip Glass, fidèle à lui-même, donne dans un simplisme soporifique; George Antheil, dans son Troisième Quatuor, change de chapeau en passant du futurisme révolutionnaire de sa jeunesse à un folklorisme teinté d’humour; et le rapiéçage que sont les Echoes de Bernard Herrmann, malgré leur matériau solide et touchant, trahissent l’absence de conception formelle de ce spécialiste de musique de film. Bravo tout de même au Fine Arts Quartet pour son honorable prestation.

- René Bricault

Schubert : Piano Sonata in A, D.959 / 6 Moments musicaux

Martin Helmchen, piano
Pentatone classics PTC 5186 329 (67 min 18 s)
**** $$$$

Lauréat du concours Clara Haskil en 2001, Martin Helmchen possède une technique à la fois impeccable et discrète, dont une certaine sécheresse semble être le revers. Son interprétation de la grande Sonate en la de Schubert en souffre. L’exécution obéit au métronome, sans cultiver les moments où la suspension du temps est l’enjeu de la pulsation rythmique. Le pianiste, même s'il le fait avec intelligence et goût, opte pour une interprétation objective – les notes d’abord - particulièrement dommageable dans le deuxième mouvement; le cataclysme central tient ici de la prouesse au lieu d’évoquer une plongée dans les abîmes. En revanche, les fausses miniatures que sont les Moments musicaux surprennent agréablement, à l’exception peut-être du dernier, trop évasif. Le pianiste respire ici plus largement et prend son temps; il aménage les épisodes centraux en rêverie qu’on souhaiterait sans fin, à l’image des « divines longueurs » toujours bien calculées de Schubert.

- Alexandre Lazaridès

Le Piano: Les choix de Georges Nicholson

Horowitz; Gould; Arrau; Rubenstein; Haskil; Backhaus; Richter; Cortot
Disques Pelléas CD-0123 (6CD)
***** $$$$
This compilation is a fine introduction for any young pianist or new classical music lover. The collection consists of six discs (7.5 hours) of some of the most famous recordings mixed with older, less celebrated selections. Featuring performers like Cortot, Gould and Horowitz, the CDs are divided into categories: Chopin, Adagio – Rêverie, Les Femmes, Transcriptions, Glenn Gould, and Horowitz. At the moderate price of $26.99 (less than five dollars per disc) it is a great deal considering some epic recordings usually cost a premium when purchased individually. Vladimir Horowitz’s performance of Tchaikovsky’s Piano Concerto no. 1 and Glenn Gould’s recording of Mozart’s Piano Sonata in C major are two recordings no pianist’s collection should be without. Les Femmes is a particularly eclectic CD of female musicians, pairing Beethoven and Bach beside Chabrier and Granados and featuring Fauré’s oft forgotten Impromptu No. 2 in F minor recorded by the talented Marguerite Long. Unfortunately, the only modern composer is Frederico Mompou, so while the collection is ideal for a new initiate, the seasoned listener may find they already own the more popular recordings.

- Andrew Buziak

Der Tod und das Mädchen

Jerusalem Quartet (Alexander Pavlovsky, Sergei Bresler, violin; Amichai Grosz, viola; Kyril Zlotnikov, cello)
Harmonia mundi HMU901990 (51 min 55 s)
*****
The Jerusalem Quartet has revived two Schubert classics, the String Quartet No. 12 in C minor, D. 703, “Quartettsatz” and String Quartet No. 14 in D minor, D. 810, “Der Tod und das Madchen” (“Death and the Maiden”). Now standard string quartet repertoire, “das Mädchen” was adapted from the piano portion of an 1817 lied of the same name. “Quartettsatz” was written in 1820 as the first movement to Schubert’s unfinished Twelfth String Quartet. The Quartet approaches both pieces with vigor, making this performance one of the quickest recorded: 8 min 57 s. While the speed never diminishes, the action eventually cools in the dreamy pianissimo section, then builds to close the piece with intensity. The opening to “das Mädchen” provides the sweetest moment of the album. Kyril’s Zlotnikov’s cello makes a strong spine for the viola and violins. He performs the bass rhythm with bold, lyrical bowing, driving the entire movement with strong technique.

- Andrew Buziak

Tavener: Piano music

Ralph van Raat, piano
Naxos 8.570442 (61 min)
*** $
Les oeuvres pour piano de Tavener, malgré l'extrême diversité qu'elles présentent à l'égard de la durée, du style, de la forme, et même de la qualité, ont des traits typiquement surexploités à notre époque: absence de développement macrocosmique, pastiche, répétitions, références néo-tonales. Palin fait exception. De loin la plus intéressante pièce du recueil, et la plus ancienne, elle joue non seulement avec une forme palindromique (« en miroir », d’où le titre), mais aussi avec le contraste entre d’obsessifs unissons répétés et des nuages d’accords atonaux délicatement arpégés. Pour ceux qui apprécient l’approche pianistique du jeune van Raat, sachez qu’il se trouve au sommet de sa forme, et offre sans doute là sa meilleure prestation sur disque à ce jour.

- René Bricault

Rachmaninov: 24 Préludes

Mathieu Gaudet, piano
XXI 1622 (CD1: 39 min 47 s; CD2: 41 min 1 s)
*****
Rachnaninov’s Preludes spanned his career and are rarely performed complete. In this recording Matthieu Gaudet performs all 24, demonstrating the full range of the composer. Rachmaninov is often remembered for the complexity of his writing but the Preludes highlight his subtly. Gaudet explores this, most notably in the slower pieces. No.10 in G flat major calls for patience and a light touch; the action lies in the harmony, not the tempo or the volume.
The recording also highlights Gaudet’s control, particularly in the G minor prelude. It opens with a subtle jaunt and fades to a Chopin-esque fantasia in the middle. The ending is bold, in traditional Rachmaninov style. Gaudet does not hesitate to reach a full fortissimo in the final section. Overall, his performance on this album is wonderful and full of passion.

- Andrew Buziak

Norgard: String Quartets 7, 8, 9 and 10

The Kroger Quartet
Dacapo 8.226059 (70 min 54 s)
***** $$$$

La notion de postmodernisme musical est immanquablement liée, dans l’esprit des mélomanes comme des professionnels, aux diverses musiques « néo-modales » récentes de Glass, Pärt ou Gorecki. Mais d’autres compositeurs relativement faciles d'écoute et indéniablement postmodernes se réclament de l’avant-garde post-sérielle dont ils sont issus. Pensons à Vivier, Ligeti ou Takemitsu dans leurs œuvres tardives. Per Norgard est de ceux-là. Quarts de tons, glissandi continus, intervalles disjoints, doubles-cordes sul ponticello, voix doublant les instruments, voilà autant de techniques modernistes auxquelles il a recours dans ces Quatuors. Pourtant, cette musique dégage un calme étrange, mi-introspectif mi-résigné, qui s’avère aussi touchant que typique. Et les talentueux Kroger travaillant en étroite collaboration avec Norgard depuis des années, les difficultés techniques de ces pages de musique se sont transmuées en poésie.

- René Bricault

Le Cabaret du soir qui penche

Guy Mauffette, concepteur et animateur
Gala Records Gal-111 (67 min 56 s)
***** $$$

Nombreux sont ceux qui ont gardé la nostalgie du « Cabaret du soir qui penche », l’émission hebdomadaire diffusée entre 1960 et 1973 par la radio de Radio-Canada et qu’animait - dans le plein sens du mot : donner une âme - le regretté Guy Mauffette. Mauffette s’est éteint le 30 juin 2005 à l’âge de 90 ans. Sa voix, un rien étouffée mais habitée par toute sorte de nuances, symbolisait pour ses fidèles auditeurs le Québec culturel naissant de l'époque. Plutôt que de restituer une émission en particulier, ce disque propose une anthologie où se croisent les interventions poétiques, humoristiques, méditatives de Mauffette, des chansons (Brassens, Leclerc, Ferré, Ferland), un texte de Sacha Guitry, des morceaux de Mozart et Kreisler, sans oublier « Petite fleur » de Sidney Béchet, le lancinant indicatif de l’émission. Les notes de programme, très substantielles, sont signées Renée Legris; les accompagnent un poème et des croquis de Mauffette ainsi qu’une « chronologie sélective » complète. Quelque chose de la magie du « Cabaret » s’est peut-être perdu ici, mais on retrouvera avec émotion l’atmosphère des samedis soir d’antan.

- Alexandre Lazaridès

Ravel: Shéhérazade / Debussy: Proses Lyriques / Dvorak: Song to the Moon, Rusalka

Marianne Fiset, soprano; Marie-Ève Scarfone, piano
Orchestre de la francophonie canadienne / Jean-Philippe Tremblay
Analekta AN2 8761 (45m 38s)
**** $$$

Soprano Marianne Fiset was propelled to fame in a most dramatic way last year, when she won the Grand Prize of the Montreal International Music Competition, as well as the Jean Chalmers Prize for the best Canadian artist, the Joseph Rouleau Prize for the best artist from Quebec, the Poulenc French Song Award and the People's Choice Award – talk about a clean sweep! That magical evening, the audience was swept away by the beauty of her tone and her impeccable musicality. Part of her win involved a debut recording contract. Here we have the result – she sings Ravel's popular Shéhérazade and Debussy's Proses Lyriques, with the famous “Song to the Moon” from Dvorak's Rusalka thrown in as a bonus.

The centerpiece of this disc is the Ravel cycle. The tessitura of Sheherazade, often sung by mezzos, is quite low. However, it does not pose any difficulty for Fiset's lyric voice, which is remarkably even throughout its range. This cycle, together with the four Debussy songs, shows off her purity of tone and sweet timbre. Given that Fiset is at the beginning of her career, she naturally excels in pure vocalism while still having a way to go in interpretative nuance, which I am sure will come with maturity and more stage experience. As well, one wishes for a bit more chiaroscuro in her singing. Marie-Eve Scarfone is a sympathetic and supportive collaborative pianist. But the most enjoyable piece is the aria from Rusalka, which she sings here as gorgeously as she did at the Competition. At 45 minutes, this disc is lamentably short – it could easily have included more operatic arias, such as her “Dove sono” from Le nozze di Figaro. Still, this is an auspicious debut disc and, let's hope, first of many to come.

- Joseph K. So

Schubert : Sehnsucht

Matthias Goerne, baryton; Elisabeth Leonskaja, piano
Harmonia Mundi HMC901988 (65 min 05 s)
***** $$$$

Le titre de ce premier volume d’une éventuelle « Édition Schubert de Matthias Goerne » (Sehnsucht ou « Désir », emprunté à un lied composé sur un texte de Schiller) semble annoncer une anthologie thématique. Goerne a enregistré Schubert chez d’autres éditeurs, dont un Winterreise où s'est révélée une perception assez singulière de l’univers schubertien (Hyperion, 1997). La voix n’y est pas « belle », mais le baryton allemand en use avec une habileté et une sensibilité très fines rappelant spontanément Fischer-Dieskau, l'un de ses maîtres à chanter. Plus de dix ans après, la voix s’est assombrie, et Goerne la manie avec un art encore plus subtil. Quinze lieder écrits entre 1814 et 1828 sur des textes de Mayrhofer, von Leitner, Schiller et Goethe - de « An Emma » D.113 au long et magnifique « Der Winterabend » D. 938 – évoquent ici une quête d’absolu en des tableaux qui deviennent méditation sur la nature et la destinée humaine. Dès la première minute, on est conquis, dans le monde idéal entrevu, ailleurs. La grande Leonskaja est une partenaire idéale.

- Alexandre Lazaridès

Capital Brassworks : Gabriel’s Sister

Karen Donnelly, trompette; Capital Brassworks / Alain Cazes
Capital Brassworks Records
**** $$$

Formé d'une quinzaine de musiciens, dont bon nombre font partie de l’Orchestre du Centre national des arts (CNA), l’ensemble de cuivres Capital Brassworks est devenu depuis sa création en 1999 une institution musicale importante à Ottawa.

Son dernier enregistrement met à l'honneur la trompettiste canadienne Karen Donnelly, soliste de l’Orchestre du CNA depuis 1996. À la trompette piccolo, au cornet à piston comme au flugelhorn, Mme Donnelly se révèle ici une interprète d’un raffinement extrême. Tout y est. Le son, au vibrato bien dosé, est toujours lyrique et chaleureux. L'étourdissante virtuosité ne vise pas à épater la galerie mais sert toujours la musique. Et sur ce fond d'intense musicalité se déploie un répertoire très varié : œuvres pour brass bands du 19e siècle, airs d’opéra romantiques, chanson des Beatles, musique latine, ballades…

Un choix qui fait briller la soliste, mais qui confine souvent l’ensemble de cuivres dans un rôle d’accompagnateur. Capital Brassworks, dirigé ici par Alain Cazes, l’éminent chef et pédagogue montréalais, révèle toutefois de belles qualités (jeu d’ensemble, justesse, richesse de son), que gênent à peine de rares coquilles, par exemple chez les cors dans le Trumpet Voluntary. On peut néanmoins reprocher au disque une austérité excessive, un manque de relief; la sobriété de la soliste dans Napoli et Tico Tico, notamment, appelle quelques explosions d’énergie, plus d'étincelles, quoi.

- Louis-Pierre Bergeron

Debussy : Complete Works for Piano, Volume 3

Jean-Efflam Bavouzet, piano
Chandos CHAN 10467 (71 min 54 s)
***** $$$$

L’auditeur sent d'emblée la présence d’un maître du clavier qui sait camoufler parfaitement la mécanique sous la musique qu’il en tire. Et comme la prise de son est ici à la hauteur de l'exécution, le plaisir est double. Le troisième volume de l’intégrale des œuvres pour piano de Debussy par Jean-Efflam Bavouzet comprend des pages qu’on peut qualifier de mineures, la plupart datant du début des années 1890 (Nocturne, Rêverie, Mazurka, etc.), et d’autres bien inscrites au contraire dans le répertoire (Suite bergamasque, Arabesques, Children’s Corner). Toutes cependant sont traitées par le pianiste avec la même rigoureuse recherche du son ample et profond. Dans un programme plus composite qu’il n’en a l’air, cela crée une unité sonore témoignant d'un talent affirmé. On pourra cependant exprimer des réserves à l’égard d’une dynamique certes généreuse, mais qui ignore les dégradés et les effets de pédale qu’un Arrau, un Zimerman ou un Michelangeli ont trouvés, de leur côté, pour transmettre subtilement les variations atmosphériques propres à Debussy.

- Alexandre Lazaridès

Mahler: Symphony no. 6

Chicago Symphony Orchestra / Bernard Haitink
CSO-Resound SACD 901807 (2 CD : 90 min 41 s)
**** $$$$

Heureusement, ou peut-être malheureusement, Bernard Haitink se retient de tomber ici dans les élucubrations psychologiques ou les épanchements passionnels. S'il existe une musique où ce risque est partout présent, c'est bien l'univers symphonique de Mahler, en particulier sa « tragique » Sixième. Haitink offre au contraire à l'auditeur une lecture d'une parfaite intelligence musicale. Bien malin celui qui dénicherait une version de cette symphonie où les décisions spécifiques du chef s’intègrent aussi naturellement à la structure globale de l’œuvre. Et si peu de mahlériens mettront ce disque au premier rang de leur palmarès personnel, tous auront intérêt, ne serait-ce que pour approfondir leur discernement musical, à en faire une écoute très attentive. L’étiquette « personnelle » de l’orchestre de Chicago rivalise ici d’ingéniosité en matière de captation sonore.

- René Bricault

Mahler: Symphony No. 7

Royal Liverpool Philharmonic / Gerard Schwarz
Artek AR00432 (76 min)
** $$$$

Pauvre Philharmonique de Liverpool. Les musiciens se démènent comme ils peuvent pour réaliser une interprétation… qui ne veut rien dire. En effet, Schwarz cherche systématiquement un tempo précis et différent pour chaque nouveau motif au début de l'œuvre, ce qui détruit la continuité narrative tout en empêchant les musiciens de s'exprimer avec passion – pour ensuite abandonner l'idée et garder un rythme aussi constant que monotone (on songe en particulier ici à la fin du 3e mouvement). En voulant à tout prix imprimer sa personnalité à la Septième, le chef obtient exactement le contraire. De plus, la qualité de l'enregistrement, malgré sa louable précision, manque de fondu, de brillance, bref d'un mastering digne de ce nom.

- René Bricault

Naturally Beethoven

Les Vents de Montréal / André Moisan; David DQ Lee, contre-ténor; Yannick Nézet-Séguin, piano
ATMA Classique ACD2 3004
***** $

Atma Classique lançait récemment la collection Naturally, une série de six disques présentés dans un emballage éco-responsable de carton recyclé. Si ce soudain élan vert est prétexte à la réédition à prix modique d’excellents disques du catalogue, tant mieux !

Naturally Beethoven propose du maître allemand une sélection hors du commun, en majorité des œuvres arrangées pour ensemble de neuf instruments à vent (hautbois, clarinettes, bassons et cors par paire, et contrebasson). Autorisée par le compositeur lui-même, la présente version de la Symphonie no 7, op. 92 révèle ce chef-d’œuvre sous un jour nouveau. L’ensemble à vent s’avère le véhicule parfait pour capter l’énergie, la fièvre de cette musique que Richard Wagner a appelée une « apothéose de la danse » et Romain Rolland, une « orgie de rythme ». Il met en valeur toute une variété de dynamiques et de timbres que l'oreille a normalement du mal à distinguer dans la masse sonore du grand orchestre. Les bassons et contrebasson, entre autres, émettent des sonorités d’outre-tombe qui colorent parfaitement la marche funèbre du deuxième mouvement. Rarement aurons-nous entendu une 7e si bien rythmée, si enlevée, si acrobatique !

Le Septuor, op. 20 pour vents et cordes (ici dans un arrangement pour vents seulement) s’inscrit, avec sa structure en 6 mouvements, dans la lignée des divertimenti de Haydn et de Mozart. Voilà un Beethoven jeune, imaginatif et confiant, dont la musique ne laisse en rien présager le compositeur tourmenté des années ultérieures. Les Vents de Montréal, sous la direction d’André Moisan, montrent ici leur folle virtuosité et un sens de l’ensemble et de la justesse remarquables. Une mention à Simon Aldrich pour la belle cadence du finale. En complément de disque, on trouvera deux mélodies pour contre-ténor rarement entendues. David DQ Lee et Yannick Nézet-Séguin, qui l'accompagne au piano, s’y révèlent de sensibles interprètes. Lee possède une belle voix, bien conduite dans les piani, et Nézet-Séguin réussit à tirer de la partie de piano relativement simple une singulière profondeur.

- Louis-Pierre Bergeron

Nielsen: String quartets vol. 2

The Young Danish String Quartet
Dacapo SACD 6.220522 (63 min 59 s)
***** $$$$

Le Young Danish String Quartet avait épaté la critique avec son premier volume des quatuors de Nielsen. Ce deuxième volume est un triomphe qui vient confirmer les mérites exceptionnels du quatuor et deviendra sous peu la nouvelle version de référence. Tous les éléments convergent ici pour forger un équilibre presque parfait des textures polyphoniques. Interprètes et techniciens de son se montrent également sensibles aux timbres individuels et au fondu collectif. Les exubérants Young Danish se sont soigneusement préparés, cela est manifeste dans la précision partout présente, notamment lors des difficiles changements métriques et des passages rapides. La qualité de la conception formelle et l’intelligence du phrasé méritent également des éloges. Ajoutez à cela l’habituel régal auditif du Super Audio, et voilà une indiscutable réussite musicale.

- René Bricault

Launch Pad

Penderecki String Quartet
Centrediscs CMCCD 13308 (71 min)
**** $$$

After three decades together, the Penderecki String Quartet has released its first full album of new Canadian composing. “Launch Pad” features the works of five composers, written between 1999 and 2006. Laurie Radford’s Everything We See in the Sky was written for string quartet and digital signal processing. This piece explores energy, volume, and emotion through a wide variety of technical and tonal techniques. The first sounds on the piece are jumpy, dissonant chords played over atonal runs, which creates an aharmonic glissando effect in all the instruments of the quartet. Pitor Grella-Mozejko’s The Secret Garden (Music for Agnieszka Hollan), and Daniel Janke’s String Quartet No. 1 provide colour, but are not as powerful as the closing track, Jeffrey Ryan’s String Quartet No. 3 sonata distorta. This piece was written for Tolstoy’s novella The Kreutzer Sonata, a tale of jealousy and murder surrounding two musicians and lovers performing Beethoven’s works. Ryan uses melodic motifs to create feelings of love, jealousy, and madness, playing with themes from Beethoven to tie the music to the story. Overall, “Launch Pad” is a well-constructed album marked with unique and musically intriguing moments.

- Andrew Buziak

Sallinen: Symphonies 3 et 5

Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz / Ari Rasilainen
CPO 9999702 (62 min 40 s)
*** $$$$

En supposant qu'il soit possible de « condenser » la musique savante instrumentale d’une nation en une seule œuvre prototypique, celle du Québec ressemblerait à celle de la Finlande, les symphonies de Sallinen contribuant au rapprochement. On y sent le souffle des grands espaces d’un Gilles Tremblay, le ludisme sophistiqué d’une Linda Bouchard, l’obsession mélodique d’un Claude Vivier, mais surtout la puissante nostalgie d’un Michel Longtin (dont les affiliations finlandaises ne sont plus à prouver), en particulier dans la mystérieuse Troisième. Mais au contraire du triste destin affligeant les œuvres orchestrales de l’avant-garde québécoise, les standards de qualité internationaux sont ici atteints en matière d’exécution et de captation sonore – de justesse, mais atteints quand même.

- René Bricault

Gilels, Kogan and Rostropovich in Historic Chamber Music Recordings

Review by Paul E. Robinson

Haydn: Piano Trio in D major Hob.XV:16 (Moscow, 1951 and London, Feb. 28, 1959)
Haydn: Piano Trio in G major Hob.XV:19 (Moscow, 1952)
Mozart: Piano Trio in G major . 564 (Moscow, 1952)
Mozart: Piano Trio in B flat major K. 254 (Moscow, 1952)
Beethoven: Piano Trio in B flat major Op. 97 “Archduke” (Moscow, 1956)
Beethoven: Piano Trio in E flat major WoO38 (Moscow, 1950)
Tchaikovsky: Piano Trio in A minor Op. 50 (Moscow, 1952)
Saint-Saens: Piano Trio in F major Op. 18 (Moscow, 1953)
Schumann: Piano Trio in D minor Op. 63 (Moscow, Aug. 8, 1958)
Shostakovich: Piano Trio in E minor Op. 67 (London, Feb. 28, 1959)
Borodin: Piano Trio in D major (Moscow, 1950)
Faure: Piano Quartet No. 1 Op. 15 (Moscow, 1958)
Brahms: Horn Trio in D minor Op. 40 (Moscow, Feb. 25, 1951)
Doremi DHR-7921-5 (5-cd set)

I will never forget my first experience with Emil Gilels. It was at Massey Hall in Toronto – in 1956 or 1957, I believe – and Gilels was the first Soviet artist of stature to be allowed to concertize in the West. I was a young piano student at the time and I simply could not believe my ears when Gilels tore into Stravinsky’s Petrouchka like a man possessed. The power and virtuosity were staggering. I dubbed him ‘the mad Russian’ at the time, but like so many others I had completely mischaracterized this remarkable musician.

Gilels was the first to come to Canada. He was followed by Oistrakh, Kogan, Rostropovich and many others. It was an incredible parade of talent. We had known many of these artists only through recordings. By the time they were allowed to accept engagements outside what was then the Soviet Union, they had become legendary figures. In almost every case, the reality surpassed the legend. Wherever they went, these great musicians enriched the cities they visited and the people they met.

Like all the Russian musicians, Gilels was considered authoritative in music by Russian composers and that was the music he was always asked to play. Over time, however, it became clear that Gilels loved the music of Brahms and Beethoven and played it as well as anyone alive. His recordings of the Brahms concertos with Jochum and the Berlin Philharmonic are universally recognized as among the best ever made. It was also soon apparent that he had a special affinity for chamber music, and that he welcomed the opportunity to play it.

One of Gilels’ most highly-acclaimed recordings was the Brahms’ Quartet in G minor with the Amadeus Quartet for DG. This new release from Doremi of Gilels chamber music recordings from the 1950s demonstrates that his chamber music mastery went back a long way, and that it was well documented by the Russian Melodiya record company. These recordings were never given wide circulation in the West, but they are most welcome even after all these years.

While it was Gilels’ participation in these recordings that first got my attention, one can hardly ignore his distinguished colleagues, Kogan and Rostropovich. The trio was formed in 1949 and lasted for more than ten years. These recordings provide a vivid documentation of this great partnership.

It’s difficult to know where to begin a commentary on such a large body of work contained in a single boxed set. Overall, I would say that the standard of performance and musicianship is incredibly consistent throughout, and the performers seem authoritative in every musical period and every style. Haydn and Mozart are played with lightness and elegance with virtually all repeats observed (the first repeat in the first movement of Haydn’s Trio No. 16 is omitted in the London recording), Schumann and Tchaikovsky with passion, and Shostakovich with searching intensity.

More particularly, I loved the jaunty, relaxed style of the first movement of Mozart’s K. 564 and the noble and exciting playing in the fourth movement of the Schumann Trio Op. 63. And while there have been fine recordings of the Tchaikovsky Trio, this is one of the best. The pianist tends to dominate in most performances because the part has so many virtuoso elements and so many big fat chords. Gilels makes the most of every one of them but there is no way he is going to drown out the likes of Kogan or Rostropovich. This is big-boned playing in a piece that absolutely demands it.

If there is one performance in the set that best demonstrates the rarified artistry of these three musicians, it is the Tchaikovsky. In this piece, Tchaikovsky takes us on a journey through a vast range of human emotion and Gilels, Kogan and Rostropovich give everything they have to make the trip unforgettable.

From the opening bars we hear the playing of three remarkable soloists, but as the music unfolds and the tempo ebbs and flows, we hear something else – almost like three great jazz musicians riffing off each other, reveling in the music they’re playing and building the tension. When the great familiar melody comes back at the very end of the piece, these three musicians go all out to make it grand and thrilling before falling back into the sense of gloom and despair which closes the piece. Along the way we have a wonderful give and take between Kogan and Rostropovich in the waltz variation and incisively characterful playing by Gilels in the mazurka.

One of the biggest surprises and delights for me in this set was the performance of Brahms’ Horn Trio. The hornist is Yakov Shapiro and the man is a supreme artist on his instrument. He plays with the vibrato that one has long associated with Russian and French performers and it is a style of playing that has almost disappeared. But perhaps that style needs to be reconsidered. I’ve always felt that in most performances of this piece the horn doesn’t blend well with the violin or the piano and it is often too loud. But just listen to this 1951 performance; Shapiro not only plays with vibrato but he manages to match and blend perfectly with Kogan’s vibrato. I couldn’t believe how wonderful this sounded, and I began to think about what Brahms had in mind. Does anyone know if the french horn player at the first performance played with vibrato? And what about the horn parts in the Brahms’ symphonies?

Finally, I can’t emphasize enough what a splendid job Jacob Harnoy has done in remastering these recordings. There are no clicks and pops from the original 78s or LPs, and one never gets the feeling that artificial means have been used to dampen the surface noise. In other words, nothing comes between us and the music-making. The technicians at Melodiya in the 1950s knew something about making good recordings. We must thank Jacob Harnoy and Doremi for making them available to us after all these years, and in the form in which they were meant to be heard.

Doremi has already issued the Emil Gilels Legacy Volumes 1-7 and a CD featuring Kogan and Gilels playing Beethoven Sonatas. At http://www.doremi.com/ you will find a complete Gilels Discography compiled by Ates Tanin.

Paul E. Robinson is the author of Herbert von Karajan: the Maestro as Superstar and Sir Georg Solti: his Life and Music, both available at http://www.amazon.com/. For more about Paul E. Robinson please visit his website at http://www.theartoftheconductor.com/